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Günther Uecker (1930 Wendorf) (F)Entwurf zu 'Aggressive Reihung', Zeichnung auf Papier, 29 cm x 29 cm Blattmaß, 'Aggressive Reihung Kunstring Folkwang Essen' bezeichnet, partiell kickfaltig, Provenienz: Privatsammlung EssenGünther Uecker (1930 Wendorf) (F)Design for 'Aggressive Reihung', drawing on paper, 29 cm x 29 cm sheet size, inscribed 'Aggressive Reihung Kunstring Folkwang Essen', slightly creased, provenance: private collection, Essen

Günther Uecker (1930 Wendorf) (F)'ich bin im Restaurant Luigi...', Zeichnung auf Papier, 30 cm x 18,5 cm Blattmaß, partiell Papierabrieb, knickfaltig, Provenienz: Privatsammlung EssenGünther Uecker (1930 Wendorf) (F)'ich bin im Restaurant Luigi...', drawing on paper, 30 cm x 18.5 cm sheet size, paper slightly abraded, some creases, provenance: private collection, Essen

Verschiedene Künstler (1. Hälfte 20. Jh.)Hommage an Mutter Ey, 4 Tuschezeichnungen, 1 Bleistiftzeichnung und 1 übermalte Postkarte, u.a. von Robert Pudlich (1905 Dortmund - 1963 Düsseldorf), 14 cm x 8,5 cm - 22 cm x 28,5 cm Blattmaß, partiell stockfleckig, knickfaltigVarious artists (1st half 20th C.)Hommage to Mutter Ey, 4 Indian ink drawings, 1 pencil drawing and 1 overpainted postcard, artists include Robert Pudlich (1905 Dortmund - 1963 Düsseldorf), 14 cm x 8.5 cm - 22 cm x 28.5 cm sheet size, slightly foxmarked and creased

Jürgen Brodwolf (1932 Dübendorf)Ohne Titel, Aquarell und Zeichnung auf Papier, 20,5 cm x 29,5 cm Passepartoutinnenmaß, signiert, 1984 datiert, knickfaltigJürgen Brodwolf (1932 Dübendorf)Untitled, watercolour and drawing on paper, 20.5 cm x 29.5 cm mat inner dimensions, signed, dated 1984, creased

'Ich, ein Jud. Verteidigungsrede des Judas Ischarioth'Jens Walter, 2004, Burgart-Presse, 31 SS., Ausgabe A, mit 5 Holzstichen, 12/20 nummeriert, 03 datiert, signiert, mit einer Handzeichnung von Karl-Georg Hirsch, signiert, 04 datiert, in ill. Kassette, 12/150 nummeriert, Kassette mit leichten Gebrauchsspuren'Ich, ein Jud. Verteidigungsrede des Judas Ischarioth'Jens Walter, 2004, Burgart-Presse, 31 pgs., edition A, with 5 woodcuts, numbered 12/20, dated 03, signed, with a drawing by Karl-Georg Hirsch, signed, dated 04, in ill. case, numbered 12/150, case with slight signs of wear

A GROUP OF SIX VARIOUS 19TH CENTURY MAHOGANY MOUNTED MECHANICAL RACKWORK ASTRONOMY MAGIC LANTERN SLIDES, each rectangular mahogany frame with hand painted rotating glass plates and worked by a hand crank, comprising; 'Rotundity of the Earth, proved by the motion of a ship on its surface'; 'Annual and diurnal motion of the Earth, with the Moon moving around the Earth'; 'A Comet, approaching and receding from the Sun in an elliptical orbit'; 'Diagram illustrating the parallelism, of the Earth's axes...'; 'The planet Venus, shewing its retrograde motion, as viewed from the Earth'; and 'Moveable Astronomical Sliders, No.9. This Diagram shews the various Eclipses of the Sun, with the Transit of Venus' (a/f); TOGETHER WITH A SMALL WATERCOLOUR DRAWING, 'MR CHARLES DARWIN PROPOUNDING HIS MYTHOLOGY', depicting Darwin using astronomical slides, framed and glazed (13)The absence of a Condition Report does not imply that a lot is without imperfections. Please note carefully the exclusion of liability for the condition of lots contained in the Conditions of Sale.The 'Moveable Astronomical Sliders' example lacking hand crank and the glass loose. Surface scratching and losses to the design to most slides. Condition report made 250521.

TOM HARWOOD (20TH CENTURY), CARGO SHIP, THE ‘WILD CORMORANT’, signed and dated 2000 lower right, watercolour drawing, framed. 10cm by 36cm   

DOUGLAS FREDERICK PITTUCK (1911-1993), BARNARD CASTLE MILL, signed and dated '23 July '75' lower right, charcoal, framed, 33cm by 46cm; together with LUCY ERRINGTON (20TH CENTURY), BARNARD CASTLE AND RIVER LANDSCAPE, two watercolours, each signed lower right, framed. (3)Note: Pittuck was born in Plumstead, London and educated at Wallington Grammar School where he was taught art by Tom Nash, a friend of Stanley Spencer. Whilst employed at New College Oxford, he was allowed time to attend art classes at the Ruskin School of Drawing and Fine Art in the 1930s. After the war he returned to the Ruskin full time with the aid of an ex-serviceman`s grant and studied under luminaries such as Eric Ravilious. He began a 25 year career as an art teacher at Barnard Castle School in 1948. He remained an active artist and was one of the "Four Teeside Painters" formed in 1951. His ex-pupils remember him talking of his influences who included Cezanne.

Peter Brook RBA (1927-2009) ''Bolton Bridge'' Signed and inscribed, oil on canvas, 50cm by 75cm Artist's Resale Rights/Droit de Suite may apply to this lot, please refer to our Terms of Business See illustration ''You have to get a feeling for a person or a place before you can paint them. You have to get to know them. It's not until you impregnate yourself, saturate yourself in the qualities of a place that you can paint it well.'' Peter Brook This maxim clearly resonates in the West Yorkshire born artist's stark depictions of the Yorkshire Pennines, moors, and mills. Infused with the artist's personality, his signature taglines and the appearance of his trusty sheepdog. A farmer's son, Peter Brook grew up in West Yorkshire where he spent most of his life. He was educated at Barnsley Grammar School before moving on to teacher training at Goldsmiths College, London, where he visited galleries, attended life drawing evening classes and further developed his art, alongside his teaching career back in Yorkshire. It wasn't until his 40's that he became a full-time artist, being elected as a member of the Royal Society of British Artists in 1962. He was represented by Agnews in London where he held a number of solo shows, whilst also exhibiting in America and Australia. His works can be seen in the V&A, the Tate, Wakefield Art Gallery, Leeds City Art Gallery, Leeds University & Spring Ram PLC and in major private collections worldwide. Overall framed dimensions 62.5cm by 88.5cm Covered in a layer of surface dirt and discoloured varnish. The odd brush bristle trapped within the paint. Canvas slightly buckling lower right corner. Patch to centre of the sky approx 2cm with a small scratch and associated paint loss. Very slight push mark to sky right of centre.

A set of engineer's drawing tools and a ruler set

A cased set of drawing instruments, a pair of opera binoculars, a horn beaker, a pair of salad tongs, two cigarette cases, etc.

A collection of art books, including Picasso, Fifty Years of His Art, 1946, Paul Klee, Augustus John, Charles Keene, Phiz, two drawing the figure from life books, etc.

Artist: Andy Warhol (American, 1928 - 1987). Title: "Christmas card: Tree of Treats". Medium: Original vintage color offset lithograph. Date: Composed 1960. Printed 1960. Dimensions: Overall size: 6 7/16 x 5 1/16 in. (164 x 129 mm).Lot Note(s): Signed in black marker, lower center. Edition unknown, presumed small. Light cream wove paper. The full sheet. Fine impression. Fine condition; fold as issued; unused; blank interior; lot includes original unused Tiffany envelope (embossed "Tiffany & Co. Makers New York"), also in fine condition. Literature/catalogue raisonne: Paul Marechal, “Andy Warhol Ephemera…Catalogue Raisonne, 1950-1987.” Lyon, France: Les amis du Musee de l’Imprimerie, 2018, Section 3, no. 12a; John Loring, “Greetings from Andy (Warhol): Christmas at Tiffany’s.” New York: Harry N. Abrams, Inc., 2004. Comment(s): Warhol's lifetime Tiffany Christmas cards are rare, and extremely rare signed. The most recent sale price we found of a card, unsigned and without the envelope, was $3,000 at Christie's New York, December 1st, 2014, lot #62. In 1956, in addition to all the work Warhol was getting drawing shoes and bags, he was commissioned to design Christmas cards for Tiffany & Co. on Fifth Avenue in New York City. Warhol's cards were then published by Tiffany's every Christmas up to 1962, the year he started to exhibit his paintings of soup cans. Our example offered here is from the original first printing in 1960. The cards were subsequently reprinted in a slightly larger size in 1980. Image copyright © Andy Warhol Foundation for the Visual Arts / Artists Rights Society (ARS), New York. [28734-1-600]

Artist: Jose Gurvich (Uruguayan, 1927-1974). Title: "Constructivo". Medium: Gouache and watercolor drawing on paper. Date: Composed 1952. Dimensions: Overall size: 10 1/8 x 8 1/4 in. (257 x 210 mm).Lot Note(s): Signed upper left; dated upper right. Drawn on cream wove paper. Condition: the verso of the work is in fine condition with no apparent defects. It is very fresh and vibrant and the colors true and sharp. The verso exhibits overall discoloration and a red (oil paint?) line in the center of the sheet. Neither the discoloration nor the red line telegraphs through to the recto. Overall the work does not exhibit any tears, creasing, soiling, repairs, prior framing/matting, glue remnants, tape remnants, color attenuation, holes, folds, stains, marker or ink marks. It presents extremely well. Comment(s): “Nature Morte,” a work comparable to our example in composition, size, and medium, sold for $7,300 (€5,100) at Artcurial, Paris, France, May 30, 2011, lot #186. Zusmanas Gurvicius, a key figure in the Constructivism art movement, was born in Lithuania to Jewish parents. Moving to Uruguay, he was enrolled in elementary school under the name of José Gurvich. Image copyright © The Estate of Jose Gurvich. [30190-1-4000]

Artist: Frantisek Kupka (Czech, 1871-1957). Title: "Elements mecaniques". Medium: Gouache, charcoal, and chalk drawing on paper. Date: Composed c1927-29. Dimensions: Overall size: 10 1/4 x 7 13/16 in. (260 x 198 mm).Lot Note(s): Signed in pencil, lower right recto; signed in pencil, verso; collector and gallery ink stamps, verso. Painted on brown wove paper. Fine condition with no issues to report. Provenance: If you have a genuine interest in bidding on this work kindly send an email to: provenance@stanfordauctioneers.com for provenance information and additional image(s). Comment(s): The two best comparables to our example that we could find are “Les mecaniques,” watercolor and gouache on paper, 4 3/8” x 7 1/8,” sold for $16,570 (€10,533) including premium at Tajan, Paris, April 9, 2008, lot #241; and “Etude pour les machines,” gouache and pencil on paper, c1927-29, 8 1/4” x 9,” sold for $9,400 hammer price at Phillips, London, April 4, 1990, lot #50. Image copyright © Artists Rights Society (ARS), New York. [30234-2-10000]

Artist: Albert Gleizes (French, 1881 - 1953). Title: "Etude pour composition". Medium: Pencil drawing on paper. Date: Composed 1922. Dimensions: Overall size: 7 x 4 7/16 in. (178 x 113 mm).Lot Note(s): Signed in pencil, lower right recto; collector ink stamp, verso; identified, titled, and dated in pencil, verso. Drawn on medium weight light cream wove paper. Very good condition; the image itself is in fine shape; there are two holes in the center of the top edge, well away from the image, probably staple or binding holes; paper clip outline upper left, the tip just touching the image; else fine. Provenance: If you have a genuine interest in bidding on this work kindly send an email to: provenance@stanfordauctioneers.com for provenance information and additional image(s). Comment(s): Probably a (the?) study for the gouache and pencil work “Titre inconnu #2,” offered in Day 1 of these present auctions. Image copyright © Artists Rights Society (ARS), New York. [30278-1-1600]

Artist: Pieter Snayers (Flemish, 1592 - 1667). Title: "Fanged Beast". Medium: Charcoal and color chalk drawing. Date: Composed c1650. Dimensions: Overall size: 5 1/4 x 6 7/8 in. (133 x 175 mm). Image size: 4 1/4 x 5 3/4 in. (108 x 146 mm).Lot Note(s): Signed in ink, lower right. Cream laid watermarked paper. Good condition; skinning verso where removed from old mount; unobtrusive vertical crease; scattered foxing. Comment(s): Snayers was a Flemish Baroque painter known for representations of historical battle scenes. [18809-1-1600]

Artist: LeRoy Neiman (American, 1921-2012). Title: "Femlin Playing with Reel to Reel Film Tape". Medium: Ink with watercolor drawing on paper. Date: Composed 1975. Dimensions: Overall size: 10 x 13 3/4 in. (254 x 349 mm).Lot Note(s): Signed lower right. Drawn on white wove textured paper. Fine condition - extremely fresh. Comment(s): The Femlin is a character used on the Party Jokes page of Playboy magazine. Neiman, born LeRoy Leslie Runquist, was an American artist known for his brilliantly colored, expressionist paintings and screen prints of athletes, musicians, and sporting events. Image copyright © The LeRoy Neiman Foundation. [29884-2-3000]

Artist: Jan Toorop (Dutch/Indonesian, 1858 - 1928). Title: "In de Aanwezigheid van Jezus". Medium: Colored crayons and pencil drawing on paper. Date: Composed c1924. Dimensions: Overall size: 9 1/8 x 14 1/2 in. (232 x 368 mm). Image size: 9 1/8 x 14 1/2 in. (232 x 368 mm).Lot Note(s): Signed and titled in pencil, lower left recto; titled again in pencil in the Artist's hand, verso; collector's ink stamps, verso. Drawn on thin cream wove paper. Very good to fine condition with no serious issues to report; uneven lower edge; a few fox marks; remains of newspaper (?), verso. Provenance: If you have a genuine interest in bidding on this work kindly send an email to: provenance@stanfordauctioneers.com for provenance information and additional image(s). Comment(s): A very similar work to our example is “Voor het Sanctus,” pastel, watercolor, and colored pencil on cardboard, 16 1/2" x 13 3/8,” 1923, sold for $29,580 (¥3,000,000) hammer price at Mainichi Auction Inc., Tokyo, 03/15/2014, lot #273. Johannes Theodorus 'Jan' Toorop was a Dutch-Indonesian painter who worked in various styles, including Symbolism, Art Nouveau, and Pointillism. His early work was influenced by the Amsterdam Impressionism movement. [30224-3-12000]

Artist: Charles Schulz (American, 1922-2000). Title: "Lucy Playing Baseball". Medium: Marker drawing on paper. Date: Composed c1977. Dimensions: Overall size: 12 9/16 x 8 3/8 in. (319 x 213 mm).Lot Note(s): Signed lower right. Drawn on light cream wove paper. Fine condition. Comment(s): Schulz, the creator and artist of "Peanuts," became wealthy by using his childhood insecurities and failures as material for his comic strip. Charlie Brown, the strip's likable loser, shared more than a first name with his creator and was inspired by Schulz's bittersweet memories of his Midwestern boyhood. Image copyright © The Estate of Charles Schulz. [30147-2-1600]

Artist: Pierre Bonnard (French, 1867 - 1947). Title: "Moulin Rouge". Medium: Original color lithograph, after the drawing. Date: Composed 1891. Printed 1927. Dimensions: Overall size: 10 1/8 x 7 13/16 in. (257 x 198 mm).Lot Note(s): Stamped lower right; stamped verso. Edition of 200. Cream wove paper. Printed to the edge of the sheet. Fine impression; some colors are extremely vibrant and appear to be hand-applied. Very good to fine condition. Provenance: Ex-collection Marty Gordon (the legendary print dealer), Martin Gordon, Inc., New York City, his handstamp verso. Comment(s): Rare. The lithograph is after the preliminary Moulin Rouge drawing that Bonnard executed early in 1891 in pencil, crayon, ink, watercolor, and pastel, currently in a private collection. He subsequently created, later in 1891, the finished drawing in pastel and charcoal, currently in the collection of the J. Paul Getty Museum. This print was authorized by Bonnard, printed under the immediate supervision of Charles Terrasse (Bonnard’s nephew) by D. Jacomet & Cie, Paris, and published by Henri Floury, Paris Image copyright © Artists Rights Society (ARS), New York/ADAGP, Paris. [29361-1-600]

Artist: Rufino Tamayo (Mexican, 1899 - 1991). Title: "Perro ladrandole a la Luna". Medium: Watercolor and gouache drawing on paper. Date: Composed 1988. Dimensions: Overall size: 8 x 10 7/8 in. (203 x 276 mm). Image size: 8 x 10 7/8 in. (203 x 276 mm).Lot Note(s): Signed lower right. Painted on light cream wove paper. Very good to fine condition. Comment(s): One of a series of drawing studies that Tamayo executed for the related print of the same name. See: Juan Carlos Pereda, "Rufino Tamayo: Catalogue Raisonne, Grafica/Prints, 1925-1991" pg. 269, Pereda 333. The print itself has sold as high as $6,100 (Bonhams & Butterfields, San Francisco, May 4, 2010, lot #152). Image copyright © Tamayo Heirs/Mexico/Licensed by VAGA, New York, NY. [30266-2-4000]

Artist: Keith Haring (American, 1958 - 1990). Title: "Radiant Baby". Medium: Marker drawing on paper. Date: Composed 1988. Dimensions: Overall size: 6 9/16 x 6 5/8 in. (167 x 168 mm).Lot Note(s): Signed, dated, and dedicated in black marker. Fine condition. Provenance: Private collection, Sweden, thence to our consignor. Comment(s): Image copyright © The Keith Haring Foundation. [29212-1-2400]

Artist: Tsukioka Yoshitoshi (Japanese, 1839-1892). Title: "Study for Hanging Scroll #01". Medium: Pen and ink drawing. Date: Composed c1870s. Dimensions: Overall size: 10 3/4 x 7 1/2 in. (273 x 190 mm). Image size: 7 3/8 x 5 3/4 in. (187 x 146 mm).Lot Note(s): Translucent Gampi (Washi/Rice/Mulberry) paper affixed at the corners to a semi-opaque, handmade, laid paper. Very good condition; minor folding lower right corner, no broken paper fibers. Provenance: Wittenborn Art Books, New York City. Comment(s): Drawings by Yoshitoshi are very scarce. This drawing came from a hand bound album of drawings and sketches, with Yoshitoshi’s name and date inscribed, not in his hand, on the first leaf (please see images). The date is written “the 27th year of Meiji period, Oct. 10th.” The 27th year of the Meiji is the year 1894, two years after the Artist’s death. The album is hand bound and had many blank pages. In addition, the final non-blank pages are colored around the drawings with cinnabar, clearly by the artist. Hence while the album could have been assembled after his death, the more likely probability is that it was bound by the Artist and became a working album, which he continually added to over the years. He is also known as Taiso Yoshitoshi, Yoshitoshi Taiso, and Tsukioka Kinzaburo Yoshitoshi. [24502-2-300]

Artist: Frank Lloyd Wright/Taliesin Architects (American, 1869 - 1959). Title: "Vintage Frank Lloyd Wright/Taliesin Architects Designed Carpet from the Arizona Biltmore Hotel [01 "tile"] [approximate size: 54" x 54" (4 1/2' x 4 1/2') square. The integral repeating design of the carpet consists of four green “squares” with an “arrow” through the middle of each square, pointing to the “center.” Each one of the squares is approximately 27” square and four of them make the complete design, a “tile.” The tile dimension is approximately 54 inches square (4 ½ feet x 4 ½ feet)]". Medium: Textile. Date: Lot Note(s): The carpet has been professionally cleaned and bordered. Very good condition, with no holes, patches, stains, color bleeding, etc. Several minimal, virtually undetectable, professionally repaired tears. This carpet size is perfect for a wall hanging. It is also very impressive when framed. Provenance: Arizona Biltmore Hotel, Phoenix, Arizona. Comment(s): Built in 1929 and known throughout the world as “The Jewel of the Desert," the Biltmore resort was designed by Albert Chase MacArthur, with consulting from Frank Lloyd Wright and his Taliesin Architects, particularly on the brick design and general interior design, including the carpeting. Mr. Wright's carpet design was sent to the prestigious Wilton Carpet Manufacturing Company in Axminster, England, which used only the highest quality 100% wool available in its manufacture. In 1932 the carpet was installed throughout the hotel as an integral part of the overall interior design. On June 21st, 1973, a tragic fire led to the replacement of all the carpeting throughout the resort, of which our example is part (please see image of the carpet in place). The carpet was designed by Wright's Taliesin Architects based on a Wright drawing (dated by him in 1921) for the Second Imperial Hotel in Tokyo, constructed 1915-1923. "As classically correct today as the day it was created, Mr. Wright's modern use of line and rich jewel tones make this vintage carpet as modern and enduring as the Biltmore itself." (from the "Arizona Republic"). Included in several important collections, including the Baltimore Museum of Art. Image copyright © Artists Rights Society (ARS), New York. [23620-16-400]

Artist: E(rnest) H(oward) Shepard (British, 1879 - 1976). Title: "Winnie the Pooh and Piglet in the Snow". Medium: Watercolor and ink drawing on paper. Date: Composed 1940s. Dimensions: Overall size: 7 1/4 x 9 3/16 in. (184 x 233 mm).Lot Note(s): Signed in pen, lower right recto; signed in pencil, verso. Painted on medium weight gray wove paper. Very good condition; small areas of pale staining, left and lower edges; one fox mark recto, minor scattered foxing verso; overall presents very well. Comment(s): Shepard would occasionally revisit his favorite characters in the form of drawings given to relatives, friends, and other artists, as in our example. Image copyright © The Disney Corporation and Dutton Children's Books. [30265-1-8000]

Artist: Carlos Merida (Guatemalan/Mexican, 1891 - 1984). Title: "Boceto #12". Medium: Pencil drawing on paper. Date: Composed 1969. Dimensions: Overall size: 10 7/8 x 8 7/16 in. (276 x 214 mm). Image size: 9 3/4 x 6 in. (248 x 152 mm).Lot Note(s): Signed and dated in pencil, lower center. Cream wove paper. Good condition; some foxing recto and verso. Acquired directly from the artist; from the estate of Estela Ogazon, Mexico City. Comment(s): Mérida was one of the first to fuse European modern painting to Latin American themes, especially those related to Guatemala and Mexico. He was part of the Mexican muralism movement in subject matter but less so in style. Image copyright © The Estate of Carlos Merida. [28287-2-800]

Part tea & dinnerware by Royal Grafton, together with assorted ceramics including Royal memorabilia wares, model of a parrot, plate ware and a cased technical drawing instrument set.(2)

A collection of pictures including an Impressionist oil signed Philippe De Lestrange, an engraving, pencil drawing etc

Tinte und Kohle auf Karton 20,2 x 12,5 cm. Unter Glas gerahmt. Signiert 'Louise Bourgeois'. - Mit Atelier- und leichten Altersspuren.Wir danken dem Louise Bourgeois Studio, New York, für hilfreiche Auskünfte.ProvenienzRobert Miller Gallery, New York; Galerie Lelong, Zürich (jeweils mit rückseitigem Aufkleber); Privatsammlung, Nordrhein-WestfalenAusstellungenBerkeley 1996 (University Art Museum), New York (The Drawing Center), Boston (MIT List Visual Art Center), Louise Bourgeois, Drawings (mit rückseitigem Aufkleber)Paris 1995 (Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris), Louise Bourgeois (mit rückseitigem Aufkleber)Zürich 1989 (Galerie Lelong), Louise Bourgeois, 100 Zeichnungen, Ausst.Kat.Nr.23Amsterdam 1988 (Museum Overholland), Louise Bourgeois, Works on Paper 1939-1988New York 1988 (Robert Miller Gallery), Louise Bourgeois, Drawings 1939-1987LiteraturJerry Gorovoy u.a. (Hg.), Louise Bourgeois, Drawings, New York 1988, Kat.Nr.40, o.S. mit Abb.Die Bandbreite des künstlerischen Schaffens Louise Bourgeois' wird in keinem anderen Medium so deutlich wie in der Zeichnung. Bereits ihr Frühwerk umfasst zahlreiche Zeichnungen unterschiedlichster Materialität - Bleistift, Tinte, Kohle, Kreide - in denen die Künstlerin vorgefundene Objektformen, Gedankensplitter und Emotionen in surrealistisch anmutende Bildideen fasst. Vielfach behandelt sie die gleichen Themen, greift sie immer wieder neu auf und entwickelt aus ihnen reflektierte künstlerische Aussagen, die sich - teils erst viele Jahre später - auch in ihrem skulpturalen Werk niederschlagen.„Die nächtlich entstandenen realistischen Zeichnungen sind der Triumph über schlechte Erinnerungen, sie sind notwendig, um diese auszulöschen und um sich von ihnen zu befreien… die abstraktesten unter ihnen sind angenehme Übung - der Wunsch einzuschlafen und Frieden zu finden in einem Rhythmus, in einem Modell und eingehüllt in Zärtlichkeiten.“ (Louise Bourgeois, zit. nach: Louise Bourgeois, Der Ort des Gedächtnisses, Skulpturen, Environments und Zeichnungen 1946-1995, Ausst.Kat. Deichtorhallen Hamburg 1996, S. 118-120).Gebäude, Gerätschaften, menschliche Figuren oder pflanzliche Details lassen sich in ihren Zeichnungen ausmachen. Solche Versatzstücke vereinen sich zu fragilen, halbabstrakten Objekten, die den Betrachter vor kaum zu durchdringende Rätsel stellen - archaisch, organisch und scheinbar nicht von dieser Welt.

Max Liebermann - - 1847 Berlin - 1935 Berlin Gracht in Amsterdam mit Brücke. Um 1906. Kreidezeichnung. Links unten signiert. Auf Velin. 12 x 19,5 cm (4,7 x 7,6 in), blattgroß. [SM]. • Entsteht in Amsterdam an dem sogenannten 'Grachtengordel' im Zentrum. • Kräftige und detailreich ausgeführte Kreidezeichnung. • atmosphärisch meisterhaft eingefangene Szene. Die Authentizität der vorliegenden Arbeit wurde von Frau Drs. Margreet Nouwen, Berlin, mündlich bestätigt, der wir für die wissenschaftliche Beratung herzlich danken. PROVENIENZ: Sammlung Hubert van Eyck, o.O. (bis 1953, Stuttgarter Kunstkabinett, 26.11.1953). Sammlung Finck, o.O. (1953 vom Vorgenannten erworben). Privatsammlung Nordrhein-Westfalen. LITERATUR: Stuttgarter Kunstkabinett Roman Norbert Ketterer, 18. Auktion, 26.11.1953, Los 2183. Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 13.08 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONMax Liebermann -1847 Berlin - 1935 Berlin Gracht in Amsterdam mit Brücke. Um 1906. Chalk drawing. Signed in lower left. On wove paper. 12 x 19.5 cm (4.7 x 7.6 in), the full sheet. • Made in Amsterdam on one of the characteritic canals of the 'Grachtengordel'. • Strong and detailled chalk drawing. • Masterfully captured atmosphere. This work's authenticity has kindly been confirmed orally by Drs. Margreet Nouwen, Berlin. We are grateful for her kind expert advice. PROVENANCE: Collection Hubert van Eyck, no place (until 1953, Stuttgarter Kunstkabinett, November 26, 1953). Collection Finck, no place (acquired from the above in 1953). Private collection North Rhine-Westphalia. LITERATURE: Stuttgarter Kunstkabinett Roman Norbert Ketterer, 18th auction, November 26, 1953, lot 2183. Called up: June 18, 2021 - ca. 13.08 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

August Macke - - 1887 Meschede/Sauerland - 1914 Perthes-lès-Hurlus (Frankreich) In der Loge. 1912. Bleistiftzeichnung. Heiderich 1611. Verso mit dem Nachlassstempel (Lugt 1775b), dort handschriftlich bezeichnet 'BZ 21/13', sowie handschriftlich betitelt und datiert. Auf chamoisfarbenem Velin. 10,3 x 16,3 cm (4 x 6,4 in), Blattgröße. [KT]. • Faszinierende Momentaufnahme, in der das zeichnerisch-abstrahierende Talent des bedeutenden deutschen Expressionisten deutlich wird. • 1912 beschäftigt sich Macke mit der Welt des Theaters, es entstehen Zeichnungen und Skizzen von Theaterbalkonen und Bühnenaufführungen sowie das farbenfrohe Gemälde 'Russisches Ballett I' (Kunsthalle Bremen). • Bühnenhaft nimmt Mack hier das mondäne Publikum in den Blick. PROVENIENZ: Aus dem Nachlass des Künstlers (verso mit dem Nachlassstempel). Galerie Nierendorf, Berlin. Privatsammlung (1966 vom Vorgenannten erworben). Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 13.10 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird differenzbesteuert, zuzüglich einer Einfuhrumsatzabgabe in Höhe von 7 % (Ersparnis von etwa 5 % im Vergleich zur Regelbesteuerung) oder regelbesteuert angeboten (N).ENGLISH VERSIONAugust Macke -1887 Meschede/Sauerland - 1914 Perthes-lès-Hurlus (Frankreich) In der Loge. 1912. Pencil drawing. Heiderich 1611. Verso with the estat stamp (Lugt 1775b), there with the inscription 'BZ 21/13' and titled and dated. On creme wove paper. 10.3 x 16.3 cm (4 x 6.4 in), size of sheet. [KT]. • Faszinierende Momentaufnahme, in der das zeichnerisch-abstrahierende Talent des bedeutenden deutschen Expressionisten deutlich wird. • 1912 beschäftigt sich Macke mit der Welt des Theaters, es entstehen Zeichnungen und Skizzen von Theaterbalkonen und Bühnenaufführungen sowie das farbenfrohe Gemälde 'Russisches Ballett I' (Kunsthalle Bremen). • Bühnenhaft nimmt Mack hier das mondäne Publikum in den Blic • Fascinating snapshot which testifies to the graphic talent of the important German expressionist. • In 1912 Macke was occupied with the world of theater, making drawings and sketches of theater balconies and stage performances, as well as the colorful painting 'Russian Ballet I' (Kunsthalle Bremen). • Mack examines the swank audience. PROVENANCE: From the artist's estate (with the estate stamp on the reverse). Galerie Nierendorf, Berlin. Private collection (acquired from the above in 1966). This lot can be subjected to differential taxation plus a 7% import tax levy (saving approx. 5 % compared to regular taxation) or regular taxation (N).

Ernst Ludwig Kirchner - - 1880 Aschaffenburg - 1938 Davos Sitzende in Dünen - Fehmarn. 1912. Tuschpinselzeichnung. Verso mit dem Nachlassstempel (Lugt 1570b) und der handschriftlichen Nummerierung 'F Be/Bf 9'. Auf dünnem Velin. 47 x 30,6 cm (18,5 x 12 in), Blattgröße. [CH]. • Seit 60 Jahren Teil derselben Privatsammlung. • Schwungvolle Aktdarstellung aus Kirchners zweiter Fehmarn-Reise mit Lebensgefährtin Erna Schilling im Sommer 1912. • Entsteht zur selben Zeit wie einige Gemälde mit Darstellungen aus Fehmarn, darunter 'Badende zwischen Steinen' (1912, Gordon 256), 'Ins Meer Schreitende' (1912, Gordon 262, Staatsgalerie Stuttgart) und 'Akt mit Hut am Strand' (1912, Gordon 265), die in Komposition, Haltung der Figuren oder Bildaufbau an die hier angebotene Zeichnung erinnern. Das Werk ist im Ernst Ludwig Kirchner Archiv, Wichtrach/Bern, dokumentiert. PROVENIENZ: Nachlass des Künstlers (Davos 1938, Kunstmuseum Basel 1946). Stuttgarter Kunstkabinett Roman Norbert Ketterer, Stuttgart (1954). Galerie Nierendorf, Berlin. Privatsammlung (1962 vom Vorgenannten erworben). AUSSTELLUNG: E. L. Kirchner, Galerie Nierendorf, Berlin, 20.11.1961 bis 28.2.1962, Kat.-Nr. 137 (mit Abb.). Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 13.26 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONErnst Ludwig Kirchner -1880 Aschaffenburg - 1938 Davos Sitzende in Dünen - Fehmarn. 1912. Brush and India ink drawing. Verso with the estate stamp (Lugt 1570b) and the hand-written number 'F Be/Bf 9'. On thin wove paper. 47 x 30.6 cm (18.5 x 12 in), size of sheet. [CH]. • Part of the same private collection for 60 years. • Spirited nude from Kirchner's second trip to Fehmarn with his partner Erna Schilling in the summer of 1912. • Created the same time as paintings with depictions from Fehmarn, including 'Badende zwischen Steinen' (1912, Gordon 256), 'Ins Meer Schreitende' (1912, Gordon 262, Staatsgalerie Stuttgart) and 'Akt mit Hut am Strand' (1912, Gordon 265), which are reminiscent of the drawing offered here in terms of composition, posture of the figures or image structure. PROVENANCE: Artist's estate (Davos 1938, Kunstmuseum Basel 1946). Galerie Nierendorf, Berlin. Private collection (acquired from the above in 1961). Called up: June 18, 2021 - ca. 13.26 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Ernst Ludwig Kirchner - - 1880 Aschaffenburg - 1938 Davos Unterhaltung. 1923. Aquarell und Tuschpinsel über Kreidezeichnung. Links oben sowie mittig oben signiert. Verso mit dem Nachlassstempel (Lugt 1570b) und der handschriftlichen Nummerierung 'A Da/Bi 10'. Auf festem, glattem Velin. 35 x 47 cm (13,7 x 18,5 in), blattgroß. [CH]. • Farbkräftige Figurenkomposition von gemäldehafter Wirkung. • Die gesellige Szene zeigt wohl E. L. Kirchner, seine Lebensgefährtin Erna Schilling und einen Gast im 'Wildbodenhaus' in Davos, welches das Paar erst im Entstehungsjahr 1923 bezieht. • Bei dem Gast könnte es sich um den Kunstkritiker Gustav Schiefler handeln, der den Künstler im Juni in Davos besucht. • Kirchner stellt zudem einige von ihm selbst geschnitzte Möbel dar, u. a. eine Banklehne mit Mutter und Kinderfiguren, fertiggestellt im Entstehungsjahr unseres Aquarells. Dieses Werk ist im Ernst Ludwig Kirchner Archiv, Wichtrach/Bern, dokumentiert. PROVENIENZ: Nachlass des Künstlers (Davos 1938, Kunstmuseum Basel 1946). Galerie Elfriede Wirnitzer, Baden-Baden. Privatsammlung Norddeutschland. Privatsammlung Schweiz (2006 vom Vorgenannten erworben, Villa Grisebach Auktionen, 26.5.2006, Los-Nr. 43). LITERATUR: Auktionshaus Weinmüller, München, 97. Auktion, Katalog 105, Moderne Kunst, 5.11.1965, Los-Nr. 140 (mit Abb., Tafel 62). Villa Grisebach Auktionen, Berlin, 134. Auktion, Selected Works, 26.5.2006, Los-Nr. 43 (mit Farbabb., S. 74). Nach einigen längeren Aufenthalten in Davos siedelt E. L. Kirchner mit seiner Lebensgefährtin Erna Schilling 1923, dem Entstehungsjahr der hier angebotenen Arbeit, endgültig in die Schweiz über. In Davos bezieht er nun das 'Wildbodenhaus' oberhalb und nördlich des Sertigtals. Hier baut sich das Paar ein einfaches, rustikales Leben mit nur wenigen Annehmlichkeiten auf. Die Alpenlandschaft, das besondere, wenngleich arbeitsreiche Leben der dort ansässigen Bauernfamilien und die dörflich-bukolische Idylle sind Kirchner in diesen Jahren bedeutende Inspirationsquellen. Mit beeindruckender Schaffenskraft arbeitet er an druckgrafischen Arbeiten, Zeichnungen, Aquarellen, Gemälden und sogar Holzskulpturen und Möbeln für sein Zuhause im 'Wildbodenhaus'. Wie einige seiner ähnlich gesinnten Künstlerfreunde wünscht sich Kirchner ein Leben fernab der etablierten, bürgerlichen Lebensformen. Das einfache Haus in der Schweiz richtet er mit Erna deshalb mit exotischen, teils eben auch selbst entworfenen und gefertigten Möbeln ein, für deren aufwendige Schnitzereien er sich u. a. von der afrikanischen und auch der Schweizer Volkskunst inspirieren lässt. Auf einem dieser Möbelstücke, einem von Kirchner selbst geschnitzten Stuhl, sitzt hier in lässig-gemütlicher Pose ein älterer Herr in blauem Anzug, bei dem es sich um den Kunstmäzen und -kritiker Gustav Schiefler (1857-1935) handeln könnte, dessen Besuch im Juni zur Entstehungszeit unserer Arbeit erst wenige Monate zurückliegt. Schiefler und Kirchner führen einen intensiven Schriftwechsel, denn Schiefler arbeitet in diesen Monaten intensiv an einem Werkverzeichnis der grafischen Arbeiten E. L. Kirchners, dessen erster Band 1926 publiziert wird. Bei dem Stuhl handelt es sich hoher Wahrscheinlichkeit nach um 'Stuhl III' von 1920 (Wolfgang Henze, Werkverzeichnis der Plastik, 1920/05), bei dem Kirchner einen weiblichen Akt an der Rückenlehne ausgestaltet. Rechts im Bild ist die Lehne einer rot bemalten Sitzbank aus Kiefernholz auszumachen, die in Wirklichkeit aus einem geschnitzten Frauenakt und zwei kleinen Kinderfiguren besteht und die Kirchner erst kurze Zeit vor Entstehung unserer Arbeit fertigstellt (Henze, 1923/02). Das vorliegende Werk weiß die Schaffenskraft des Künstlers in diesen Jahren eindrucksvoll zu veranschaulichen: Das dynamisch aufs Papier gebrachte Aquarell in kräftig-expressiven Farben zeigt nicht nur eine gesellige, womöglich abendliche Szene im gerade bezogenen 'Wildbodenhaus', sondern setzt auch die aufwendigen, von Kirchner selbst gestalteten und geschnitzten Sitzmöbel in Szene, von denen heute nur noch wenige Stücke erhalten sind. [CH] Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 13.28 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONErnst Ludwig Kirchner -1880 Aschaffenburg - 1938 Davos Unterhaltung. 1923. Watercolor and brush drawing over chalk drawing. Signed in upper left and in top center. Verso with the estate stamp (Lugt 1570b) and the hand-written number 'A Da/Bi 10'. On firm smooth wove paper. 35 x 47 cm (13.7 x 18.5 in), the full sheet. [CH]. • Figure composition in strong colors and with a painting-like effect. • The casual scene shows E. L. Kirchner, his partner Erna Schilling and a guest at the 'Wildbodenhaus' in Davos, where the couple had just settled in 1923, the year this work was made. • The guest might have been the art critic Gustav Schiefler who visited the artist in Davos in June that year. • Kirchner also depicts a couple of pieces of furniture, among them the backrest of a bench showing a mother with children, which he had carved the year our watercolor was made. This work is documented at the Ernst Ludwig Kirchner Archive, Wichtrach/Bern. PROVENANCE: From the artist's estate (Davos 1938, Kunstmuseum Basel 1946). Galerie Elfriede Wirnitzer, Baden-Baden. Private collection Northern Germany. Private collection Switzerland (acquired from aforementioned in 2006, Villa Grisebach Auctions, May 26, 2006, lot no. 43). LITERATURE: Auction house Weinmüller, Munich, 97th auction, catalog 105, Modern Art, November 5, 1965, lot no. 140 (with illu., plate 62). Villa Grisebach Auctions, Berlin, 134th auction, Selected Works, May 26, 2006, lot no. 43 (with color illu. on p. 74). Called up: June 18, 2021 - ca. 13.28 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Hermann Max Pechstein - - 1881 Zwickau - 1955 Berlin Tänzerin in schwarzer Hose. 1910. Tuschpinselzeichnung. Rechts unten monogrammiert. Verso wohl von fremder Hand bezeichnet. Auf chamoisfarbenem Velin. 44,5 x 34,2 cm (17,5 x 13,4 in), Blattgröße. [CH]. • Seit fast 50 Jahren Teil derselben Privatsammlung. • Aus der besten 'Brücke'-Zeit. • Tanz und Varieté nehmen in Pechsteins Œuvre und im gesamten Schaffen der Expressionisten eine besonders wichtige Stellung ein. • Die Federzeichnungen stehen im Zusammenhang mit dem motivisch ähnlichen, verschollenen Gemälde 'Der Tanz' aus dem gleichen Jahr (Soika 1910/48). • Die Tänzerin mit der voluminösen Hose lud Pechstein 1909 und 1910 mehrfach in sein Atelier ein, auch in dem Gemälde 'Tanz' (1909, Brücke-Museum, Berlin) steht sie im Fokus der Darstellung. • Weitere Zeichnungen aus dieser Werkphase befinden sich u. a. im Museum of Modern Art, New York (Liegender Akt, 1909), im Museum Ludwig, Köln (Kopf, 1910) und im Brücke-Museum, Berlin (Zwischen Schilf, 1910). PROVENIENZ: Galerie Nierendorf, Berlin. Privatsammlung (1969 vom Vorgenannten erworben). Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 13.33 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird differenzbesteuert, zuzüglich einer Einfuhrumsatzabgabe in Höhe von 7 % (Ersparnis von etwa 5 % im Vergleich zur Regelbesteuerung) oder regelbesteuert angeboten (N).ENGLISH VERSIONHermann Max Pechstein -1881 Zwickau - 1955 Berlin Tänzerin in schwarzer Hose. 1910. Brush and India ink drawing. Rechts unten monogrammiert. Verso wohl von fremder Hand bezeichnet. Auf chamoisfarbenem Velin. 44.5 x 34.2 cm (17.5 x 13.4 in), Blattgröße. [CH]. • Part of the same private collection for almost 50 years. • From the best 'Brücke' times. • Dance and variety play a particularly important position in Pechstein's oeuvre and in the entire work of the Expressionists. • The pen and ink drawings are related to the missing painting 'Der Tanz' from the same year (Soika 1910/48), which has a similar motif. • Pechstein invited the dancer with the voluminous trousers to his studio several times in 1909 and 1910, and also depicted her in the painting 'Der Tanz' (1909, Brücke-Museum, Berlin). • Other drawings from this creative period are at, among others, the Museum of Modern Art, New York (Liegender Akt, 1909), the Museum Ludwig, Cologne (Kopf, 1910) and the Brücke-Museum, Berlin (Zwischen Schilf, 1910). PROVENANCE: Galerie Nierendorf, Berlin (1972). Private collection. Called up: June 18, 2021 - ca. 13.33 h +/- 20 min. This lot can be subjected to differential taxation plus a 7% import tax levy (saving approx. 5 % compared to regular taxation) or regular taxation (N).

Ernst Ludwig Kirchner - - 1880 Aschaffenburg - 1938 Davos Sitzende in langem Kleid. 1907. Tuschpinselzeichnung. Verso mit dem Nachlassstempel des Kunstmuseums Basel (Lugt 1570 b) und der handschriftlichen Registriernummer 'F Dre/Bi 28'. Auf gelblich braunem Velin. 43,5 x 30,2 cm (17,1 x 11,8 in), nahezu blattgroß. [CH]. • Intime Atelierzeichnung aus der gesuchten 'Brücke'-Zeit. • Kirchner widmet sich hier nicht nur dem Studium der menschlichen Physiognomie, sondern skizziert auch Interieur und Raum. • Das Dresdener Atelier ist in diesen Jahren nicht nur Lebens- und Arbeitsraum der 'Brücke'-Künstler, sondern auch Treffpunkt weiblicher Amateurmodelle. • Für seine Zeichnung steht Kirchner hier wohl entweder seine Freundin Emmy Frisch oder seine Geliebte und spätere Freundin Doris 'Dodo' Große Modell. Das Werk ist im Ernst Ludwig Kirchner Archiv, Wichtrach/Bern, dokumentiert. PROVENIENZ: Nachlass des Künstlers (Davos 1938, Kunstmuseum Basel 1946). Stuttgarter Kunstkabinett Roman Norbert Ketterer, Stuttgart (1954). Galerie Nierendorf, Berlin. Privatsammlung (1962 vom Vorgenannten erworben). AUSSTELLUNG: E. L. Kirchner, Galerie Nierendorf, Berlin, 20.11.1961 bis 28.2.1962, Kat.-Nr. 10 (mit Abb.). Ernst Ludwig Kirchner. Zeichnungen, Aquarelle, Pastelle, Kunsthalle, Nürnberg, 20.6.-29.9.1991, Kat.-Nr. 29 (mit Abb.). LITERATUR: Titia Hoffmeister, E. L. Kirchner. Bildnis Dodo, in: Werke der 'Brücke'-Künstler, Bestandskatalog Staatsgalerie Moderne Kunst, München 1997 (mit Abb., Nr. 3). Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 13.36 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONErnst Ludwig Kirchner -1880 Aschaffenburg - 1938 Davos Sitzende in langem Kleid. 1907. Brush and India ink drawing. With estate stamp of the Kunstmuseum Basel on the reverse (Lugt 1570 b) and with the hand-written registration number 'F Dre/Bi 28'. On yellowish brown wove paper. 43.5 x 30.2 cm (17.1 x 11.8 in), nearly the full sheet. [CH]. • Intimate studio drawing from the sought-after 'Brücke' period. • In this work Kirchner not only devoted himself to the study of human physiognomy, but also outlines the interior of the room. • During these years, the Dresden studio was not only living and working space of the 'Brücke' artists, but also a meeting place for female amateur models. • This work presumably shows either Kirchner's girlfriend Emmy Frisch or his lover and later girlfriend Doris 'Dodo' Große. PROVENANCE: Artist's estate (Davos 1938, Kunstmuseum Basel 1946). Galerie Nierendorf, Berlin. Private collection (acquired from the above in 1961). Called up: June 18, 2021 - ca. 13.36 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Erich Heckel - - 1883 Döbeln/Sachsen - 1970 Radolfzell/Bodensee Die Tanzenden. 1910. Farbige Kreidezeichnung und Tusche. Verso von Erich Heckel und Ernst Ludwig Kirchner signiert und mit Grußtext. Auf einer Blanko-Postkarte. 9 x 14 cm (3,5 x 5,5 in), blattgroß. Postkarte aus Dresden an Minya Diez-Dührkoop. Poststempel 2.11.10: ' Sehr verehrte Frau, für Ihre Grüsse vielen Dank! Nach den Erlebnissen in Hamburg wirkt Dresden reichlich zahm! Ihr Erich Heckel. Ist ein verdammtes Nest. Hoffe bald mal zu arbeiten. Herzliche Grüsse Ihr EL Kirchner'. • Aus der wichtigen 'Brücke'-Zeit. • Von Heckel und Kirchner signiert. • Im Tanz finden die 'Brücke'-Künstler das ideale Motiv für einen unmittelbaren und unverfälschten Ausdruck. Das Werk ist im Nachlass Erich Heckel, Hemmenhofen am Bodensee, verzeichnet. Wir danken Frau Renate Ebner und Herrn Hans Geissler für die freundliche Unterstützung. PROVENIENZ: Sammlung Minya Diez-Dührkoop, Hamburg. Sotheby' s München, 28. Oktober 1987, Los 58. Privatsammlung Nordrhein-Westfalen. Die Künstlerpostkarten sind beredtes Zeitzeugnis und eröffnen uns sowohl Einblicke in die künstlerische Entwicklung der Künstler als auch in ihr gesellschaftliches Leben. Verschickt wurde die Postkarte von Heckel und Kirchner gemeinsam aus Dresden im Jahr 1910 an eine Frau Minya Diez-Dührkoop in Hamburg. Die Dame ist Fotografin mit einem weit verzweigten Netzwerk in Künstler- und Intellektuellenkreisen sowie seit 1910 passives Mitglied der Künstlergruppe 'Brücke'. Sie porträtiert namhafte Künstler wie Corinth, Nolde und Pechstein. Nach dem kurzen Grußtext zu schließen, sind beide Künstler kürzlich in Hamburg gewesen, was sie im Vergleich zu Dresden wohl als bedeutend lebendiger erlebten. Die Zeichnung auf der Schauseite der Postkarte wirkt weniger zahm. Ein wohl russisches Tanzpaar zeigt im Cafe Central in Dresden seine Künste. Kirchner schickt 1909 eine Postkarte an Heckel mit ähnlichem Motiv, dort ist im Grußtext von Kirchner vermerkt: 'Russische Tänzerin im Central ganz nett. Besten Gruße Dein Ernst' (zit. nach: Annemarie Dube-Heynig, Ernst Ludwig Kirchner. Postkarten und Briefe an Erich Heckel, Köln 1984, S. 20f.). Wie in ihren Viertelstundenakten suchen die 'Brücke'-Mitglieder im Tanz den menschlichen Körper in seiner reinsten Natürlichkeit, losgelöst von versteiften Haltungen und Posen. In schnell und spontan erfassten Skizzen halten sie die dynamischen Bewegungsabläufe der Tänzer und Akrobaten in konzentrierten Linien fest. Die ausgelassene Lebensfreude und lockere Stimmung in den Lokalen empfinden die Künstler als reizvolle Gegenwelt zum spießigen Bürgertum. Sowohl Heckel als auch Kirchner finden ihre Lebensgefährtinnen unter den Tänzerinnen der Varietés und Clubs. Der Tanz als Ausdruck losgelöster Bewegung und Dynamik entspricht dem Streben der 'Brücke'-Künstler nach einem freien, unkonventionellen Leben, befreit von den starren Fesseln der Bourgeoisie. [SM] Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 13.38 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONErich Heckel -1883 Döbeln/Sachsen - 1970 Radolfzell/Bodensee Die Tanzenden. 1910. Colored chalk drawing and India ink,. Verso signed and inscribed with a greeting by Erich Heckel and Ernst Ludwig Kirchner. On a blank postcard. 9 x 14 cm (3.5 x 5.5 in), the full sheet. Postcard from Dresden to Minya Diez-Dührkoop. Postage stamp dated November 2, (19)10: ' Sehr verehrte Frau, für Ihre Grüsse vielen Dank! Nach den Erlebnissen in Hamburg wirkt Dresden reichlich zahm! Ihr Erich Heckel. Ist ein verdammtes Nest. Hoffe bald mal zu arbeiten. Herzliche Grüsse Ihr EL Kirchner'. • From the important 'Brücke' era. • Signed by Heckel and Kirchner. • Dance offers the artists of the 'Brücke' the perfect motif for an immediate and unadulterated expression. The work is registered the Erich Heckel Estate, Hemmenhofen on Lake Constance. We are grateful to Mrs Renate Ebner and Mr Hans Geissler for the kind support in cataloging this lot. PROVENANCE: Collection Minya Diez-Dührkoop, Hamburg. Sotheby' s Munich, October 28, 1987, lot 58 Private collection North Rhine-Westphalia. Called up: June 18, 2021 - ca. 13.38 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Ernst Ludwig Kirchner - - 1880 Aschaffenburg - 1938 Davos Badende (Badende im Teich). Um 1909. Farbige Kreidezeichnung. Verso mit dem Nachlassstempel (Lugt 1570b) und der handschriftlichen Nummerierung 'FS Dre/Bf 16'. Auf chamoisfarbenem Velin. 34,7 x 45,5 cm (13,6 x 17,9 in), blattgroß. [CH]. • Farbenfrohe, dynamische Badeszene aus der besten 'Brücke'-Zeit. • Das Motiv der Badenden und der Akt im Freien zählen zu den Hauptmotiven der 'Brücke'-Künstler. • Auch Kirchners Gemälde 'Badende in Moritzburg' (1909/26) in der Londoner Tate Gallery zeigt ähnliche am Ufer ruhende Akte und das Gemälde 'Badende' (1909) im Von der Heydt-Museum, Wuppertal, komponiert Kirchner mit landschaftlich sehr ähnlicher Szenerie. Dieses Werk ist im Ernst Ludwig Kirchner Archiv, Wichtrach/Bern, dokumentiert. PROVENIENZ: Nachlass des Künstlers (Davos 1938, Kunstmuseum Basel 1946). Stuttgarter Kunstkabinett Roman Norbert Ketterer, Stuttgart (1954). Galerie Nierendorf, Berlin (um 1961/62). Privatsammlung Norddeutschland. Privatsammlung Deutschland (durch Erbschaft vom Vorgenannten erhalten). AUSSTELLUNG: E. L. Kirchner. Aquarelle, Pastelle, Handzeichnungen, Galerie Meta Nierendorf, Berlin, 20.11.1961 bis 28.2.1962, Kat.-Nr. 58 (mit Abb., S. 21). Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 13.21 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONErnst Ludwig Kirchner -1880 Aschaffenburg - 1938 Davos Badende (Badende im Teich). Um 1909. Colored chalk drawing. Verso with the estate stamp (Lugt 1570b) and the hand-written number 'FS Dre/Bf 16'. On creme wove paper. 34.7 x 45.5 cm (13.6 x 17.9 in), the full sheet. [CH]. • Gaudy and dynmic bather scene from the best days of the 'Brücke'. • The bather motif and the outdoor nude are among the main motifs of the 'Brücke' artists. • Kirchner's painting 'Badende in Moritzburg' (1909/26) at Tate London shows similar nudes resting on the waterside, while Kirchner chose a very similar landscape setting for the painting 'Badende' (1909) at Von der Heydt-Museum, Wuppertal. The work is documented at the Ernst Ludwig Kirchner Archive, Wichtrach/Bern. PROVENANCE: From the artist's estate (Davos 1938, Kunstmuseum Basel 1946). Stuttgarter Kunstkabinett Roman Norbert Ketterer, Stuttgart (1954). Galerie Nierendorf, Berlin (April 28, 1969). Private collection Flensburg. Private collection Germany (inherited from aforementioned). EXHIBITION: E. L. Kirchner. Aquarelle, Pastelle, Handzeichnungen, Galerie Meta Nierendorf, Berlin, November 20, 1961 until February 28, 1962, cat. no. 58 (with illu. on p. 21). Called up: June 18, 2021 - ca. 13.21 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Otto Dix - - 1891 Gera - 1969 Singen Haus und Baumstümpfe (bei Souchez, Pas-de-Calais). Um 1916. Schwarze Kreidezeichnung. Rechts unten signiert und verso wohl von fremder Hand betitelt. Auf dünnem Velin. 28,5 x 28,5 cm (11,2 x 11,2 in), blattgroß. [CH]. • In der Fragmentierung, Abstrahierung und Verfremdung dieser dörflichen, hier jedoch groben, fast bedrohlichen Szene verarbeitet Dix die ihn in seinen Grundfesten erschütternden Kriegserlebnisse jener Zeit. • Vergleichbare Zeichnungen des Künstlers befinden sich u. a. im Museum of Modern Art in New York ('Zerschossene Mauern', 1916 / 'Schreibender Soldat', 1916). • Die kontrastreichen, expressionistischen Kriegszeichnungen bilden einen eindrucksvollen ersten Höhepunkt im frühen Schaffen des Künstlers. Das Werk ist im Archiv der Otto-Dix-Stiftung unter der Nachtragsnummer Lorenz WK 5.5.19 registriert. PROVENIENZ: Antiquariat unter den Linden, Berlin (um 1970). Privatsammlung Rheinland. Privatsammlung Deutschland (durch Erbschaft vom Vorgenannten). 'Dix muss den Krieg erlebt haben wie einen Traum, aber mit den überwachen Augen des Zeichners und Malers. [..] Dix sieht im Krieg nicht bloß eine Auswirkung der vom Menschen selbst geschaffenen Technik, sondern er erlebt ihn als brutalen, gefühllosen Naturausbruch jenseits von Gut und Böse: als Sturmflut und Taifun, als Erschütterung, unter der die Erde in ihren Grundfesten erbebt. Er erlebt in apokalyptisch oder eschatologisch [..], d.h. als Letztes und Äußerstes, als Weltuntergangsstimmung, als Un- und Übermenschliches, als etwas, was dem Menschen längst entglitten ist. Der Mensch kann sich vor dieser Gewalt nur noch ducken: er kann sie nur erleiden. Doch was für ein pandämonisches Drama entfaltet sie vor seinen erschreckten und staunenden Augen!' Otto Conzelmann, Otto Dix. Handzeichnungen, Hannover 1968, S. 17f. Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 14.29 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONOtto Dix -1891 Gera - 1969 Singen Haus und Baumstümpfe (bei Souchez, Pas-de-Calais). Um 1916. Black Chalk drawing. Lower right signed and titled on the reverse, presumably by a hand other than that of the artist. On thin wove paper. 28.5 x 28.5 cm (11.2 x 11.2 in), the full sheet. [CH]. • Through fragmentation, abstraction and alienation of this coarse, almost threatening, village scene, Dix processed his war experiences , which had shaken him to the core. • Similar drawings by the artist are at the Museum of Modern Art in New York ('Zerschossene Mauern', 1916 / 'Schreibender Soldat', 1916). • The high-contrast, expressionist war drawings form an impressive first peak in the artist's early creative period. The work is registered in the archive of the Otto-Dix-Foudnation with the number Lorenz WK 5.5.19. PROVENANCE: Antiquariat unter den Linden, Berlin (around 1970). Private collection Rhineland. Private collection Germany (inherited from above). 'Dix must have experienced the war like a dream, but with the watchful eyes of a draftsman and painter. [.] Dix not only sees war as an effect of a man-made technology, but experiences it as a brutal, callous eruption of nature beyond good and evil: as storm flood and typhoon, as a tremor that shakes earth in its foundations. He experiences in apocalyptic or eschatological [.], that is the ultimate and the utmost, as doomsday mood, as inhuman and superhuman, as something what has long slipped away from man. Man can only duck before this violence: he can only suffer through it. But what a pandemoniac drama it unfolds before his frightened and amazed eyes! ' Otto Conzelmann, Otto Dix. Handzeichnungen, Hanover 1968, pp. 17f. Called up: June 18, 2021 - ca. 14.29 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

George Grosz - - 1893 Berlin - 1959 Berlin An der Börse. ca. 1923/24. Tuschzeichnung. Verso mit dem Nachlassstempel (unter Resten einer Klebemontierung), dort mit der handschriftlichen Nummerierung '3 13 2'. Auf dünnem Velin. 59,3 x 46,3 cm (23,3 x 18,2 in), Blattgröße. [KT]. • Meisterhaft beobachtende und charakteristische Zeichnung des prägendsten Chronisten der Weimarer Republik. • Ab 1925 wird der mit provokativen und gesellschaftskritischen Arbeiten bekannt gewordene Grosz von dem bedeutenden Berliner Galeristen Alfred Flechtheim vertreten. • Besonders in der Grafik herausragender Künstler, dessen Arbeiten in internationalen Sammlungen des Museum of Modern Art, New York, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid und dem Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris vertreten sind. PROVENIENZ: Aus dem Nachlass des Künstlers. Galerie Nierendorf, Berlin. Privatsammlung (vom Vorgenannten erworben). Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 14.30 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird differenzbesteuert, zuzüglich einer Einfuhrumsatzabgabe in Höhe von 7 % (Ersparnis von etwa 5 % im Vergleich zur Regelbesteuerung) oder regelbesteuert angeboten (N).ENGLISH VERSIONGeorge Grosz -1893 Berlin - 1959 Berlin An der Börse. ca. 1923/24. India ink drawing. With the estate stamp on the reverse (below mounting remains), there with hand-written number '3 13 2'. On thin wove paper. 59.3 x 46.3 cm (23.3 x 18.2 in), size of sheet. [KT]. • Masterful observation in a characteristic drawing by the most influential chronicler of the Weimar Republic. • Grosz, who became known for his provocative and socio-critical work, was represented by the important Berlin gallery of Alfred Flechtheim as of 1925. • Grosz's works are in possession of many renowned international museums like the Museum of Modern Art, New York, the Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid and the Musée National d'Art Moderne, Center Georges Pompidou, Paris. PROVENANCE: From the artist's estate. Galerie Nierendorf, Berlin. Private collection (acquired from the above). Called up: June 18, 2021 - ca. 14.30 h +/- 20 min. This lot can be subjected to differential taxation plus a 7% import tax levy (saving approx. 5 % compared to regular taxation) or regular taxation (N).

Lyonel Feininger - - 1871 New York - 1956 New York Silbersternbild (Silver Stars). 1921. Aquarell und Tuschfederzeichnung. Links unten signiert, rechts unten datiert 'Donnerst. d. 10.II.21'. Auf Bütten. 31 x 23,7 cm (12,2 x 9,3 in), Blattgröße. [CH]. • Vorbereitendes, feines Aquarell für das gleichnamige Gemälde (1924). • Seit über 50 Jahren in amerikanischem Privatbesitz. • Ausdruck seiner neuen kubistisch-expressionistischen Bild- und Formensprache, die er erst in diesen Jahren am Bauhaus in Weimar entwickelt und perfektioniert. • Mithilfe kräftiger, satter Farben, kleinen, raffinierten Aussparungen für Mond und Sterne sowie einer gratigen, feinen Zeichnung schafft der Künstler hier eine seiner atmosphärischen Stadtansichten. Achim Moeller, Direktor des Lyonel Feininger Project LLC, New York - Berlin, hat die Echtheit dieses Werkes, das im Archiv des Lyonel Feininger Project unter der Nummer 1688-04-26-21 registriert ist, bestätigt. Weiterführende Informationen für diesen Eintrag wurden von Moeller Fine Art Projects | The Lyonel Feininger Project, New York - Berlin zur Verfügung gestellt. Wir danken Herrn Dr. Martin Schumacher, Bonn, für die freundliche wissenschaftliche Beratung. PROVENIENZ: Sammlung Dr. Udo Rukser, Berlin/Chile (auf der Rahmenrückwand mit einem handschriftlichen Vermerk). Galerie Alex Vömel, Düsseldorf. Privatsammlung USA (1968 vom Vorgenannten erworben). Seitdem in Familienbesitz. Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 14.41 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird differenzbesteuert, zuzüglich einer Einfuhrumsatzabgabe in Höhe von 7 % (Ersparnis von etwa 5 % im Vergleich zur Regelbesteuerung) oder regelbesteuert angeboten (N).ENGLISH VERSIONLyonel Feininger -1871 New York - 1956 New York Silbersternbild (Silver Stars). 1921. Watercolor and ink brush drawing. Lower left signed, lower right dated 'Donnerst. d. 10.II.21'. On laid paper. 31 x 23.7 cm (12.2 x 9.3 in), size of sheet. [CH]. • Preliminary watercolor for the painting of the same name (1924). • Part of an American private collection for more than 50 years. • Expression of his newly attained Cubist-Expressionist style, which he had only developed and brought to perfection during these years at the Bauhaus in Weimar. • Through strong and rich colors, small and sophisticated spaces for moon and stars and a delicate burred drawing the artist created a very characteristic townscape. Achim Moeller, director of the Lyonel Feininger Project LLC, New York - Berlin, confirmed this work's authenticity. It is registered at the Lyonel Feininger Project with the number 1688-04-26-21. The Moeller Fine Art Projects | The Lyonel Feininger Project, New York - Berlin provided more information on this work. PROVENANCE: Private collection Dr. Udo Rukser, Berlin/Chile (with a hand-written note on verso of the frame). Galerie Alex Vömel, Düsseldorf. Private collection USA (acquired from aforementioned in 1968). Ever since family-owned. Called up: June 18, 2021 - ca. 14.41 h +/- 20 min. This lot can be subjected to differential taxation plus a 7% import tax levy (saving approx. 5 % compared to regular taxation) or regular taxation (N).

Lyonel Feininger - - 1871 New York - 1956 New York Motif aus Connecticut. 1951. Aquarell und Tuschfederzeichnung. Links unten signiert, rechts unten datiert. Verso betitelt. Auf Ingres-Bütten von Canson & Montgolfier (mit Wasserzeichen). 31,3 x 47,6 cm (12,3 x 18,7 in), Blattgröße. [SM]. • Kennzeichnend in den späten Bildern ist der Gebrauch der Linie, die sich in einem bisher nicht dagewesenen Grad der Reduzierung zeigt. • Die Linie ist Träger der Komposition unterstützt durch zarte Grautöne, die den grafischen Charakter des Werkes unterstreichen. • Zart und doch bestimmt, gelingt es Feininger real erlebte Welten in eine fast traumhafte Stimmung zu versetzen. Achim Moeller, Direktor des Lyonel Feininger Project LLC, New York - Berlin, hat die Echtheit dieses Werkes, das im Archiv des Lyonel Feininger Project unter der Nummer 1690-05-07-21 registriert ist, bestätigt. PROVENIENZ: Privatsammlung Nordrhein-Westfalen. Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 14.53 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONLyonel Feininger -1871 New York - 1956 New York Motif aus Connecticut. 1951. Watercolor and ink pen drawing. Lower left signed, lower right dated. Titled on the reverse. On Ingres laid paper by Canson & Montgolfier (with watermark). 31.3 x 47.6 cm (12.3 x 18.7 in), size of sheet. [SM]. • What is so characteristic of the later pictures is the use of the line, which shows in an unprecedented degree of reduction. • The line carries the composition, supported by delicate gray tones that underline the graphic character of the work. • Delicate and yet determined, Feininger succeeds in putting real worlds into an almost dreamlike atmosphere. Achim Moeller, director of the Lyonel Feininger Project LLC, New York – Berlin, has confirmed this work's authenticity. It is registered in the archive of the Lyonel Feininger Project with the number 1690-05-07-21. PROVENANCE: Private collection North Rhine-Westphalia. Called up: June 18, 2021 - ca. 14.53 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Heinrich Hoerle - - 1895 Köln - 1936 Köln Begegnung. 1925. Tempera. Backes Teil III 29. Rechts unten signiert. Rechts oben in der Darstellung monogrammiert. Verso mit Tuschezeichnung eines Rückenakts. Auf dünnem Karton. 27 x 16,2 cm (10,6 x 6,3 in), blattgroß. [SL]. • Aus der gefragten konstruktivistischen Werkperiode des Künstlers. • Mithilfe konstruktiver Flächensegmentierung lässt Hoerle Figur und Hintergrund miteinander verschmelzen. • Nach dem Ersten Weltkrieg ist der Künstler Mitglied der Kölner Dada-Gruppe um Max Ernst und Johannes Baargeld. • Seine Werke sind bereits zu Lebzeiten in renommierten musealen Sammlungen vertreten, unter anderem im Wallraf-Richartz-Museum, Köln, im Kunstmuseum Düsseldorf oder dem Museum in Detroit. PROVENIENZ: Galerie Michael Hasenclever, München. Sammlung Deutsche Bank. AUSSTELLUNG: Hoerle und sein Kreis, Ausstellung des Kunstvereins Frechen e. V., Dezember 1970-Januar 1971, Kat.-Nr. 96, Ausst.-Kat. mit Abb. Man in the Middle, Kunsthalle Tübingen, 13.9.-2.11.2003, Ausst.-Kat. mit Farbabb. S. 101. LITERATUR: Ariane Grigoteit, Ein Jahrhundert. One Century. 100 x Kunst, Sammlung Deutsche Bank, Frankfurt a. M. 2001, S. 120-121 (mit ganzs. Abb.). 'Wir wollen keine Bildchen malen, die sich der Satte über sein Sofa hängt, dass sie ihm den Mittagsschlaf versüßen. Wir wollen keine Bildchen machen, damit der Hungrige seinen Hunger vergisst. Wir wollen auch keine Bildchen machen, wo die Welt schön und alles gut ist.' Heinrich Hoerle Klein, abwechslungsreich und qualitätiv hochkarätig ist das künstlerische Gesamtwerk, das der Kölner Maler Heinrich Hoerle hinterlässt, als er im Alter von gerade 40 Jahren an Tuberkulose stirbt. Im Zuge der nationalsozialistischen Aktion 'Entartete Kunst' werden 21 Werke von Heinrich Hoerle aus deutschen Museen beschlagnahmt und teilweise vernichtet. Heute sind Hoerles Arbeiten eine Seltenheit auf dem Auktionsmarkt. Nach mehr als dreißig Jahren hat das herausragende, aber leider ab den 1970er Jahren in Vergessenheit geratene Werk Hoerles, der neben dem Fotografen August Sander und dem Maler Franz Wilhelm Seiwert zu den Protagonisten der Gruppe 'Kölner Progressive Künstler' zählt, erst 2008 in der Ausstellung des Museums Ludwig 'Köln progressiv 1920-33. Seiwert-Hoerle-Arntz' wieder die ihm gebührende museale Würdigung gefunden. Nach dem Ersten Weltkrieg ist Hoerle zunächst Teil der Kölner Dada-Gruppe um Max Ernst und Johannes Bargeld, löst sich aber bald wieder von Ernsts internationalen Dada-Bestrebungen, da er eine stärker national ausgerichtete, politischere Kunst anstrebt. Formal verschmilzt Hoerles klare, reduzierte Bildsprache Elemente der Neuen Sachlichkeit, des Konstruktivismus und des Kubismus, wobei bei der Tempera 'Begegnung' deutlich die Nähe zum analytischen Kubismus Picassos und Braques zu Tage tritt, die Hoerle formal mit einer konstruktivistischen Strenge und Grandlinigkeit verschmilzt, die vielmehr der konstruktivistischen Abstraktion entlehnt scheint. [JS] Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 14.58 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regelbesteuert angeboten (R).ENGLISH VERSIONHeinrich Hoerle -1895 Köln - 1936 Köln Begegnung. 1925. Tempera. Backes Teil III 29. Lower right signed. Monogrammed in upper right part of the image. Verso with an India ink drawing of a nude in rear view. On thin board. 27 x 16.2 cm (10.6 x 6.3 in), size of sheet. [SL]. • From the artist's sought-after constructivist period. • Constructive surface segmenattion combining figure and background. • After WW I the artist was a member of the Cologne Dada group around Max Ernst and Johannes Baargeld. • His works were shown at renowned museums during his lifetime, among them the Wallraf-Richartz-Museum, Cologne, the Kunstmuseum Düsseldorf or the Detroit Art Institute. PROVENANCE: Galerie Michael Hasenclever, Munich. Deutsche Bank Collection. EXHIBITION: Hoerle und sein Kreis, exhibition at Kunstverein Frechen e.V., December 1970 - January 1971, cat. no. 96, ex. cat. with illu. Man in the Middle, Kunsthalle Tübingen, September 13 - November 2, 2003, ex. cat. with color illu. on p. 101. LITERATURE: Ariane Grigoteit, Ein Jahrhundert. One Century. 100 x Kunst, Collection Deutsche Bank, Frankfurt a. M. 2001, pp. 120-121, with full-page illu. 'We don't want to make pleasant pictures that adorn the walls of the overfed, so that they can enjoy their sweet midday nap. And we don't make pictures that help the hungry ones to forget about their hunger. Neither do we want to make pictures of a world in which all is good and nice.' (Heinrich Hoerle) Called up: June 18, 2021 - ca. 14.58 h +/- 20 min. This lot can only be purchased subject to regular taxation (R).

Christian Rohlfs - - 1849 Niendorf/Holstein - 1938 Hagen Weiblicher Rückenakt. 1916/1922. Tempera. Rechts unten monogrammiert und datiert. Auf feinem Velin. 52,8 x 34,8 cm (20,7 x 13,7 in), blattgroß. Die 1916 entstandene Darstellung eines weiblichen Aktes überarbeitet der Künstler zwischen 1920 und 1922 noch einmal intensiv mit Wassertempera. Verso mit der nahezu blattgroßen Zeichnung einer Katze. [CH]. • Beidseitig bemaltes Blatt. • Besonders harmonische Komposition aus kalten und warmen Farben im Sinne der für Rohlfs so charakteristischen Farbpalette. • Sowohl die dem Werk zugrunde liegende dynamische Aktdarstellung als auch die nachträgliche expressive malerische Überarbeitung zeugt von seiner damals hochmodernen Loslösung von den künstlerischen Traditionen des Realismus. • Weibliche Rückenakte nehmen im malerischen Werk des Künstlers eine überaus wichtige Stellung ein. Mit einer schriftlichen Bestätigung von Prof. Dr.Paul Vogt vom 2. Juni 2005. Das Werk ist im Nachtragsinventar von Prof. Dr. Paul Vogt unter der Nummer CR 367/05 registriert. PROVENIENZ: Privatsammlung Würzburg. Privatsammlung Nürnberg (vom Vorgenannten erworben). Galerie Neher, Essen (Ende 1980er Jahre vom Vorgenannten erworben). Privatsammlung Rheinland (1989 vom Vorgenannten erworben, bis 2004 in Familienbesitz). Galerie Neher, Essen (2004 rückerworben aus dem Erbgang vom Vorgenannten). Privatsammlung Nordrhein-Westfalen (2006 vom Vorgenannten erworben). AUSSTELLUNG: Moderne mit Tradition. Das Spektrum deutscher Kunst von 1903-1989. Aquarelle, Gemälde, Skulpturen, Galerie Neher, Essen, 26.8.-14.10.1989, S. 27, 29 mit Farbabb. Moderne Zeiten III mit Sonderschau Hede Bühl, Galerie Neher, Essen, 30.4.2005-20.8.2005, o. Kat. Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 15.16 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONChristian Rohlfs -1849 Niendorf/Holstein - 1938 Hagen Weiblicher Rückenakt. 1916/1922. Tempera. Lower right monogrammed and dated. On creme wove paper. 52.8 x 34.8 cm (20.7 x 13.7 in), the full sheet. Between 1920 and 1922 the artist revised the female nude from 1916 with water tempera. Verso with a nearly full-page drawing of a cat. [CH]. • Painted on both sides. • Particularly harmonious composition of cold and warm colors from Rohlfs' characteristic palette. • Both the dynamic nude the work is based on, as well as the later expressive pictorial revision are documents of the then highly topical separation from the artistic traditions of Realism. • Female rear nudes occupy an important position in the artist's oeuvre. Accompanied by a written confirmatin issued by Prof. Paul Vogt on June 2, 2005. In 2005 the work was registered in Prof. Dr. Paul Vogt's addenda inventory with the number CR 367/05. PROVENANCE: Private collection Würzburg. Private collection Nuremberg (acquired from above). Galerie Neher, Essen (acquired from above in the late 1980s). Private collection Rhineland (acquired from above in 1989, family-owned until 2004). Galerie Neher, Essen (2004 repurchased from the inheritance of above). Private collection North Rhine-Westphalia (acquired from aforementioned in 2006). EXHIBITION: Moderne mit Tradition. Das Spektrum deutscher Kunst von 1903-1989. Aquarelle, Gemälde, Skulpturen, Galerie Neher, Essen, August 26 - October 14, 1989, pp. 27, 29 with color illu. Moderne Zeiten III mit Sonderschau Hede Bühl, Galerie Neher, Essen, April 30, 2005 - August 20, 2005, no cat. Called up: June 18, 2021 - ca. 15.16 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Karl Schmidt-Rottluff - - 1884 Rottluff bei Chemnitz - 1976 Berlin Felder und Sonne. 1944. Aquarell und Tuschpinsel. Rechts unten signiert und mit der Werknummer '4424' bezeichnet. Verso betitelt. Auf chamoisfarbenem Velin. 50 x 68,5 cm (19,6 x 26,9 in), blattgroß. [CH]. • Seit über 30 Jahren in nordrhein-westfälischem Privatbesitz. • Charakteristische, farbkräftige Landschaftsdarstellung des großen deutschen Expressionisten. • Effektvolle Verbindung von elegant-kalligrafischen Konturen der Tuschpinselzeichnung und ausdrucksstarker, farbig lasierender Aquarellierung. Die Arbeit ist im Archiv der Karl und Emy Schmidt-Rottluff Stiftung dokumentiert. PROVENIENZ: Eigentum des Künstlers (bis mindestens 1949). Privatsammlung Nordrhein-Westfalen. Privatsammlung Nordrhein-Westfalen (2002 durch Erbschaft vom Vorgenannten). AUSSTELLUNG: Karl Schmidt-Rottluff. Aquarelle aus den Jahren 1943-1946, Schlossbergmuseum Chemnitz, Chemnitz 1946, Kat.-Nr. 16. Karl Schmidt-Rottluff. Aquarelle und Pinselzeichnungen aus den Jahren 1942-1944, Ausstellung der Galerie Henning in Halle (Saale), Januar 1949, Kat.-Nr. 17 mit Abb. Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 15.22 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONKarl Schmidt-Rottluff -1884 Rottluff bei Chemnitz - 1976 Berlin Felder und Sonne. 1944. Watercolor and ink brush. Lower right signed and inscribed with the work number '4424'. Verso titled. On creme wove paper. 50 x 68.5 cm (19.6 x 26.9 in), the full sheet. [CH]. • Privately-owned for more than 30 years. • Characteristic landscape in strong colors by the great German expressionist. • Dramatic combination of elegant-calligraphic contours of the ink brush drawing and the expressive, glazing watercolors. The work is documented in the archive of the Karl and Emy Schmidt-Rottluff Foundation. PROVENANCE: In the possession of the artist (until at least 1949). Private collection North Rhine-Westphalia. Private collection North Rhine-Westphalia (inherited from aforementioned in 2002). EXHIBITION: Karl Schmidt-Rottluff. Aquarelle aus den Jahren 1943-1946, Schlossbergmuseum Chemnitz, Chemnitz 1946, cat. no. 16. Karl Schmidt-Rottluff. Aquarelle und Pinselzeichnungen aus den Jahren 1942-1944, exhibition of Galerie Henning in Halle (Saale), January 1949, cat. no. 17 with illu. Called up: June 18, 2021 - ca. 15.22 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Alberto Giacometti - - 1901 Borgonovo (Schweiz) - 1966 Chur Copie d'apres un vase grec / Copie d'apres Li-Long-Mien: Shakyamuni assis en contemplation. 1942. Bleistiftzeichnung. Rechts unten signiert und datiert. Verso bezeichnet 'Vase greque' und 'chinois'. Auf festem, chamoisfarbenem Velin. 26,3 x 24,6 cm (10,3 x 9,6 in), Blattgröße. [CH]. • Auf beiden Blattseiten mit Zeichnungen des Künstlers. • In dynamischen, schnellen Strichen beweist der wohl bedeutendste schweizerische Bildhauer des 20. Jahrhunderts hier sein meisterliches Verständnis der menschlichen Anatomie. • Eindrucksvolles Zeugnis von Giacomettis Faszination und Auseinandersetzung mit anderen Kulturen wie auch der kunsthistorischen Vergangenheit. Das Werk ist in der Alberto Giacometti Database / AGD, Paris, unter der Nummer 504 registriert. PROVENIENZ: Sammlung Katherine S. und Morton G. Schamberg, Chicago. Privatsammlung USA/Spanien (2005 vom Vorgenannten erworben, Christie's, New York, 2.11.2005, Los 191). LITERATUR: Christie's, New York, 1571. Auktion, Impressionist and Modern Works on Paper, 2.11.2005, Los 191, S. 98 (mit Abb.). Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 15.41 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONAlberto Giacometti -1901 Borgonovo (Schweiz) - 1966 Chur Copie d'apres un vase grec / Copie d'apres Li-Long-Mien: Shakyamuni assis en contemplation. 1942. Pencil drawing. Lower right signed and dated. Verso inscribed 'Vase greque' and 'chinois'. On firm creme wove paper. 26.3 x 24.6 cm (10.3 x 9.6 in), size of sheet. [CH]. • With drawings by the artist on both sides. • In this work the most important Swiss sculptor of the 20th century delivers proof of his ingenious understanding of human anatomy in swift and dynamic lines. • Remarkable document of Giacometti's fascination with foreign cultures and art history. The work is registered in the Alberto Giacometti Database / AGD, Paris, with the number 504. PROVENANCE: Collection Katherine S. and Morton G. Schamberg, Chicago. Private collection USA/Spain (acquired from above in 2005, Christie's, New York, November 2, 2005, lot 191). LITERATURE: Christie's, New York, 1571st auction, Impressionist and Modern Works on Paper, November 2, 2005, lot 191, p. 98 (with illu.). Called up: June 18, 2021 - ca. 15.41 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Norbert Kricke - - 1922 Düsseldorf - 1984 Düsseldorf Raumplastik. 1960. Gelötete Edelstahlstäbe, lose auf Basaltsockel montiert. Unikat. Ca. 58,5 x 47 x 46 cm (23 x 18,5 x 18,1 in). Sockel: 8 x 10 x 9 cm (3,1 x 3,9 x 3,5 in). • 1961 auf Krickes erster Einzelausstellung in den USA im Museum of Modern Art, New York, ausgestellt. • Aus der Sammlung des MoMA-Kurators Peter Howard Selz. • Krickes 'Raumplastiken' gleichen schwerelos und filigran in den Raum ausgreifenden Strahlenbündeln und gelten als Höhepunkt seines Strebens nach der 'Einheit von Raum und Zeit'. Wir danken Sabine Kricke-Güse, Berlin, für die freundliche wissenschaftliche Beratung. PROVENIENZ: wohl: Lefebvre Gallery, New York (1961). Peter Howard Selz, New York (seit 1961). The Jewish Museum, New York (bis 2009). Galerie Hans Strelow, Düsseldorf (2009 beim Vorgenannten erworben - 2010). Privatsammlung Rheinland (2010 vom Vorgenannten erworben, seither in Familienbesitz). AUSSTELLUNG: Museum of Modern Art, New York, 2.3-2.4.1961, Galerie John Lefebvre, New York, 11.4-6.5.1961, Galerie Karl Flinker, Paris, 15.11.-9.12.1961, möglicherweise Kat.-Nr. 9 (ohne Abb.). LITERATUR: Ketterer Kunst, Auktion 361, Kunst nach 45 / Zeitgenössische Kunst, München 12.12.2009, Los 318 (mit Abb.). 'Mein Problem ist nicht Masse, ist nicht Figur, sondern es ist der Raum und es ist die Bewegung - Raum und Zeit. [..] Ich versuche der Einheit von Raum und Zeit eine Form zu geben.' Norbert Kricke, 1954, zit. nach: Kritisches Lexikon der Gegenwartskunst, München 1988, S. 2. Peter Selz, der Kurator des Museum of Modern Art und frühere Besitzer der vorliegenden 'Raumplastik', beginnt seinen Katalogtext zu Krickes erster Einzelausstellung in den USA 1961 mit den folgenden Worten: 'The Museum of Modern Art is happy to present a selection of sculpture and drawings by Norbert Kricke [..]. Kricke is already well established in Europe but has thus far not received the recognition he deserves in New York.' Selz hatte bereits damals erkannt, dass Kricke in der Bildhauerei der Nachkriegsmoderne aufgrund seiner intensiven plastischen Erkundung von Raum und Zeit eine herausragende Rolle zukommt. Inspiriert von der konstruktivistischen Plastik um Naum Gabo und Antoine Pevsner entwickelt Kricke in seinen Unikaten eine bis heute einzigartige Formensprache. Kricke beginnt zunächst in den 1950er Jahren damit, die Dynamik der Linie anhand des Verlaufes eines einzelnen gebogenen Drahtes zu erkunden. Für diese frühen, meist farbig gefassten Arbeiten, die mit ihren langen Linienverläufen geradezu das spätere Schaffen des Amerikaners Fred Sandback vorwegzunehmen scheinen, findet dann auch bereits der Titel 'Raumplastik' Verwendung. Ab Mitte der 1950er Jahre beginnt Kricke dann mit Linienbündeln zu arbeiten, die er bis zum Ende des Jahrzehntes - wie auch in unserer wunderbaren 'Raumplastik' - bis hin zu mehrteiligen filigranen Linienkonstruktionen weiterentwickelt, die sich durch ihre einzigartige polyphone Ästhetik auszeichnen. Bündel aus aneinandergelöteten Metallstäben greifen, sich zu feinsten Verästelungen verjüngend, nach allen Seiten aus. Filigran und schwerelos wirken Krickes glänzende Schöpfungen, welche wie Lichtstrahlen den Raum füllen und damit einen äußerst progressiven Beitrag zur Bildhauerei der Nachkriegsmoderne liefern. Dies belegt auch die Tatsache, dass eine auf das eigene Werk bezogene Beschreibung des eine Generation jüngeren Amerikaners Fred Sandback auch für das deutlich frühere plastische Schaffen Krickes kaum treffender sein könnte: 'Noch Skulptur, wenn auch weniger dicht, mit einer Ambivalenz zwischen Außenraum und Innenraum. Eine Zeichnung, die man bewohnen kann.“ (Fred Sandback, Here and Now, Kunstmuseum Liechtenstein, Vaduz 2005). [JS] Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 17.06 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONNorbert Kricke -1922 Düsseldorf - 1984 Düsseldorf Raumplastik. 1960. Soldered stainless steel rods, loosely mounted on basalt base. Unique object. Ca. 58.5 x 47 x 46 cm (23 x 18.5 x 18.1 in). Base: 8 x 10 x 9 cm (3,1 x 3,9 x 3,5 in). • Shown at Kricke's first U.S. solo show at the Museum of Modern Art, New York, in 1961. • From the collection of the art historian and MoMA curator Peter Howard Selz. • Kricke's 'Raumplastiken' resemble weightlessly hovering, bundles of filigree rays and mark the peak of his quest for a 'unity of space and time'. We are grateful to Sabine Kricke-Güse, Berlin, for her kind expert advice. PROVENANCE: probably: Lefebre Gallery, New York (1961). Peter Howard Selz, New York (since 1961). The Jewish Museum, New York (until 2009). Galerie Hans Strelow, Düsseldorf (acquired from aforementioned in 200, until 2010). Private collection Rhineland (acquired from aforementioned in 2010, ever since family-owned). EXHIBITION: Museum of Modern Art, New York, March 2 - April 2, 1961, Galerie John Levebre, New York, April 11 - May 6, 1961, Galerie Karl Flinker, Paris, November 15.11 - December 9, 1961, presumably cat. no. 9 (no illu.). LITERATURE: Ketterer Kunst, auction 361, Post War / Contemporary Art, Munich December 12, 2009, lot 318 (with illu.). 'Neither mass nor figure are my issues, but space and motion - space and time. [..] I strive to bring form to the unity of space and time.' Norbert Kricke, 1954, quote from: Kritisches Lexikon der Gegenwartskunst, Munich 1988, p. 2. Peter Selz, curator at the Museum of Modern Art and former owner of this 'Raumplastik', begans his text for the catalog of Kricke's first solo exhibition in the USA in 1961 with the following words: 'The Museum of Modern Art is happy to present a selection of sculpture and drawings by Norbert Kricke [.]. Kricke is already well established in Europe but has thus far not received the recognition he deserves in New York.' Selz had already recognized that Kricke played a prominent role in post-war sculpting at that time due to his intensive three-dimensional exploration of space and time. Inspired by the constructivist sculpting around Naum Gabo and Antoine Pevsner, Kricke developed a signature style that has remained unmistakable up until today. In the 1950s Kricke began to explore the dynamics of the line based on the course of a single bent wire. The title 'Raumplastik'was already used for these early, mostly colored works, which, owing to their long lines, seemed to anticipate the later work of the American Fred Sandback. From the mid-1950s on Kricke began to work with bundles of lines, which he developed by the end of the decade - as it is the case with our wonderful 'Raumplastik' - to multi-part filigree line constructions characterized by unique polyphonic aesthetics. Bundles of soldered metal rods, tapering to the finest branches, extending into all directions. Kricke's shiny creations appear filigree and weightless, filling the room like rays of light and thus making an extremely progressive contribution to post-war modernism. In this sense a quote from the American artist Fred Sandback could hardly be more suitable to describe Kricke's much earlier sculptural work: 'Still a sculpture, albeit less dense, with an ambivalence between exterior and interior space . A drawing you can live in. ”(Fred Sandback, Here and Now, Kunstmuseum Liechtenstein, Vaduz 2005). [JS] Called up: June 18, 2021 - ca. 17.06 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Günther Uecker - - 1930 Wendorf - lebt und arbeitet in Düsseldorf Kunstpranger. 1983. Nägel und Asche-Leim-Gemisch auf Holzstamm. Rückseitig unten signiert und datiert. Höhe: 293 cm (115,3 x 37,4 x 29,5 in). Durchmesser: ca. 95 cm (37,4 in). • Die während der Aktion 'Kunstpranger' entstandene Skulptur ist der Erste: Der Ur-Nagelbaum. • Der monumentalste jemals angebotene Nagelbaum. • Seit der Entstehung stets in der Sammlung Deutsche Bank. Dieses Werk ist im Uecker Archiv unter der Nummer GU.83.046 registriert und wird vorgemerkt für die Aufnahme in das entstehende Uecker-Werkverzeichnis. PROVENIENZ: Aktion 'Kunstpranger' bei der Galerie Annelie Brusten, Wuppertal. Sammlung Deutsche Bank (vom Vorgenannten erworben). Der 'Kunstpranger' gehört zu den bekanntesten Skulpturen Günther Ueckers. In einer Aktion mit der Wuppertaler Galeristin Annelie Brusten, die er 1979 während eines Akademie-Rundgangs in Düsseldorf kennenlernt, schafft er ein Mahnmal für die sterbende Natur. Eine von Borkenkäfern befallene Ulme wird im Klophaus-Park gefällt, durch Uecker aber als Kunstwerk konserviert. Die Idee entsteht im Herbst des Jahres 1983, als Annelie Brusten zufällig die Forstarbeiter im Park beim Markieren der 80 Jahre alten Ulme bemerkt. Sie erfährt, dass der kranke Baum gefällt und verbrannt werden soll. Annelie Brusten holt den bereits sehr bekannten 'ZERO'-Künstler und Professor an der Kunstakademie nach Wuppertal: Uecker kommt, markiert einen etwa 3 Meter langen Abschnitt am Stamm und Ueckers Schüler Herbert Koller dokumentiert fotografisch was dann geschieht. Im Park-Pavillon bearbeitet Uecker, auf einer Leiter stehend, über zehn Tage den mächtigen Stamm und bestückt ihn mit einer wehrhaften Krone aus Zimmermannsnägeln. Insgesamt etwa eintausend Nägel mit einem Gewicht von 130 Kilogramm verwendet er für dieses Kunstwerk. Die Asche der verbrannten Baumkrone vermischt er mit Leim, einer Art Heilsalbe, mit der er die Wunden des Baumes verschließt. Es ist sein erster Baum, den er mit Nägeln bearbeitet. Im Park-Pavillon verbleibt die Skulptur 'Kunstpranger' als gleichnamige Ausstellung der dort ansässigen Galerie Annelie Brusten, dem Waldsterben gewidmet - ein Thema, das heute brisanter ist als jemals zuvor. Bei seiner Rede zur Eröffnung der Ausstellung prangert Uecker die Umweltzerstörung durch den Menschen an und erklärt die Nägel zur 'Rüstung', mit der er den Baum 'eingerüstet, ihn stark gemacht' habe. Herbert Kollers Aufnahmen sind nebst handschriftlichen Gedanken Ueckers in dem kleinen Ausstellungskatalog 'Kunstpranger' enthalten, den Annelie Brusten später als Auflage herausgibt. Auch ein Multiple in 35 Schubern mit jeweils einer benagelten Baumscheibe und Kohlezeichnung der Ulme macht die Entstehung des Kunstwerks nachträglich zu einer Art Performance. Mithilfe des damaligen Direktors des Von der Heydt-Museums, Günter Aust, verkauft Annelie Brusten den 'Kunstpranger' nach vier Monaten an die Deutsche Bank. Die Neuerwerbung wird dort über 20 Jahre in der Eingangshalle der Wuppertaler Filiale präsentiert. Der Nagelbaum wird zu einem Thema in Ueckers Œuvre, das ihn nicht gleich wieder loslässt. Noch 1984 folgt ein achtteiliger Wald, ein zweiter und dritter entsteht 1988 und 1991. Günther Uecker ist ein steter Kommentator der Geschehnisse in der Welt, er lebt in der Gegenwart und nimmt aktiv an seiner Zeit teil. 'Die Kunst kann den Menschen nicht retten, aber mit den Mitteln der Kunst wird ein Dialog möglich, welcher zu einem den Menschen bewahrenden Handeln aufruft.' (Günther Uecker, 1983, zit. nach: Kritisches Lexikon der Gegenwartskunst, S. 2). Seine Werke sind Zeugen ihrer Zeit und künstlerischer Protest gegen Zerstörung und Vernichtung. [SM] Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 17.38 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regelbesteuert angeboten (R).ENGLISH VERSIONGünther Uecker -1930 Wendorf - lebt und arbeitet in Düsseldorf Kunstpranger. 1983. Nails and ashes-glue compound on tree trunk. Signed and dated on the reverse. Height: 293 cm (115.3 x 37,4 x 29,5 in). Diameter: ca. 95 cm (37,4 in). • The sculpture was made in context of the campaign 'Kunstpranger' (Art Pillory) and is the first nail tree ever made. • The most monumental nail tree ever on the market. • Part of Deutsche Bank Collection since it was made. The work is registered in the Uecker Archive with the number GU.83.046 and is earmarked for inclusion into the forthcoming Uecker catalog raisonné. PROVENANCE: Art campaign 'Kunstpranger' at Galerie Annelie Brusten, Wuppertal. Deutsche Bank Collection (acquired from aforementioned). The 'Kunstpranger' (Art Pillory) is one of Günther Uecker's most famous sculptures. In an action with the Wuppertal gallery owner Annelie Brusten, whom he met in 1979 during the academy tour in Düsseldorf, he created a memorial for the destruction of the environment. An elm tree infested with bark beetles was chopped down in Klophaus Park, but Uecker conserved it as a work of art. The idea came up in the autumn of 1983 when Annelie Brusten happened to notice the forest workers in the park marking the 80-year-old elm. She learned that the sick tree had to be taken down. Annelie Brusten called the well-known 'ZERO' artist and academy professor to Wuppertal: Uecker came, marked an approximately 3 meter long section on the trunk and Uecker's student Herbert Koller photo-documented what happened next. In a pavilion in the park Uecker stood on a ladder and worked on the mighty trunk for ten days, equipping it with a defensive crown of carpenter nails. He used a total of around one thousand nails weighing 130 kilograms for this work of art. He mixed the ashes of the burned treetop with glue, as a kind of healing ointment, with which he closed the tree’s wounds. This was the first tree ever that Uecker performed his nailwork on. The sculpture 'Kunstpranger' (Art Pillory) remained in the park pavilion as an exhibition of the same name by the Annelie Brusten gallery and was dedicated to forest dieback - a problem that was more topical than ever at that point. In his speech on occasion of the opening of the exhibition, Uecker decried the destruction of the environment by man and declared the nails to be 'armor' with which he 'equips the tree, in order to make it strong'. Herbert Koller's photographs, along with Uecker's handwritten thoughts, were included in the small exhibition catalog 'Kunstpranger', which Annelie Brusten would later publish in an edition of 35 multiples in slipcases, each with a nailed tree disc and a charcoal drawing of the elmtree, turns the creation of the work of art into a kind of performance. With the help of the then director of the Von der Heydt Museum, Günter Aust, Annelie Brusten sold the 'Kunspranger' to the Deutsche Bank Collection after four months. The new acquisition was presented in the lobby of its Wuppertal branch for over 20 years. The nail tree became a theme in Uecker's oeuvre that the artist would not let go. In 1984 he made an eight-part fores, a second and third one followed 1988 and 1991. Günther Uecker remained an artistic commentator on current events in the world, he lives in the present and makes contributions to the issues of our time. 'Art cannot save people, but with the means of art a dialogue becomes possible which calls for actions that will then protect people.' (Günther Uecker, 1983, quote from: Kritisches Lexikon der Gegenwartskunst, p. 2) His works are witnesses to the urging questions of their days and an artistic protest against destruction and annihilation. [SM] Called up: June 18, 2021 - ca. 17.38 h +/- 20 min. This lot can only be purchased subject to regular taxation (R).

Adrian Ludwig Richter - - 1803 Dresden - 1884 Dresden Im Walde. 1864. Sepia laviert, Aquarell, Feder und Bleistift. Links unten signiert und datiert. In der Zeichnung auf dem linken Mehlsack monogrammiert. Verso von Paul Kaufmann, Vorbesitzer, handschriftlich bezeichnet und mit Provenienzangaben versehen. Auf Velin mit dem teilweise lesbaren Wasserzeichen '[?]anson' (evtl. Montgolfier Canson). 11 x 15,5 cm (4,3 x 6,1 in), im Passepartout gemessen. PROVENIENZ: Aus dem Nachlass des Künstlers. Sammlung Lionel von Donop, Berlin (Direktor der Abteilung für Handzeichnungen in der Kgl. Nationalgalerie Berlin). Sammlung Paul Kaufmann (1902 vom Vorgenannten erworben). Kunsthandlung Hugo Helbing, Berlin. Privatsammlung Norddeutschland (1929 bei Vorgenanntem erworben. Mit Kaufquittung). Privatsammlung Dänemark (durch Erbgang aus vorgenannter Sammlung erhalten). AUSSTELLUNG: Deutsche Maler 1780-1850, Kunsthandlung Hugo Helbing, Berlin, 22.5.-22.6.1929, Kat.-Nr. 120. Als einer der bedeutendsten Maler und Illustratoren der späten Romantik prägt Adrian Ludwig Richter wie kein anderer diese Epoche der Innengewandtheit, Nostalgie und sehnsuchtsvollen Hinwendung zur Märchen- und Sagenwelt. Um 1800 rufen Johann Karl Musäus und die Gebrüder Grimm eine neue Begeisterung für die deutsche Sprache und volkstümliche Geschichten hervor, zu denen Richter neben zahlreichen Kinderbüchern, Gedichtbänden und Liedersammlungen Illustrationen in Form von Holzschnitten und Federzeichnungen beisteuert. Vor allem die von Musäus verfassten 'Volksmärchen der Deutschen', von Richter 1842 illustriert, sind für die bürgerlich intime Bildwelt prägend. Als Professor an der Akademie in Dresden nimmt Richter schließlich bedeutenden Einfluss auf die Entwicklung des Holzschnitts in Deutschland, obgleich er dort eigentlich die Leitung der Landschaftsklasse innehat. Das vorliegende Aquarell lässt sich mit seiner bemerkenswert zarten Strichführung wohl dem Gemälde 'Ritt durch den Wald' zuordnen, von dem zwei Ausführungen bekannt sind. Nach Familienüberlieferung entsteht das erste kleine Gemälde in Dresden 1856, inspiriert durch die Hochzeitsfeierlichkeiten von Richters Tochter Helene mit dem Fabrikantensohn Theodor Kretschmar, die am 14. Juni 1854 in der Rabenauer Mühle gefeiert wird. Schon früher hat Richter das Motiv des Brautzuges gewählt oder der Liebespaare in der Laube, die in völliger Intimität einander zugewandt sind. So begegnen dem Betrachter bereits in den italienischen Landschaften dahinziehende Hirten oder einfache Bauersleute, eingebettet in eine sie umschließende und ihre Intimität bewahrende Landschaft. Noch in italianisierender Kleidung mit dem Mieder, das Haar mit Bändern geschmückt, wird die Braut von ihrem Bräutigam in unserem Aquarell nach Hause geführt. Romantische Schwärmerei ist abgemildert zu zärtlicher Demut im Blick des Müllerburschen. Auf den Gesichtern liegt kindliche Unschuld, die noch durch die Einfachheit der beiden Tiere - dem treuen Esel und dem wachsamen Hündchen - unterstrichen wird. Im Geiste des ausgehenden Biedermeiers sind Richters Werke auch immer Abbildung bürgerlicher Tugenden, zu der sich neben dem Motiv des Wanderns und Heimkehrens als Metapher des Lebens christliche Tugenden der Demut, des Vertrauens und der Liebe dazugesellen. Italienische Hirtenidylle und Harmonie, raffaeleske Schönlinigkeit und Grazie transportiert Richter in seine im Ausdruck bewusst naiv gehaltenen, dennoch in meisterhaft grafischer Technik ausgeführten Aquarelle und Sepiazeichnungen. In unserem Blatt verrät sich diese Virtuosität nicht zuletzt durch die in der Sepialavierung freigelassenen Sonnenflecken, die umso mehr die schattige Intimität des Waldesinneren herausstellen. Diese Feinheit in der Ausführung lässt das kleinformatige Blatt zu einer grafischen Preziose werden. [KT] Aufrufzeit: 17.06.2021 - ca. 17.41 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONAdrian Ludwig Richter -1803 Dresden - 1884 Dresden Im Walde. 1864. Sepia wash, Watercolor, feather and pencil. Signed and dated in lower left. Monogrammed on the left flour sack in the drawing. Verso inscribed with provenance information of Paul Kaufmann, a previous owner. On wove paper, with a barely legible watermark '[?]anson' (perhaps Montgolfier Canson). 11 x 15.5 cm (4.3 x 6.1 in), mount section. PROVENANCE: From the artist's estate. Collection Lionel von Donop, Berlin (director of the Graphic Department at the Royal National Gallery Berlin). Collection Paul Kaufmann (acquired from aforementioned in 1902). Art trader Hugo Helbing, Berlin. Private collection Northern Germany (acquired from aforementioned in 1929. With receipt). Private collection Denmark (inherited from aforementioned). EXHIBITION: Art trader Hugo Helbing, Berlin, 'Deutsche Maler 1780-1850', May 22 - June 22, 1929, cat. no. 120. Called up: June 17, 2021 - ca. 17.41 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Jan Schoonhoven - - 1914 Hof van Delft - 1994 Delft R 71-18. 1971. Relief. Pigment und Papiermaché auf Holz. Verso signiert, datiert, betitelt und bezeichnet sowie mit Richtungspfeilen. 104 x 202 cm (40,9 x 79,5 in). • Von größter Seltenheit. • Bisher wurde noch kein Relief in dieser Größe auf dem internationalen Auktionsmarkt angeboten. • Weitere großformatige, frühe Reliefs befinden sich heute in Museumsbesitz, darunter das Museum Boijmans van Beuningen, Rotterdam, und die Stiftung Kunst im Landesbesitz Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf. • Kleinformatigere Reliefs befinden sich in zahlreichen bedeutenden internationalen Sammlungen wie dem Museum of Modern Art, New York, und der Tate Modern, London. • 2014/15 war Schoonhovens Werk auf den großen 'ZERO'-Schauen im Solomon R. Guggenheim Museum, New York, und im Martin Gropius Bau, Berlin, zu sehen. Wir danken Herrn Antoon Melissen, Amsterdam, für die wissenschaftliche Beratung. Die Arbeit wird in das in Vorbereitung befindliche Werkverzeichnis aufgenommen. PROVENIENZ: Aus einer wichtigen europäischen Privatsammlung (direkt vom Künstler erworben). 'The square is perhaps the purest of the basic shapes, a kind of frame of reference for all the others.' Jan Schoonhoven, 1972, zit. nach: Jan Schoonhoven, Delftse meester, De Telegraaf, 12.1.1972. Schoonhovens monochrom-weiße Reliefs - Faszinierende Klarheit und Radikalität Schoonhovens Reliefs faszinieren durch ihre formale Klarheit, ihre künstlerische Radikalität und ihre technische Perfektion. Bereits 1972 im Katalog zur Schoonhoven-Ausstellung in Mönchengladbach wird ihr einzigartiger Charakter als 'Cool, strictly ordered, well-considered. But also familiar, humane and intimate' beschrieben (zit. nach: A. Melissen, Jan Schoonhoven's silent white revolution, in: J. Schoonhoven, Galerie Zwirner, New York 2015, S. 15). Schoonhoven war ein Einzelgänger, der tagsüber seiner nicht-künstlerischen Tätigkeit in der Immobilienabteilung der niederländischen Post nachging, bevor er sich ab Ende der 1950er Jahre allabendlich am Esstisch seines Delfter Grachtenhauses der konzentrierten Arbeit an seinen Reliefs hingibt. Durch den räumlichen Kontext ihrer Entstehung sind die Formate seiner Reliefs meist auf ein Maximum von gut einem Meter im Quadrat beschränkt. Großformate wie 'R-71-18' sind eine absolute Seltenheit in Schoonhovens Werk. Jan Schoonhoven - Protagonist der niederländischen 'ZERO'-Bewegung 1956 entsteht mit 'Motel' sein erstes monochrom weißes Relief, das formal allerdings noch auf seinen zwar stark abstrahierten, aber noch figürlichen Kompositionen dieser Jahre basiert. Hier jedoch findet Schoonhoven bereits zu der sein weiteres Schaffen prägenden, antiakademischen Materialität des Papiermaché. Allerdings sollte erst die zunehmende formale Reduktion hin zu streng geometrischen Reihungen von Rechtecken oder Quadraten - wie in 'R 71-18' - in den Folgejahren für die Einbeziehung des lebendigen Spiels von Licht und Schatten grundlegend sein. Im Anschluss an die erste niederländische Ausstellung des Italieners Piero Manzoni, der ebenfalls für seine weißen Reliefbilder international bekannt ist, gehört Schoonhoven 1958 zu den niederländischen Mitbegründern der 'ZERO'-Bewegung. Erst in den Folgejahren finden Schoonhovens Reliefs zu ihrer charakteristischen formalen Strenge, für die architektonische Strukturen wie Mauern, Pflastersteine und Gitterabdeckungen zentrale Inspirationen liefern. 'R 71-18' - Das Quadrat als geometrische Basisform Der Grundstruktur des Quadrates kommt in Schoonhovens Schaffen eine entscheidende, geradezu prototypische Rolle zu, da der Künstler gerade dem Quadrat den reinsten Ausdruck einer geometrischen Grundform zuspricht, die für alle anderen geometrischen Formen grundlegend ist. Das großformatige Relief 'R 71-18' ist damit in besonderer Weise exemplarisch für Schoonhovens Schaffen: Es basiert auf der vervielfachten Reihung des Quadrates als geometrischer Basisform, aus deren Zusammenstellung Schoonhoven ein großes Rechteck entwickelt hat. Schoonhoven hat dafür 14 Reihen mit jeweils 28 Quadraten untereinandergesetzt und damit eine beeindruckende dreidimensionale Relieflandschaft aus 392 gleichgroßen Quadraten entworfen, die durch ihre formale Klarheit und optische Ruhe begeistert. Bereits formal bietet die streng geometrische Struktur seiner Reliefs keinen Raum für eine spontane, gestische künstlerische Handschrift. Darüber hinaus arbeitet Schoonhoven bald für die Ausführung seiner Reliefs mit Assistenten zusammen, da für ihn der eigentliche künstlerische Schaffensprozess allein in der Konzeption und im zeichnerischen Entwurf liegt. Dadurch hat Schoonhoven noch einmal mehr eine der zentralen künstlerischen Grundideen der niederländischen 'ZERO'-Bewegung, der Gruppe 'Nul', auf den Punkt gebracht: die konsequente Verneinung der individuellen künstlerischen Handschrift. In einem 1972 gedrehten filmischen Porträt, das Schoonhoven unter anderem bei der Arbeit an einem seiner Reliefs zeigt, hat der Künstler folgende Beschreibung des Schaffensprozesses geliefert: 'It's purely technical, what I'm doing here, nothing but pure handiwork. The artistry, the 'künstlerische', has naturally already occured when I made the design. A lot of thoughts went into that design, preceded by a process of drawing, and this is the final result. Everything is calculated, everything is evaluated' (zit. nach: ebd., S. 39). 'R 71-18' - Zur Seltenheit des Großformates in Schoonhovens Schaffen Jan Schoonhoven, dessen monochrom weißes Hauptwerk wie auch das Schaffen von Piero Manzoni, Lucio Fontana, Günther Uecker und Enrico Castellani zu den bedeutendsten Beiträgen der europäischen 'ZERO'-Kunst zählt, hat insgesamt wohl etwa 900 Reliefs hinterlassen, von denen jedoch der Großteil kleinformatig ist und wohl nur weniger als 20 Arbeiten in vergleichbar großem Format wie 'R 71-18' ausgeführt wurden. 'R 71-18' kommt deshalb in Schoonhovens Schaffen ein absoluter Seltenheitswert zu und wir freuen uns sehr, mit der herausragenden Arbeit 'R 71-18' erstmals ein bedeutendes Großformat des gefeierten niederländischen 'ZERO'-Künstlers auf dem internationalen Auktionsmarkt anbieten zu können. [JS] Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 18.34 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.

Emil Nolde - - 1867 Nolde/Nordschleswig - 1956 Seebüll/Schleswig-Holstein Mädchen mit blauem Haar. Um 1920. Aquarell. Rechts unten signiert. Auf Japan. 44,8 x 34,3 cm (17,6 x 13,5 in), Blattgröße. [SM]. • Die junge Frau ist unmittelbar aus dem freien Fluss der Farben ohne Vorzeichnung oder grafische Elemente gewachsen. • Mit der Unmittelbarkeit des Ausdrucks hält Nolde sein Gegenüber in einer unnachahmlichen Intensität fest. • Seit 70 Jahren in privater Hand. Mit einer Fotoexpertise von Prof. Dr. Manfred Reuther, Klockries, vom 7. Mai 2021. Die Arbeit ist in seinem Archiv unter der Nummer 'Nolde A - 209/2021' registriert. PROVENIENZ: Privatsammlung Schweiz (seit den 1950er Jahren). Privatsammlung Schweiz (durch Erbschaft vom Vorgenannten). 'The watercolors, the final measure of [Nolde’s] directness and spontaneity, are among the best in Modern art. [Nolde] always felt the painter should paint first and think afterward' Bernard S. Myers, The German Expressionists: A Generation in Revolt, London 1963, S. 128. In seinen Bildnissen fasziniert Emil Nolde das Individuelle des Gegenübers. Der lebendige Ausdruck, der diese Gesichtszüge mit roten Wangen bestimmt und sich vor allem in dem herausfordernden Blick der Augenpartie erkennen lässt, ist einer Persönlichkeit zugeordnet, die Nolde mit der Kraft ihrer wachen Ausstrahlung sichtlich beeindruckt hat. Eine besondere Qualität in seinen Aquarellen ist die differenzierte Charakterisierung von Personen und deren eindrucksvolle Typisierung: Sie zeigen darin seinen intensiven Zugang. Noldes Leben zwischen der Großstadt Berlin und der Landschaft im Norden, seine Reisen in die nahe Umgebung und nicht zuletzt die Exkursion in die ferne Südsee bieten dem Künstler anregende Vorlagen für seine breite Palette von bisweilen bizarr anmutenden, ortsbedingten aber auch wie hier ebenschönen Physiognomien. Man kann natürlich den Versuch unternehmen, dieses markante Profil eines Mädchens in vergleichbaren Aquarellen, Gemälden mit Hinweisen auf das Unbekannte auszumachen, etwa das leicht zugespitzte, zarte Kinn, die vollmundigen Lippen unter der spitzen, aussagekräftigen Nase und das im Blauton gefärbte Haar. Sicher, für Nolde ist es wichtig, Charaktere als Modell zur Verfügung zu haben, um deren ausgeprägte Profile und Wesensmerkmale herauszustellen und dennoch frei zu agieren, auch Gesichter im klassischen Porträtstil zu erfinden, ähnlich der Typen, Phänotypen, die persönliche Merkmale zeigen, ähnlich einer Landschaft oder ähnlich wie Blumen in seinen Rabatten und Gärten. Noldes künstlerische Sprache ist gespickt mit delikater Stimmung, seine Malerei ist leidenschaftlich gesteigert bis zu archaisch anmutender Stilisierung. Somit reiht sich dieses Porträt in seiner subtil gewählten Farbigkeit ein in das faszinierende Werk des Künstlers neben den farbintensiven Landschaftsaquarellen, ergreifenden Aquarellen mit religiösen Themen, mit emphatischen Studien in der Südsee und den herrlichen Blüten- und Blumenbildern. [MvL] Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 19.06 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONEmil Nolde -1867 Nolde/Nordschleswig - 1956 Seebüll/Schleswig-Holstein Mädchen mit blauem Haar. Um 1920. Watercolor. Signed in lower right. On Japon. 44.8 x 34.3 cm (17.6 x 13.5 in), size of sheet. [SM]. • The portrait of the young lady solely grew from the colors' free flow without preliminary drawing or graphic elements. • Through the immediacy of expression Nolde captures his vis-à-vis in an inimitable intensity. • Privately-owned fro 70 years. With a photo expertise issued by Prof. Dr. Manfred Reuther, Klockries, from May 7, 2021. The work is registered in his archive with the number 'Nolde A - 209/2021'. PROVENANCE: Private collection Switzerland (since the 1950s) Private collection Switzerland (inherited from above). 'The watercolors, the final measure of [Nolde’s] directness and spontaneity, are among the best in Modern art. [Nolde] always felt the painter should paint first and think afterward' (Bernard S. Myers, Expressionism: A Generation in Revolt, London 1963, p. 128.) In his portrait art Emil Nolde was fascinated by the individuality of his counterpart. The lively expression that defines these facial features with the red cheeks and which becomes most obvious in the challenging look, is assigned to a personality that clearly impressed Nolde with the power of her bright charisma. The differentiated characterization of people and their impressive typification is a special quality of his watercolors and show his intensive approach. Nolde's life between the metropolis of Berlin and the landscape in the north, his excursions in the surroundings of his home, and, last but not least, the journey to the distant South Seas offered the artist stimulating models for his wide range of physiognomies. One can, of course, try to identify this striking pictorial account of a girl in profile in comparable watercolors, paintings with references to the unknown, such as the slightly pointed, delicate chin, the full-bodied lips under the pointed, expressive nose and the hair dyed in a shade of blue. Sure, for Nolde it is important to have real characters as models, in order to highlight their distinctive profiles and characteristics while still acting freely, also to invent faces in a classic portrait style, similar to the types, phenotypes, that show personal characteristics, similar to a landscape or similar to flowers in his flower beds and and gardens. Nolde's artistic language is peppered with a delicate mood, his painting is passionately boosted to the point that it appears to be an archaic stylization. Thus, this portrait, with its subtly chosen colors, fits in with the artist's fascinating oeuvre of intensive watercolors of landscapes, touching watercolors with religious themes, emphatic South Seas studies and the wonderful flower pictures. [MvL] Called up: June 18, 2021 - ca. 19.06 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Egon Schiele - - 1890 Tulln - 1918 Wien Sitzender weiblicher Akt, die Arme auf die Knie gestützt, die Beine verschränkt. 1918. Schwarze Kreidezeichnung. Kallir 2314. Unten mittig signiert und datiert. Auf bräunlichem Zeichenpapier. 46,3 x 29,5 cm (18,2 x 11,6 in), Blattgröße. [EH]. • Seit 40 Jahren in Privatbesitz. • Entstanden im letzten Lebensjahr Egon Schieles. • Eine weitere Zeichnung der Motivfolge befindet sich im Gemeentemuseum Den Haag. Wir danken dem Kallir Research Institute für die freundliche Unterstützung. PROVENIENZ: Privatsammlung München (seit 1982). LITERATUR: Karl & Faber, München, 161. Auktion, 25.-26.11.1982, Los 1217, Abb. Taf. 129. 'Auch das erotische Kunstwerk hat Heiligkeit.' Egon Schiele in einem Skizzenbuch von 1911 Egon Schiele ist neben Oskar Kokoschka der prominenteste Vertreter des Wiener Expressionismus. In dem sie gezielt gegen das Wahre und Gute, den Gegensatz zwischen dem Schönen und dem Hässlichen verstoßen, gelingt beiden Künstlern ein Befreiungsschlag gegen den Schönheitskult der Wiener Secession um Gustav Klimt. Letzterem gegenüber eröffnen Schieles Zeichnungen und Aquarelle dem Betrachter eine neue Ästhetisierung des Erotischen; er würdigt und nobilitiert den intim gesehenen Frauenkörper in der Summe der Einzelposen auf besonders exponierte und bisweilen theatralische Weise. Schiele inszeniert die Körper seiner Modelle in einem selten vernehmbaren Raum oder auf einer imaginären Bühne. Kräftige Linien und ausgeprägte Konturen bilden das charakteristische Moment in Schieles Arbeiten auf Papier. Hierzu gehört auch eine andeutungsweise, zittrig wirkende Unregelmäßigkeit des Strichs; sie rührt auch vom Zeichnen auf einem gemaserten Holzbrett. Seit 1915 zeichnet Egon Schiele eine Reihe von Aktdarstellungen und Porträts nicht nur von seiner Frau Edith Harms, die er im selben Jahr im Juni heiratet, sondern auch von deren älteren Schwester Adele Harms. Deren naturgegebene, physiognomische Ähnlichkeit macht es nicht leicht, die beiden Schwestern als Modelle voneinander zu unterscheiden. Zwar ist Edith blond und Adele dunkelhaarig, aber Schiele nimmt es bei der Kolorierung der Haare nicht so genau und löst sich bisweilen vom Naturvorbild. Trotzdem ist bei dieser schwarzen Kreidezeichnung eine eindeutige Identifikation noch schwieriger als bei einem Aquarell erscheinen mag, ist die spekulative Wahrscheinlichkeit, es handle sich bei diesem Akt um Adele, doch sehr groß. Wie ganz allgemein in diesen Jahren zeichnet Schiele auch diese feine Bildnisstudie seiner Schwägerin aus leicht erhöhter Position in naturalistischen Zügen. Er benutzt hierfür eine schlichte, schwarze Kreide, beobachtet den Körper mit einer wunderbar fließenden Kontur und charakterisiert den doch ungemein beseelten und melancholischen Gesichtsausdruck treffend wie überzeugend. Das gegenüber ihrer Schwester Edith deutlich spitzer zulaufende Kinn scheint Schiele fast zu betonen, auch die wirr hochgesteckte, aufgetürmte Haartracht spricht im Vergleich im Wesentlichen für Adele, die den Augen und dem fixierenden Blick des Künstlers, dabei den Kopf auf den verschränkten Fingern entspannt ruhend, lächelnd ausweicht. [MvL] Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 19.10 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONEgon Schiele -1890 Tulln - 1918 Wien Sitzender weiblicher Akt, die Arme auf die Knie gestützt, die Beine verschränkt. 1918. Black Chalk drawing. Kallir 2314. Signed and dated in bottom center. On brownish paper. 46.3 x 29.5 cm (18.2 x 11.6 in), size of sheet. [EH]. • Privately-owned for more than 40 years. • Made the last year of Egon Schiele's life. • Another drawing from this motif series is part of the collection of the Gemeentemuseum in The Hague. We are grateful to the Kallir Research Institute for the kind support in cataloging this lot. PROVENANCE: Private collection Munich (since 1982). LITERATURE: Karl & Faber, Munich, auction 161, November 25/26, 1982, lot 1217, illu. on plate 129. 'The erotic artwork is sacred, too.' Egon Schiele in a sketchbook from 1911 Along with Oskar Kokoschka, Egon Schiele was the most prominent representative of Viennese Expressionism. By deliberately violating the true and the good, breaching the contrast between the beautiful and the ugly, both artists succeeded in breaking free from the beauty cult of the Vienna Secession around Gustav Klimt. In contrast to the latter, Schiele's drawings and watercolors open up a new aestheticization of the erotic for the viewer; he appreciated and ennobled the intimate female body in the sum of the individual poses in a particularly exposed and at times ‘overly dramatic’ way. Schiele rarely staged the bodies of his model in not clearly identifiable spaces or on imaginary stages. Strong lines and pronounced contours form the characteristic moment in Schiele's works on paper. This also includes a suggestive, slightly shaky and irregular line; which is also owed to the execution of the drawing on grained wooden board. Since 1915 Egon Schiele has been drawing a series of nudes and portraits of his wife Edith Harms, whom he had married in June that same year, but also of her older sister Adele Harms. Their natural, physiognomic similarity makes it difficult to tell the two sisters from one another. Edith is blond and Adele is dark-haired, but Schiele did not waste much thought on hair colors and often deviated from the actual sitter. Nevertheless, a clear identification of the sitter in this black chalk drawing is even more difficult than it might be the case with a watercolor, however, the speculative probability that this nude shows Adele is very high. As it was generally the case during these years, Schiele also made this fine portrait study of his sister-in-law with naturalistic features and from a slightly elevated position. For this purposes he used simple black chalks, rendered the body with a wonderfully flowing contour and aptly characterized the extremely soulful and melancholic facial expression. In comparison with her sister Edith, Adele’s chin is a lot more pointed, which Schiele seems to emphasize, the slightly disheveled high-piled hairdo also speaks for Adele, who tries to avoid eye contact with the artist, by resting her head on her interlaced fingers with a smile on her face. [MvL] Called up: June 18, 2021 - ca. 19.10 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Ernst Ludwig Kirchner - - 1880 Aschaffenburg - 1938 Davos Badende. 1908/09. Farbige Kreidezeichnung. Verso mit dem kaum leserlichen Nachlassstempel des Kunstmuseums Basel (Lugt 1570 b) und der kaum lesbaren handschriftlichen Registriernummer 'FS / Dre [..]'. Auf leichtem, chamoisfarbenem Büttenkarton. 42,7 x 34,3 cm (16,8 x 13,5 in), nahezu blattgroß. [CH]. • Dynamisches, kräftiges und besonders farbstarkes Werk aus der besten 'Brücke'-Zeit. • Eindrucksvolle Körperlichkeit bei größter Freiheit des Duktus und strenger Reduzierung auf die Kontur. • Zur gleichen Zeit schafft der Künstler motivisch ähnliche Gemälde, u. a. 'Drei Akte im Walde' (1908, Stedelijk Museum, Amsterdam) oder 'Stehender und liegender Akt' (1908, Gordon 51). • Das Motiv der Badenden und der Akt im Freien zählen zu den Hauptmotiven der 'Brücke'-Künstler. Das Werk ist im Ernst Ludwig Kirchner Archiv, Wichtrach/Bern, dokumentiert. PROVENIENZ: Nachlass des Künstlers (Davos 1938, Kunstmuseum Basel 1946). Privatsammlung Frankreich. Privatsammlung Belgien (1999 durch Erbschaft vom Vorgenannten erhalten). Gemeinsam mit Karl Schmidt-Rottluff, Erich Heckel und Fritz Bleyl gründet Ernst Ludwig Kirchner 1905 in Dresden die Künstlergruppe 'Die Brücke'. In Ablehnung eines klassischen Kunststudiums studieren die Freunde stattdessen die moderne Kunst ihrer Zeit und widmen sich dem reinen Naturstudium, ohne sich von den traditionellen formalen, technischen und ästhetischen Regeln der Akademielehren beeinflussen zu lassen. Selbstbewusst und unbeirrt suchen sie nach ihrer ganz eigenen, individuellen künstlerischen Sprache. In dieser so bedeutenden, richtungsweisenden Zeit - der Geburtsstunde des Expressionismus - steht insbesondere die Darstellung des Menschen im Fokus der jungen Maler. Der Akt bildet für die 'Brücke'-Künstler 'die Grundlage aller bildenden Kunst', wie E. L. Kirchner selbst in seiner 'Chronik' schreibt (1913, zit. nach: Ausst.-Kat. Bremer Kunsthalle, 100 Jahre Brücke, Bremen 2005, S. 65). Dem Aktzeichnen widmet sich Kirchner in der Entstehungszeit unserer Arbeit nicht nur auf seiner ersten Fehmarn-Reise 1908 und während ausgedehnter Aufenthalte an den Moritzburger Teichen (ab 1909), sondern insbesondere auch im gemeinsamen Atelier im Arbeiterviertel Dresden-Friedrichstadt. In spontanen, dynamischen Zeichnungen studiert er die Eigenschaften des weiblichen Akts, den er nicht in erstarrt-akademischen, sondern in natürlichen und ungezierten Posen und Bewegungsabläufen zeichnet. Das Dresdener Atelier ist in diesen Jahren nicht nur Lebens- und Arbeitsraum der 'Brücke'-Künstler, sondern auch Treffpunkt für viele weibliche Amateurmodelle, die insbesondere E. L. Kirchner in zahlreichen, aus dem Moment geborenen Zeichnungen skizziert. Ebenso wie sich Kirchners künstlerisches Schaffen in diesen Jahren gegen das traditionelle Kunstverständnis richtet, entspricht auch sein Privatleben nicht den konservativen Moralvorstellungen der Wilhelminischen Ära. In seinem mit Vorhängen und Paravents dekorierten Atelier herrscht in diesen Jahren eine ungezwungene Freizügigkeit, die sich auch in den frei formulierten, lebhaften Zeichnungen widerspiegelt, in denen die akademische Darstellung des Aktes endgültig überwunden scheint. Innerhalb seines gesamten Schaffens räumt Kirchner der Zeichnung einen besonders hohen Stellenwert ein. Das Medium erlaubt ihm, die von den 'Brücke'-Künstlern gesuchte Unmittelbarkeit, die aus dem Moment geborene, natürliche Pose oder eine flüchtige Bewegung festzuhalten. So ist die hier angebotene, eindrucksvolle Darstellung einer momenthaften Atelierszene in ihrer Vereinfachung der Form, der Reduzierung auf raffinierte und selbstbewusst gesetzte Konturen in starken, kräftigen Farben sowie sicher geführtem Strich und der ungezwungenen Nacktheit der weiblichen Dargestellten nicht nur ein Zeugnis des bahnbrechenden künstlerischen Schaffens von E. L. Kirchner und der radikalen Kunstauffassung der 'Brücke'-Kunst, sondern auch des gesamten deutschen Expressionismus. [CH] Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 19.24 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONErnst Ludwig Kirchner -1880 Aschaffenburg - 1938 Davos Badende. 1908/09. Farbige Chalk drawing. With the barely legible estate stamp of the Kunstmuseum Basel (Lugt 1570 b) and the hand-written registration number 'FS / Dre [..]' on the reverse. On light creme board. 42.7 x 34.3 cm (16.8 x 13.5 in), nearly the full sheet. [CH]. • Dynamic, powerful and particularly colorful work from the best 'Brücke' times. • Impressive physicality with the greatest freedom of style and strict reduction to the contour. • At the same time the artist created, among others, the painting 'Drei Akte im Walde' (1908, Stedelijk Museum, Amsterdam) with a similar motif. • Bathers and plein-air nudes are among the main motifs of the 'Brücke' artists. The work is registered at the Ernst Ludwig Kirchner Archive, Wichtrach/Bern. PROVENANCE: From the artist's estate (Davos 1938, Kunstmuseum Basel 1946). Private collection France. Private collection Belgium (inherited from above in 1999). Together with Karl Schmidt-Rottluff, Erich Heckel and Fritz Bleyl, Ernst Ludwig Kirchner founded the artist group 'Die Brücke' in Dresden in 1905. In the established Dresden art scene, the young artists saw no significant prospects for themselves or their modern, progressive work at that time and tried to arouse the interest of a larger audience with their work in joint exhibitions. Rejecting classical art studies, the friends studied the modern art of their time instead and devoted themselves to the pure study of nature without the influence of the traditional, formal, technical and aesthetic rules of the academy. Confidently and unswervingly, they were on a quest for their very own, individual artistic style. Today 'Die Brücke' is considered to be one of the most important artist groups of the early 20th century. Naked people in free movement were the central theme for the painters of the 'Brücke'. They were not interested in studying a figure ideal in the traditional academic manner, but rather wanted to reproduce real life in their art in an unadulterated way, and this could be experienced most directly in the natural movement of naked people. During their summer stays at the Moritzburg Lakes near Dresden, the 'Brücke' painters developed a liking for the paradisiacal, sexually explicit life in nature. Drawing together in nature, which mainly yielded nude studies, the three artists Kirchner, Heckel and Pechstein developed their characteristic sharp style in the year 1910. The carefree summer stays also echo in the subsequent work, which the artists executed in their studios, such as it s the case with the lithograph 'Drei Akte im Wasser' (Three Nudes in Water). The seemingly simple work delivers proof of Kirchner's outstanding graphic skills. Kirchner's drawings, are characterized by an arrestingly poised line and a powerful expressiveness, from the years before World War I, testify to everything that made German Expressionism so unique. Ernst Ludwig Kirchner's drawings from this period are among the most important accomplishments of this era. Traditional viewing habits are questioned and focus was put on the pure drawing. Due to their unmatched quality, Kirchner's drawings make up an independent body of works in German Expressionism. Called up: June 18, 2021 - ca. 19.24 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Joseph Beuys - - 1921 Krefeld - 1986 Düsseldorf Lieferschein. 1946. Mischtechnik, Bleistift auf fettgetränktem Papier auf Maschinenbütten aufgelegt. Rechts unten in der Darstellung monogrammiert (schwer leserlich) und rechts unten bezeichnet 'Josef Beuys 1946'. 33,5 x 24 cm (13,1 x 9,4 in). Horst Egon Kalinowski und Joseph Beuys studieren gemeinsam an der Kunsthochschule Düsseldorf. [EH]. PROVENIENZ: Sammlung Horst Egon Kalinowski (1946 als Geschenk erhalten) Sammlung Schweiz (seit 2015). 'ja das ist für dich das einzig mögliche' Hanns Lamers, der frühe Wegbegleiter von Joseph Beuys, über Arbeiten von Beuys. Diese kleine Zeichnung auf fettgetränktem Lieferschein ist ein außerordentlich frühes Beispiel für die besondere Materialwahl im Œuvre von Joseph Beuys: Der Künstler zeichnet auf die Rückseite eines gewöhnlichen Lieferscheins und tränkt ihn mit Fett. Die Zeichnung zeigt eine weibliche Figur mit stilisierter Blume in der Hand. Durch die Einfettung des Blattes tritt die bedruckte Rückseite als Negativ-Form auf die Zeichnungsseite des Blattes durch; im Laufe der Zeit ist die Zeichnung förmlich im Fett versunken und immer schwerer erkennbar. Zugleich wird der Text zum Teil des Bildinhaltes. Doch am wichtigsten erscheint dieser Vorgang der Wandlung des Werkes, er wird zum Bildgegenstand. Das wärme- und energiespendende Fett durchdringt die gezeichnete fragile Figur. Joseph Beuys bedient sich hier wohl schon im Jahr 1946, kurz nach dem Beginn seines Studiums an der Kunstakademie, dieser ungewöhnlichen Materialien und der völlig neuartigen Materialverwendung. Möglicherweise hat er auch erst später das Fett aufgebracht und damit den Bedeutungsprozess des Gezeichneten erweitert. Im Sommersemester 1946 beginnt Joseph Beuys sein Studium in Düsseldorf, ab 1951 besucht er die Meisterklasse bei Ewald Mataré. Einer seiner Mitstudenten ist der Bildhauer Horst Egon Kalinowski. Aus seiner Sammlung stammt dieses kleine Blatt von Joseph Beuys. In diesen ersten Jahren nach der Heimkehr aus der Gefangenschaft findet Joseph Beuys auch großen Rückhalt bei den beiden Klever Künstlern Walther Brüx und Hanns Lamers und stellt mit ihnen zusammen beim Klever Künstlerbund aus. Schon damals fallen Joseph Beuys' Arbeiten aus dem Rahmen des üblichen. Lamers kommentiert das mit den Worten 'ja das ist für dich das einzig mögliche' (G. Adriani u. a., Beuys, 1981, S. 29). Und damit trifft er es auf den Punkt: Joseph Beuys drückt sich über die besondere Verwendung von Materialien aus. [EH] Aufrufzeit: 19.06.2021 - ca. 12.00 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regelbesteuert angeboten (R).ENGLISH VERSIONJoseph Beuys -1921 Krefeld - 1986 Düsseldorf Lieferschein. 1946. Mixed media on wax paper laid on machine-made laid paper. Monogrammed in lower right of image (barely legible) and inscribed 'Josef Beuys 1946' in lower right. 33.5 x 24 cm (13.1 x 9.4 in). Horst Egon Kalinowski and Joseph Beuys studied together at the Düsseldorf Art Academy. [EH]. PROVENANCE: Collection Horst Egon Kalinowski (obtained as present in 1946). 'yes, that's the only option you have' Hanns Lamers, early companion of Joseph Beuys, about Beuys' works. Our sheet is an extraordinarily early example of the special choice of materials in Joseph Beuys' oeuvre. He soaked the delivery note sheet with grease and drew on it. The printed reverse side appears as a negative form on the drawing side of the sheet; the text becomes part of the pictorial content and the creation of the work becomes the subject of the picture. Joseph Beuys made use of these unusual materials and the completely new use of materials as early as in 1946, shortly after he began to study at the art academy. In the first few years after he had returned from war captivity, he was supported by the two Kleve artists Walter Brüx and Hanns Lamers and exhibited with them at the Kleve Künstlerbund. Even then, Joseph Beuys' works were everything but ordinary. Lamers comments on this with the words 'yes, that's the only option you have' (quote from: G. Adriani et al., Beuys, 1981, p. 29). And this hit the mark: Joseph Beuys can only express himself through the use of these unusual materials. [EH] Called up: June 19, 2021 - ca. 12.00 h +/- 20 min. This lot can only be purchased subject to regular taxation (R).

Joseph Beuys - - 1921 Krefeld - 1986 Düsseldorf Tierfrau 1. 1954. Bleistiftzeichnung. Oben mittig signiert, datiert und betitelt, verso abermals signiert, betitelt sowie bezeichnet 'Entwurf für Plastik'. Auf Velin. 26 x 35,5 cm (10,2 x 13,9 in). [EH]. • Außerordentlich frühe Tierfrau-Zeichnung. • 1954 bezieht Beuys sein erstes eigenes Atelier in Düsseldorf-Heerdt. • Joseph Beuys’ Zeichnungen sind filigran und zart. • Die Tierfrau gewährt Joseph Beuys seelisches und physisches Material. PROVENIENZ: Privatsammlung Deutschland (1978 vom Künstler erworben). AUSSTELLUNG: Joseph Beuys: Wo ist Element 3?, Ketterer Kunst, Berlin, 26.3.–22.5.2021. Das Thema der Tierfrau taucht bereits Ende der 1940er Jahre in den Zeichnungen von Beuys in immer wieder neuen Wendungen auf, die schließlich 1984 zu einem Bronzeguss eines Entwurfs von 1949 führen. Wie auf der hier besprochenen Zeichnung sind die weiblichen Gestalten in den frühen Blättern gebeugt oder sich aufrichtend gezeigt. In der Zeichnung „Tierfrau und Tier“ von 1956, die auf der Einladungskarte 1974 in Krefeld abgebildet ist, sind weibliches Tier und Frau in paralleler gebeugter Haltung zu sehen, physiologisch haben sich die Brüste im Laufe der Evolution von ihrer Lage zwischen den Hinterläufen zum Oberkörper verschoben. Aus der Sammlung Bastian zeigt der Katalog der Düsseldorfer Ausstellung von 1991 ein Blatt in Braunkreuz-Ölfarbe von 1962, das wiederum das Motiv der gebeugten Frauenfigur aufgreift. Beuys zeigt nicht nur die Verbundenheit der Frau mit der Erde und der Tierwelt. Die gebeugte weibliche Figur spielt auch auf die griechische Gaia, die personifizierte Erde an, die Gebärende, die alles Leben hervorbringt und auch die Toten in sich aufnimmt. Beuys sagt dazu in einem Interview: „Die Frau hat sehr viel Elementares in sich. Der Mann hat sehr stark die materialistische Entwicklung auf die Todesprinzipien durchgemacht […] Deswegen muß diese Kraft, die die Frau in sich hat, jetzt kommen.“ (Zit. nach: Ausst.-Kat. Joseph Beuys. Eine innere Mongolei. Dschingis Khan, Schamanen, Aktricen. Ölfarben, Wasserfarben und Bleistiftzeichnungen aus der Sammlung van der Grinten, Kestner Gesellschaft, Hannover, 1990, S. 211). [Eugen Blume] Aufrufzeit: 19.06.2021 - ca. 12.01 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONJoseph Beuys -1921 Krefeld - 1986 Düsseldorf Tierfrau 1. 1954. Pencil drawing. Signed, dated and titled in top center, verso once more signed, titled and inscribed 'Entwurf für Plastik'. On wove paper. 26 x 35.5 cm (10.2 x 13.9 in). • Very early Animal Woman drawing. • In 1954 Beuys had his first own studio in Düsseldorf-Heerdt • Joseph Beuys’ drawings are very delicate and subtle • The Animal Woman offers Beuys both spiritual and physical material. PROVENANCE: Private collection Germany (acquired from the artist in 1978). EXHIBITION: Joseph Beuys: Wo ist Element 3?, Ketterer Kunst, Berlin, March 26 – May 22, 2021. The subject of the animal woman appeared in Beuys' drawings as early as in the late 1940s, based on them he eventually created a bronze in 1984. As in the drawing offered here, the female figures in the early sheets are depicted in bent or upright posture. In the drawing 'Tierfrau und Tier' from 1956, which was on an invitation card from 1974, the female animal and woman are shown in same bent posture. Physiologically, the breasts have moved from their position between the hind legs to the upper body in the course of evolution. A catalog of the Düsseldorf exhibition from 1991o fworks from the Collection Bastian shows a sheet in ‘Braunkreuz‘ oil paint from 1962, which, in return, takes up the motif of the stooped female figure. Beuys not only shows the connection between woman and Earth and the animal world, as the stooped female figure also alludes to the Greek goddess Gaia, the personification of Earth, the parturient, who creates life and also takes in the dead. Beuys said in an interview: “There are a lot of elemental things about women. Man has gone through a materialistic development on the principles of deat [..] That is why we now need the power that the woman has in her.” (Quote from: ex. cat. Joseph Beuys. Eine innere Mongolei. Dschingis Khan, Schamanen, Aktricen. Ölfarben, Wasserfarben und Bleistiftzeichnungen aus der Sammlung van der Grinten, Kestner Gesellschaft, Hanover, 1990, p. 211). [Eugen Blume] Called up: June 19, 2021 - ca. 12.01 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Joseph Beuys - - 1921 Krefeld - 1986 Düsseldorf Så FG-Så UG. 1958/59. Sepia. Links unten signiert. Auf Papier. 18 x 18 cm (7 x 7 in), Blattgröße. • Im Gespräch über die Bronze 'Så FG-Så UG', 1953 (heute Block Beuys, Hessisches Landesmuseum Darmstadt, ehem. Sammlung Ströher) mit Egon Kalinowski als erläuternde Zeichnung entstanden. • Zeitzeugnis einer Künstlerfreundschaft. Mit einer Expertise von Eva Beuys, Joseph Beuys ESTATE, vom 13. Juli 2016. PROVENIENZ: Sammlung Horst Kalinowski (Geschenk des Künstlers, 1959). Auf der documenta III im Jahr 1964 sind erstmals Arbeiten von Joseph Beuys zu sehen. Eigentlich soll er drei Zeichnungen ausstellen, doch er bringt zusätzlich die plastischen Werke 'Bienenkönigin' I, II und III sowie eine weitere, größere Skulptur mit. Dabei handelte es sich um'Så FG-Så UG'. Diese große Skulptur aus Bronze und Eisen war schon 1952 entstanden, aber erst 12 Jahre später wird sie erstmals in Kassel ausgestellt. Heute befindet sich die Arbeit als Teil des berühmten 'Block Beuys' im Hessischen Landesmuseum, Darmstadt. Verschiedentlich erläutert Joseph Beuys in den folgenden Jahren anhand dieser auf der documenta III gezeigten Werke seine in den 1950er Jahren entwickelte plastische Theorie der “Sozialen Plastik'. Demnach wird das Chaotische durch die Skulptur geordnet, in eine Form gebracht. Denn für Joseph Beuys besteht eine Plastik aus verschiedenen Kräften, welche mit Begriffen wie Chaos und Ordnung, Wille, Gefühl, Gedankliches, Ratio, Bewegung oder Emotion beschrieben werden können. Aus allen in diesen Begrifflichkeiten formulierten Zuständen bildet sich eine Plastik; und ebenso bilden und beeinflussen diese Begrifflichkeiten auch den Menschen, der sich zum Beispiel als Betrachter mit der Plastik auseinandersetzt. Als Teil der Gesellschaft wirkt der Mensch damit auch auf die Gesellschaft, wenn er bereit ist, sich der Plastik und den in ihr enthaltenen Begrifflichkeiten zu öffnen. Beuys formuliert seine Theorie, die mit dem Vorgenannten sicherlich nur angerissen ist, mit dem Begriff der 'Sozialen Plastik', welcher sicherlich noch wesentlich differenzierter zu beschreiben wäre. So ist es, im Gegensatz zu der herkömmlichen Kunstauffassung, nicht primär die ästhetische Wirkung, welche die Schönheit einer Plastik ausmacht, sondern erst durch die Erweiterung des menschlichen Bewusstseins erlangt die Plastik ihre Ästhetik. 1973 trifft Joseph Beuys Ernst Kalinowski. Der 1924 geborene Bildhauer besucht zeitgleich mit Beuys die Düsseldorfer Kunstakademie. Wo dieses Treffen genau stattfand ist nicht bekannt, jedoch zeugt die hier angebotene Zeichnung auf einer Papierserviette aus dem Nachlass Kalinowskis (gestorben 2013), auf der Beuys in einer Skizze seine in den frühen 1950er Jahren entstandene Plastik 'Så FG-Så UG' skizziert und erläutert, von diesem Treffen und dem Gespräch der beiden Künstler. [EH] Aufrufzeit: 19.06.2021 - ca. 12.07 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONJoseph Beuys -1921 Krefeld - 1986 Düsseldorf Så FG-Så UG. 1958/59. Sepia. Signed in lower left. On paper. 18 x 18 cm (7 x 7 in), size of sheet. • Made as explanatory drawing in a talk with Egon Kalinowski about the bronze 'Så FG-Så UG', 1953 (today at Beuys Block, Hessisches Landesmuseum Darmstadt, formerly Collection Ströher). • Contemporary document of the friendship of two artists. Accompanied by an expertise from Eva Beuys, Joseph Beuys ESTATE, dated July 13, 2016. PROVENANCE: Collection Horst Kalinowski (gifted from the artist, 1959). Documenta III in 1964 was the first to include works by Joseph Beuys. He was supposed to exhibit three drawings, but he also brought the sculptural works 'Bienekönigin' I, II and III, as well as another, larger sculpture. It was 'Så FG-Så UG'. This large bronze and iron sculpture was created in 1952, but it was not shown before the documenta in Kassel some 12 years later. Today the work is part of the famous 'Beuys Block' at the Hessisches Landesmuseum, Darmstadt. In the following years Joseph Beuys used the works shown at documenta III to explain his theory of the 'social sculpture', which he developed in the 1950s, on various occasions. According to the theory, the sculpture brings order to chaos. To Beuys a sculpture is made up of various forces, which can be described with terms such as chaos and order, will, feeling, thought, ratio, movement or emotion. A plastic is formed from all the states formulated in these terms; and these terms also form and influence people who, for example, deal with the sculpture as a viewer. As part of society, people also have an impact on society if they are ready to open up to the sculpture and the concept behind it. Beuys denominates this theory 'Social Sculpture '. In contrast to the conventional conception of art, it is not primarily the aesthetic effect that defines the beauty of a sculpture, but the sculpture gains its aesthetics only through the expansion of human consciousness. In 1973 Joseph Beuys met Ernst Kalinowski. The sculptor, born in 1924, attended the Düsseldorf Art Academy at the same time as Beuys. Exactly where this meeting took place is not known, but the drawing on a paper napkin from the estate of Kalinowski (died 2013) on which Beuys sketched his sculpture 'Så FG-Så UG' is a document of their meeting. [EH] Called up: June 19, 2021 - ca. 12.07 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Joseph Beuys - - 1921 Krefeld - 1986 Düsseldorf Fingernägel (2 Monde). Ca. 1969/70. Collage. Filz, Fingernägel und Fett auf festem Papier. Unten mittig signiert, betitelt und bezeichnet '2 Monde'. 45,5 x 35 cm (17,9 x 13,7 in), Blattgröße. [EH]. • Filz und Fett sind mit die wichtigsten Materialien bei Beuys. • Sublime Materialverwendung mit Naturbezug. • In der Verwendung und Umdeutung des Alltäglichen überschreitet Beuys die Grenzen des Gewohnten. PROVENIENZ: Privatsammlung Deutschland (direkt vom Künstler erworben). AUSSTELLUNG: Joseph Beuys: Wo ist Element 3?, Ketterer Kunst, Berlin, 26.3.-22.5.2021. 'Aber die Leute denken nicht soweit, daß sie sagen: Ja, wenn er mit Filz arbeitet, könnte er nicht vielleicht dadurch in uns eine farbige Welt provozieren?' Joseph Beuys, zit. nach: Schellmann/Klüser, Multiples, München 1980, S. 17. Finger- oder Fußnägel tauchen mehrfach im Werk von Beuys als organische Hinterlassenschaft der eigenen Existenz auf. Sie sind Relikte eines Zeitgeschehens und als nachwachsende Substanz Ausdruck metaphysischer Ideen. Darauf verweist auch die im Titel genannte Anspielung auf den „ab- und zunehmenden“ Mond, der sich bildlich in der sichelförmigen Gestalt der Fingernägel zeigt. Der Mond als „kalter“ Planet lagert auf einer kreisförmigen, wärmehaltenden Filzunterlage, die im Zentrum weiß eingefärbt eine Öffnung zeigt, die an eine Vulva erinnert. Es ist möglicherweise eine subtile Anspielung auf das berühmte, von Gustave Courbet 1866 geschaffene Gemälde 'L'Origine du monde' (Der Ursprung der Welt). Worauf auch das phonetische Wortspiel 'zwei (deux) Monde' und 'du monde' hinweisen könnte. Auf einer Zeichnung von 1958 aus der Sammlung Speck ist eine liegende Frau in der gleichen Stellung wie bei Courbet dargestellt. Vgl. auch das Objekt 'Jungfrau' von 1952 aus der Sammlung Speck. Eine verwandte, nicht bezeichnete Arbeit mit zwei Fußnägeln auf Filz befindet sich in der von Beuys eigens zusammengestellten Sammlung von Caroline Tisdall, abgebildet im Katalog seiner Retrospektive 1979 in New York. [Eugen Blume] Aufrufzeit: 19.06.2021 - ca. 12.08 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONJoseph Beuys -1921 Krefeld - 1986 Düsseldorf Fingernägel (2 Monde). Ca. 1969/70. Collage. Felt, fingernails and fat on firm paper. Signed, titled and inscribed in bottom center. 45.5 x 35 cm (17.9 x 13.7 in), size of sheet. [EH]. • Felt and fat are key materials in Beuys' creation. • Sublime usage of the material with a refernece to nature. • By referencing and reinterpreting triviality, Beuys breaks habitual limits. PROVENANCE: Private collection Germany (acquired directly from the artist). EXHIBITION: Joseph Beuys: Wo ist Element 3?, Ketterer Kunst, Berlin, March 26 - May 22, 2021. 'People don't think insofar as to say: Well, if he uses felt, may he not thus perhaps evoke a colorful world inside of us?.' (J.Beuys in: Schellmann / Klüser, Multiples, Munich 1980, p. 17) Finger- or toenails appear in several works by Beuys as an organic legacy of the own existence. They are relics of current events and, as a renewable substance, an expressions of metaphysical ideas. The allusion to the 'waxing and waning' moon, as mentioned in the title, is shown in the crescent-shaped fingernails. The moon, as a “cold” planet, rests on a circular, insulating felt pad, which has a white opening at its center reminiscent of a vulva. It is possibly a subtle allusion to the famous painting 'L'Origine du monde' (The Origin of the World) by Gustave Courbet from 1866. The phonetic wordplay 'two (deux) moons' and 'du monde' could also refer to the painting. A drawing from 1958 from the Speck Collection shows a reclined woman in same position as in Courbet‘s work. (Cf. 'Jungfrau' from 1952 in the Speck Collection). A similar work with two toenails on felt is part of collection of Caroline Tisdall, which was compiled by Beuys. It is reproduced in the catalog of his 1979 retrospective in New York. [Eugen Blume] Called up: June 19, 2021 - ca. 12.08 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Joseph Beuys - - 1921 Krefeld - 1986 Düsseldorf Arclight. 1960. Collage auf Karton. Papier bzw. weiß kaschierter Karton, Haare, Tinte. Das obere Papier verso signiert, datiert und bezeichnet 'ob.Blatt für Arclight'. Der untere weiß kaschierte Karton verso signiert, datiert und betitelt. 33 x 20,5 cm (12,9 x 8 in) und 35 x 24 cm (13,7 x 9,4 in). Unterlagekarton: 97 x 49 cm (38, 2 x 19,3 in). Eva Beuys verweist in ihrer Bestätigung des Werkes darauf, dass die Schreibweise des Haupttitels verso auf dem Karton nicht reine Betitelung, sondern auch Zeichnung ist. Die Befestigung der beiden Blätter mit Fotoecken und die Rahmung seien wohl von Erhard Klein, Bonn, ausgeführt. [EH]. • Künstlerisches Arbeiten ist für Beuys immer auch selbstreflexiv. • Ende der 1950er Jahre beschäftigt sich Beuys intensivst mit Wissenschaftsliteratur und kommt zu der Erkenntnis, dass Kunst und Wissenschaft wieder zueinandergeführt werden müssen. • Bildnerische Auseinandersetzung des Künstlers mit seiner Arbeits- und Lebenssituation im Jahr 1960. Mit einer Expertise von Eva Beuys, Joseph Beuys ESTATE, vom 12. Januar 2013 (Kopie). PROVENIENZ: Privatsammlung Deutschland (2014). AUSSTELLUNG: Joseph Beuys: Wo ist Element 3?, Ketterer Kunst, Berlin, 26.3.–22.5.2021. Die Collagen zweier übereinander montierter Blätter mit unterschiedlichen Haarsträhnen bezeichnet Beuys mit „Arclight“, dem sogenannten Bogenlicht. Auf der Rückseite des unteren Blattes ist dieser Begriff in Versalien gezeichnet. Die beiden aus tütenförmigen Papieren herausragenden Haarsträhnen könnten mit Lichtstrahlen, zumindest mit elektromagnetischen Aufladungen der Haare in Verbindung gebracht werden. Die obere Beschriftung „wegen Büroüberlagerung“ bleibt rätselhaft, wie die gesamte Arbeit von einem geheimnisvollen Charakter bestimmt ist. Möglicherweise handelt es sich in Analogie zu den in Werken verwendeten Finger- und Fußnägeln um Haare des Künstlers. [Eugen Blume] Aufrufzeit: 19.06.2021 - ca. 12.10 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONJoseph Beuys -1921 Krefeld - 1986 Düsseldorf Arclight. 1960. Collage on board. Paper and white-laminated board, hair, ink. The upper piece of paper signed, dated and inscribed 'ob.Blatt für Arclight' on verso. Bottom piece of laminated board signed, dated and titled. 33 x 20.5 cm (12.9 x 8 in) and 35 x 24 cm (13,7 x 9,4 in). Backing board: 97 x 49 cm (38, 2 x 19,3 in). In her certificate for the work Eva Beuys mentions that the main title's spelling on verso is not merely the title but also a drawing. Mounting of the two sheets with photo corners as well as the framing were presumably executed by Erhard Klein, Bonn. [EH]. • The artististic process always is a means of self-reflection for Beuys. • In the late 1950s Beuys was intensively occupied with scientific literature and came to the conclusion that art and science had to be reunited. • Pictorial examination of the artist's work- and life situation in 1960. Accompanied by an expertise issued by Eva Beuys, Joseph Beuys ESTATE, from January 12, 2013 (copy). PROVENANCE: Private collection Germany (2014). EXHIBITION: Joseph Beuys: Wo ist Element 3?, Ketterer Kunst, Berlin, March 26 – May 22, 2021. Beuys called the collages of two sheets of paper mounted on top of one another with various wisps of hair 'Arclight'. This term is written in capital letters on the back of the lower sheet. The two wisps of hair protruding from bag-shaped papers can be associated with rays of light, or with electromagnetically charged hair. The upper inscription 'wegen Büroüberlagerung (because of office overlay) remains a mystery, just as the entire work has a mysterious character. The artist‘s hair in this work may perhaps be an analogy to the finger- and toenails he used in other works. [Eugen Blume] Called up: June 19, 2021 - ca. 12.10 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Joseph Beuys - - 1921 Krefeld - 1986 Düsseldorf Ölfarbe. 1963. Öl auf Papier mit gerissenem Loch. Unten mittig signiert und datiert. Verso signiert, datiert und bezeichnet 'Ölfarbe'. Auf Velin (mit Wasserzeichen Z Mattpost). 23 x 21 cm (9 x 8,2 in). [EH]. • Das Loch als eine in die Tiefe und Weite gerichtete Dimension. • Die durchbrochene Fläche beschäftigt Beuys immer wieder. • Das Blatt fordert in seiner radikalen Einfachheit zur Auseinandersetzung mit Sichtbarem und Unsichtbarem. • 1981 wird Beuys das Loch auch als Wanddurchbruch in der Düsseldorfer Kunsthalle realisieren. PROVENIENZ: Privatsammlung Deutschland (direkt vom Künstler erworben). AUSSTELLUNG: Joseph Beuys: Wo ist Element 3?, Ketterer Kunst, Berlin, 26.3.–22.5.2021. Das Thema der mit Ölfarbe eingestrichenen Papiere, in deren Mitte ein Loch ausgerissen ist, greift Beuys mehrfach auf. In seinem bedeutenden Zeichnungskonvolut „The secret block for a secret person in Ireland“ (Sammlung Marx, Berlin) finden sich mehrere, formal unterschiedliche Blätter. Zunächst unter dem Titel „Loch“ 1961 und später auch „2 Schafsköpfe (Loch)“ 1975 und 1976 als Edition unter „Painting Version 1–90“ (Schellmann 186 u. 187) herausgegeben. Joseph Beuys experimentiert bereits früh mit Ölfarben, darunter gibt es mehrere Werke mit ähnlich dichter, dunkler Farbigkeit. Das Loch, die Öffnung, ist die entscheidende Idee, die Beuys 1981 auch als Wanddurchbruch in der Kunsthalle Düsseldorf realisiert. Durch die Öffnung einer bemalten oder gemauerten Fläche verbindet sich die dahinterliegende Realität mit einem Kunstwerk oder einem Ausstellungsraum, die beide auf Wirklichkeit lediglich reflektieren. Oder wie Beuys über das Loch sagt: „[..] eine in die Tiefe und weite gerichtete Dimension, eine Höhlung [..]“ (zit. nach: Ausst.-Kat. Joseph Beuys, The secret block for a secret person in Ireland, Martin-Gropius-Bau, Berlin, 1988, S. 18). Eine in das Werk „The secret block ..“ aufgenommene Zeichnung von 1961 mit einem geschnittenen Loch in der Mitte nennt Beuys auch in Anspielung auf die erste Lochkamera, die Camera obscura, 'Kamera'. (a. a. O., Nr. 335). [Eugen Blume] Aufrufzeit: 19.06.2021 - ca. 12.12 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONJoseph Beuys -1921 Krefeld - 1986 Düsseldorf Ölfarbe. 1963. Oil on paper with a torn hole. Signed and dated in bottom center. Verso signed, dated and inscribed 'Ölfarbe'. On wove paper (with watermark Z Mattpost). 23 x 21 cm (9 x 8.2 in). [EH]. • The hole as a dimension extending into depth. • Beuys was occupied with the broken surface time and again. • In its radical simplicity the sheet asks for an examintion of the visible and the invisible. • In 1981 Beuys realized a hole in form of a wall breakthrough at the Kunsthalle Düsseldorf. PROVENANCE: Private collection Germany (acquired directly from the artist). EXHIBITION: Joseph Beuys: Wo ist Element 3?, Ketterer Kunst, Berlin, March 26 – May 22, 2021. Beuys took up the theme of paper coated with oil paint and with a hole in the middle on several occasions. The significant group of drawings “The secret block for a secret person in Ireland” (Marx Collection, Berlin) comprises several formally different sheets. First published under the title “Loch” in 1961 and later also as “2 Schafsköpfe (Loch)” in 1975 and in 1976 as an edition named “Painting Version 1-90” (Schellmann 186 and 187). Joseph Beuys experimented with oil paints from early on, among them we find several works with similarly dense, dark colors. The hole, the opening, is the decisive idea that Beuys also realized in 1981 in form of a wall breakthrough at Kunsthalle Düsseldorf. By forcing a painted or brick-built surface open, the underlying reality connects with a work of art or an exhibition space, both of which merely reflect on reality. Or as Beuys said about the hole: '[.] a deep and far-reaching dimension, a cavity [.]' (quote from: ex. cat. Joseph Beuys, The secret block for a secret person in Ireland, Martin-Gropius-Bau, Berlin, 1988, p. 18). Beuys called a drawing from 1961 with a hole in its middle and also part of “The secret block .” “Kamera” - in reference to the first pinhole camera, the Camera obscura. (ibidem, no. 335). [Eugen Blume] Called up: June 19, 2021 - ca. 12.12 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Joseph Beuys - - 1921 Krefeld - 1986 Düsseldorf Auflistung. 1968. Mischtechnik. Signiert und datiert. Auf Schreibmaschinenpapier von M.-K.-Papier (mit Wasserzeichen). 30 x 21 cm (11,8 x 8,2 in), Blattgröße. Vermutlich handelt es sich bei der Auflistung um Werke aus der Sammlung Karl Ströher. [EH]. • Liste mit Bezug auf die Sammlung Ströher. • Energetische Betonung der Listung durch gemalte Symbole. • Eine Zeichnung mit Dokumentationscharakter. PROVENIENZ: Privatsammlung Deutschland (direkt vom Künstler erworben). AUSSTELLUNG: Joseph Beuys: Wo ist Element 3?, Ketterer Kunst, Berlin, 26.3.–22.5.2021. Listen und Aufzählungen sind im Werk von Beuys häufig anzutreffen und von ihm als eigenständige Zeichnungen betrachtet worden. Bei dem vorliegenden Blatt von 1968 handelt es sich entweder um ein Blatt aus der Liste von Werken der Ausstellung „BEUYS“ im Herbst 1967 im Städtischen Museum in Mönchengladbach, die komplett von dem Sammler Karl Ströher angekauft wurde und heute im Hessischen Landesmuseum in Darmstadt als „Block Beuys“ Weltruhm besitzt, oder um eine Liste zur Ausstellung der Sammlung Ströher 1969 in Düsseldorf, Berlin und Basel. Die Jahreszahl hinter der Signatur verweist eher auf die Ausstellung in Mönchengladbach. Die Überzeichnung von Aufzählungen ist häufig im Werk von Beuys anzutreffen. Die dunklen Formen sind so in die Zwischenräume gesetzt, dass die Wörter ungestört gelesen werden können. Auf diese Weise ergänzen die bildlichen Elemente mit ihrer unbestimmten Energie die rational begründete Zählung und Auflistung der Werke, die etwa der Vorbereitung eines Transports dienten. [Eugen Blume] Aufrufzeit: 19.06.2021 - ca. 12.14 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONJoseph Beuys -1921 Krefeld - 1986 Düsseldorf Auflistung. 1968. Mixed media. Signed and dated. On typewriter paper by M.-K.Papier (with watermark). 30 x 21 cm (11.8 x 8.2 in), size of sheet. This presumably is a list of works from the collection of Karl Ströher. [EH]. • List with reference to the Collection Ströher. • Energetic emphasis of the listing through the drawn symbols. • A drawing of a documentation character. PROVENANCE: Private collection Germany (acquired directly from the artist). EXHIBITION: Joseph Beuys: Wo ist Element 3?, Ketterer Kunst, Berlin, March 26 – May 22, 2021. Lists and enumerations occur regularly in Beuys' work and he treated them as independent drawings. This sheet from 1968 is either a sheet from the list of works in the exhibition “BEUYS” at the Städtisches Museum in Mönchengladbach in autumn 1967, which was acquired in its entirety by the collector Karl Ströher, today the world-famous “Block Beuys“ at the Hessisches Landesmuseum in Darmstadt, or a list for the exhibition of the Ströher Collection in Düsseldorf, Berlin and Basel in 1969. The date next to the signature rather suggests the Mönchengladbach exhibition. The over-painted lists are quite common in Beuys' work. The dark shapes fill the interspaces so that the words remain legible. This way the pictorial elements with their indeterminate energy complement the rationally founded list of works that might have been used as, for instance, a list of objects compiled in preparation of a transport. [Eugen Blume] Called up: June 19, 2021 - ca. 12.14 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.