ANTONI TÀPIES (1923-2012)Marró desplegat 1974 mixed media on canvas laid on board195 by 170 cm. 76 3/4 by 66 15/16 in.This work was executed in 1974.Footnotes:ProvenanceGalerie Maeght, ParisAimé Maeght Collection, Paris/St-Paul de VenceAcquired directly from the above by the previous owner in 1976Gift from the above to the present ownerExhibitedBarcelona, Galeria Maeght, Tàpies, obra recent, 1975, no. 42 Zurich, Galerie Maeght, Tàpies Peintures Gouaches, 1975, n.p., no. 2, illustrated in black and whiteSaint-Paul de Vence, Fondation Maeght, Tàpies, 1976, p. 34, no. 76, illustrated in colourBarcelona, Fundació Joan Miró, Antoni Tàpies (Obra 1956-1976), 1976, p. 102, no. 74, illustrated in colourMadrid, Museo Español de Arte Contemporáneo, Antoni Tàpies Exposición Retrospectiva, 1980, p. 80, illustrated in colourAmsterdam, Stedelijk Museum, Antoni Tàpies, 1980, p. 25, no. 44, illustrated in colour, p. 44, no. 44, illustrated in black and white LiteratureJosé Marín-Medina, Tàpies/Meditaciones/1976, Madrid 1976, p. 127, illustrated in colourAnna Augustì, Tàpies The Complete Works Volume 3: 1969-1975, Barcelona 1992, p. 421, no. 2824, illustrated in colourCompletely fresh to the market and widely exhibited, Marron desplegat, from 1974 embodies Antoni Tàpies' investigations into the use of raw materials to find 'profound wisdom in the simplest of objects' (the artist in: The Unesco Courier, 'Interview with Antoni Tàpies', June 1994, p.5). Executed in the early 1970s, the work comes from a seminal period in the artist's oeuvre. A clear example of Tàpies' matiérisme (matter art) paintings, which he began in 1955, the present work carries thick impasto, created by sand, paper and other everyday earthly materials – features often seen in his mixed media works. His thick textures, plain tones and use of unconventional tools have become characteristic to the artist and are recognisable globally. The textually rich approach, focuses on exploring the transformative qualities of matter. Like in Marron desplegat, this was often seen in the artist's large-scale works, compellingly evoking solidity and depth through the beautifully layered finish.Starting as a Surrealist artist and strongly influenced by Max Ernst, Joan Miro and Paul Klee, Tàpies quickly pivoted towards abstraction and can be credited with introducing abstract art into Spain. He saw his abstract work as a 'mechanism', or in other words, 'a system that makes it possible to change the spectator's way of looking and to bring him or her closer to a state of contemplation of reality at its deepest level', allowing the artist 'to achieve the inner illumination ...[and] perceive the depth of reality' (the artist in: The Unesco Courier, 'Interview with Antoni Tàpies', June 1994, p. 5). As an artist whose personal style carries strong associations to Art Informel, using his medium in non-conforming traditional ways, Tàpies allowed the viewer to understand the power of 'matter' in all its different forms, as seen by the multiple layers peeking through in Marron desplegat.At the time of the present work's execution, Tàpies held a very strong position in the international art scene. Having already had various exhibitions globally in the previous decade, and an important retrospective presented at the Musée National d'Art Moderne in Paris the year before, Tàpies was embarking upon a seminal time in his career. The confidence in his technique and medium is evidently mirrored in his strong and large gestural marks on the work. Unseen by the public in nearly half a century, and variously exhibited all around Europe, including at the Stedelijk Museum in Amsterdam, Antoni Tàpies Marron desplegat is a true testament to the artist's genius. The artist's hand and process of creation is visible in the intended pencil marks peeking through the white paint, and the brown paint drips lyrically falling on the picture plane. Marron desplegat strongly welcomes contradictions with its geometrical earth-toned shapes, alongside deconstructed components and organic forms. These materialise and become alive on the picture plane as abstract and representational concepts interlace, highlighting the artist's balanced relationship between impulsive creation and contextual stimuli. As Tàpies desired to be both the creator and viewer of his art, the symbolic nature of his work is especially ambiguous since he worked in an almost automatic way. The juxtaposition in the present work hints at Tàpies' politically charged upbringing surrounded by Catalan nationalist conflicts and the Spanish Civil war. His art stemmed from creating beauty where there was destruction. By altering connotations linked to dust and rubble – matters which he was surrounded by during his young years and post-war Europe – Tàpies offers visions of hope and positivity. Marron desplegat, embodies a heavy history, and a powerful, sublime mythos of transformation. The natural ephemera of this striking work, openly shows the viewer all its layers of destruction and creation, suffering and reality, and carries with it its exquisite imperfections. Tàpies' standing in the Post-War art canon has been cemented by prices for his works achieving up to seven figures in recent years. His exploration of media and his clever technique to actively engage the viewer, has earned him a reputation as one of the most internationally recognisable abstract artists today.This lot is subject to the following lot symbols: * AR TP* VAT on imported items at a preferential rate of 5% on Hammer Price and the prevailing rate on Buyer's Premium.AR Goods subject to Artists Resale Right Additional Premium.TP For auctions held in Scotland: Lots will be moved to an offsite storage location (Constantine, Constantine House, North Caldeen Road, Coatbridge ML5 4EF, Scotland, UK) and will only be available for collection from this location at the date stated in the catalogue. 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Imkamp, WilhelmMünster 1906 - 1990, war tätig in Stuttgart, 1926 - 1929 Stud. am Bauhaus bei Feininger, Kandinsky, Klee und Schlemmer, seit 1953 in Stuttgart. "Schwäbische Landschaft", Blick auf die Alb bei aufziehenden Gewitterwolken, unten rechts sign. und dat. (19)33, Öl/Leinwand auf Holzplatte aufgezogen, HxB: 67/84 cm. Altersspuren, min. ret., min. Farbabrieb. Mit Rahmen.
13 Kunstbücheru.a. Ida Kerkovius - Im Zauber der Farbe, Stuttgart, Hatje, 1998; G. Kiesewetter, Hermann Pleuer 1863-1911 - Leben und Werk, Stuttgart, Theiss, 2000; F. Aßmus, Adolf Hölzels Schülerinnen - Künstlerinnen setzen eigene Maßstäbe, Waiblingen, 1991; A. Klee, Adolf Hölzel und die Wiener Secession, München, Prestel, 2006; Adolf Hölzel, Galerie Bayer; Max Ackermann, Werkverzeichnis Siebdrucke; T. Maier, Die Schwäbische Malerei um 1900, Stuttgart, Thombe, 2000; Gert K. Nagel, Schwäbisches Künstlerlexikon, Kunst & Antiquitäten. Altersspuren.
Serge GAINSBOURG (1928.1991)Mauvaises nouvelles des EtoilesAlbum 33 tours édité par Philips en 1981, enrichi d’une magnifique signature de l’artiste au feutre noir : « Gainsbourg »Second album reggae de l’artiste, le disque est baptisé Mauvaises nouvelles des Etoiles en référence à une œuvre de Paul Klee Bad « news from the stars », propriété de Gainsbourg.Provenance : archives discographiques Europe 1.
Paul Klee/HAP Grieshaber, Konvolut von zwei Graphiken Paul Klee (1879 Münchenbuchsee – 1940 Muralto), Seiltänzer. Unten rechts signiert, links nummeriert mit 23/138. Guter Zustand. Deutschland, nach 1923. Kunstdruck/Papier. H x B ca. 42-46 x 26,5-31,5 cm, H x B ger. ca. 58,5-68,5 x 43-51 cm, passep., u. Gl. HAP Grieshaber (1909 Rot an der Rot – 1981 Eningen unter Achalm), Zeichen des Herbstes. Unten rechts signiert und links nummeriert 31/60. Min. gewellt, leicht gelbrandig, min. Del., min. Kr. und best. im Glas, ansonsten guter Zustand. Deutschland, um 1967. Farbholzschnitt/Papier, H B ca., 46 x 31,5, H x B ger. ca. 68,5-51 cm. DL
Kurt Kranz1910 Emmerich - 1997 Wedel - "Einschlüsse" - Kasein/Hartfaser. 71,5 x 134,5 cm. Rückseitig betit., bez., sign., ortsbez. und dat.: "Einschlüsse" / Kasein (...) / Kurt Kranz / Hamburg 1960. Daneben auf Galerieetikett (Galerie Meißner, Hamburg) bez. Rahmen. Deutscher Maler und Grafiker, der auf Empfehlung von László Moholy-Nagy Bauhausschüler in Dessau und später in Berlin wurde. Unterrichtet wurde er u. a. von Paul Klee und Wassily Kandinsky. Nach dem 2. Weltkrieg wurde Kurt Kranz an die Hochschule der Bildenden Künste in Hamburg berufen.
Otto Gleichmann1887 Mainz - 1963 Hannover - Katze und Vogel - Gouache/Karton. 63 x 46,8 cm. Sign. r. u.: O. Gleichmann. Passepartout. Voll ansichtig unter Glas gerahmt. Otto Gleichmann studierte an den Akademien in Düsseldorf, Breslau und Weimar. er lehrte in Erfurt und Hannover. Bekanntschaft mit Klee und Kandinsky. Viele seiner Werke hängen in deutschen Museen, u. a. im Sprengel-Museum Hannover.
Otto Gleichmann1887 Mainz - 1963 Hannover - Tischgesellschaft - Mischtechnik/Karton (Schoeller). 43 x 61,5 cm (Passepartoutausschnitt). Sign. und dat. l. u.: O. Gleichmann / 1955. Bez. r. u.: No. 607. Auf der Rückseite des Rahmens mit Etikett der Kunsthandlung H. Sagert & Co., Berlin. Passepartout. Unter Glas gerahmt. Otto Gleichmann studierte an den Akademien in Düsseldorf, Breslau und Weimar. er lehrte in Erfurt und Hannover. Bekanntschaft mit Klee und Kandinsky. Viele seiner Werke hängen in deutschen Museen, u. a. im Sprengel-Museum Hannover.
Thilo Maatsch1900 Braunschweig - 1983 Königslutter - Segel - Holzschnitt/Papier. 76/100. 18,4 x 24,8 cm, 29 x 35 cm (Passepartoutausschnitt). Sign. und dat. r. u.: Thilo 1922. Passepartout. Unter Glas gerahmt. - Ohne Titel - Holzschnitt/Papier. 36/100. 14 x 19 cm, 26 x 31 cm (Passepartoutausschnitt). Sign. und dat. r. u.: Thilo 1922. Im Druckstock monogr. r. u.: Th. Passepartout. Unter Glas gerahmt. - Segelboote - Holzschnitt/Papier. 97/100. 25 x 17 cm, 30 x 22 cm (Passepartoutausschnitt). Sign. und dat. r. u.: Thilo 1922. Passepartout. Unter Glas gerahmt. Der Künstler wurde von Kandinsky gefördert und stellte 1925 in der "Gesellschaft der Freunde junger Kunst" in Braunschweig aus. Er verkehrte mit Klee, Feininger u.a. Herwarth Walden widmete ihm in der Galerie "Der Sturm" 1927 eine Einzelausstellung. Im Dritten Reich wurde seine Kunst als "entartet" eingestuft, er arbeitete fortan, auch nach dem Krieg, als Lehrer. 1966 wurde sein Werk wiederentdeckt und zahlreich ausgestellt.
Kauz und Uhu - Fritz KleePorzellanfabrik Lorenz Hutschenreuther, Selb Kunstabteilung 1925-1939 und 1917-1919. Porzellan, weiß, glasiert. Unter der Glasur polychrom bemalt bzw. Gold bemalt. Unter der Glasur grüne Marke: Hutschenreuther Selb Abteilung für Kunst - Auf der Glasur grüne Marke: Lorenz Hutschenreuther Selb Abteilung für Kunst und Entwurf Professor Klee K. Fachschule. 1. Wahl. H. 15,5 cm und 31 cm. Modelle von Fritz Klee. - Zustand: ok - Gold leicht ber.
CLAUD BUCHANAN TICEHURST: A HISTORY OF THE BIRDS OF SUFFOLK, London, Gurney & Jackson, 1932 first edition, 18 plates, folding map, 2pp adverts at end, inscription on ffep, original cloth, part loss of cloth at head of spine, plus WILLIAM JOHN BROWN: THE GODS HAD WINGS, ill John Farleigh, London, Constable, 1936 first edition, added decorative title, 15 plates, original cloth d/w (price clipped and part losses) plus SETON GORDON: IN SEARCH OF NORTHERN BIRDS, London, RSPB in Association with Eyre & Spottiswoode, 1941 first edition, inscription on ffep, original cloth d/w (part losses) plus WILLIAM KENNETH RICHMOND: KESTREL KLEE, London, George Routledge, 1943 first edition, inscription on ffep, original cloth d/w (part losses) plus ERNEST WILLIAM HENDY: HERE AND THERE WITH BIRDS, London, Jonathan Cape, 1933 first edition, original cloth (5)
A rare 1882-89 Egyptian campaign medal pair, awarded to 7123 Pte G. Richardson 3rd Grenadier Guards.To include: the Egypt Medal with clasps for Abu Klee and The Nile 1884-85, and the Khedive’s Star 1884-86.Correct style of naming to the Egypt Medal, and the Khedive’s Star unnamed as issued.Notes: swing mounted on pin back bar, with original ribbons.Pte Richardson’s name is mentioned in a document dated August 5th 1887, confirming him as having served in the Nile Expedition 1884-5, but has since become ‘non effective’ since the rendering of medal roll.The cause of him being non effective is listed as him having been moved to the Army Reserve.Pte Richardson is one of only 36 recipients of the Abu Klea clasp who served in the 3rd Battalion Grenadier Guards.This medal pair is part of family group - please see following lots for Pte Richardson’s son’s (or grandson’s) WW1 medals, and his grandson’s (or Gt grandson’s) Gloucester Regiment Korean War medals.Condition: contact marks and wear from polishing to both medals, plus some minor edge bruising to the Egypt medal.The ribbons to both a soiled and somewhat frayed.The naming to the Egypt medal is mostly good, with just a little rubbing to the ‘3 GRENR GDS’ part.
Vasily Kandinsky (1866-1944), Silkscreen Print Frame Size: 22 1/2 by 19 in. (57 by 48 cm.) All measurements are approximate. Signed (lower left) Vasily Kandinsky (1866-1944) was a Russian painter and art theorist who is considered to be one of the pioneers of abstract art. He studied law and economics before turning to art, and his early works were heavily influenced by Impressionism and Fauvism. In 1911, Kandinsky co-founded the Blue Rider artist group in Munich, which included other prominent abstract artists such as Franz Marc and Paul Klee. His artistic style evolved into a more abstract and spiritual form, with a focus on color and form over representational subject matter. Kandinsky's theories on art were deeply influenced by his interest in spirituality and his belief that color and form could convey emotion and meaning in a way that was beyond representation. His book "Concerning the Spiritual in Art" (1910) became a seminal text for the development of abstract art. Today, Kandinsky is regarded as one of the most important figures in the development of abstract art, and his works are held in major museum collections around the world. Please read our policy carefully: 1. All items are sold AS-IS, where is with all faults. We do not accept returns or refunds. All sales are final. 2. We will pack and arrange all shipments via UPS. Shipping costs to US address starts with 30 USD and 180 USD to International (depends on size and weight of the package). Packages should be shipped within two weeks after payment is received. Larger packages and international delivery may exceed this period. 3. Your bids signify that you have examined the items as fully as you desire, or that you have chosen not to examine them. Images descriptions are our opinions and should in no way be construed as a guarantee of any kind as to authorship, age, condition, materials, provenance or any other feature of items being sold. 4. If the bidder refuses to pay for the invoice after the successful bidding, the liquidated damages shall be 30% of the amount of the hammer price, which shall be responsible by the buyer.
Macke, August -- "Garten am Thunersee III"Aquarell über Bleistift auf Bütten. 1914.24 x 31 cm.Verso mit dem roten Nachlaßstempel, dort von Elisabeth Erdmann-Macke mit Feder in Schwarz bezeichnet "120 a" sowie im Oberrand mit Bleistift betitelt und bezeichnet "verkäuflich" sowie "120 a".Wohl Heiderich 531 (ohne Abb., Verbleib unbekannt).Ein Paradies. Ein irdischer Garten Eden, kurz vor der Katastrophe. Die Natur ist lichterfüllt, Farben spielen, schimmern, leuchten. Diese großen Themen im Schaffen Mackes erscheinen hier als das konstituierende Grundmotiv. Zart durchlichtete und dann wieder kräftig kolorierte Felder in Rosa und Gelb, Blau und Grün, daneben kleinteilig aneinandergesetzte Farbtupfen bilden, einem facettierten Buntglasfenster ähnlich, die abstrahierte Gartenkulisse, in der sternförmig die Spitzen der gelbgrünen Palmen strahlen. Kühl und Warm, Hell und Dunkel stehen einander gegenüber, ebenso wie komplementäre Farbtöne. Die Kübel und Stämme der Palmen deuten das Motiv räumlich, ebenso wie die diagonal-perspektivisch angelegten Farbflächen im Bodenbereich. Wie bei den von seiner Tunesienreise zusammen mit Paul Klee und Louis Moilliet im April des Jahres 1914 inspirierten Tunisaquarellen schimmert auch hier stellenweise das weiße Papier durch das Farbmosaik hindurch. Fast wie bei einem Kirchenfenster sind die Felder der vertikal und diagonal strukturierten Farbflächen in den Helligkeitswerten schachbrettartig versetzt, die eckig zugespitzten, kristallinen Flächen und flachen Kurven sind in schwingender Bewegtheit fein gegeneinander ausbalanciert; sie grenzen sich in kraftvollem Hell-Dunkel klar voneinander ab und reflektieren Mackes Rezeption kubistischer Formgebung. Künstlerisch wie auch kulturorganisatorisch stellten bereits die Jahre 1912/13 einen Höhepunkt im Schaffen Mackes dar, u. a. mit Ausstellungen des "Blauen Reiter" in München bei Thannhauser, in Köln, Hagen, Frankfurt und in der Berliner Galerie "Der Sturm", mit "Sonderbund"-Ausstellungen und dem Ersten Deutschen Herbstsalon. 1912 hatte Macke sowohl Bekanntschaft mit Delaunay in Paris geschlossen, die französischen Kubisten und vor allem Picasso beim "Sonderbund" gesehen, als auch im Kölner Kunstsalon Feldmann Werke der italienischen Futuristen kennengelernt. Nachdem Macke das Schaffen Delaunays aufmerksam und interessiert verfolgt hatte, zeigt sich von dessen "Contrastes simultanés" insbesondere die kleine Reihe der Aquarelle aus Hilterfingen beeinflusst: 1914, im engen zeitlichen Zusammenhang mit Mackes Tunisreise, entstand im Garten vom Haus Rosengarten in Hilterfingen am Thuner See die in ihrer Strahlkraft herausragende kleine Werkgruppe von Gartenaquarellen (Heiderich 464-468). Vier von ihnen sind im Nachlass unter "A 120 a" bzw. "A 120" als "Unser Garten am See" verzeichnet; zwei davon waren bislang nur von Abbildungen bekannt, eines gilt als verschollen. Innerhalb dieses kleinen Werkkomplexes müsste das hier vorliegende Blatt, höchstwahrscheinlich die Nummer Heiderich 531, demnach mit größter Wahrscheinlichkeit zwischen den Werkkatalognummern 467 (Garten am Thunersee II) und 468 (Garten am Thunersee IV) angesiedelt werden.In Komposition und Farbgebung ist unser Blatt insbesondere vergleichbar mit dem in der Albertina befindlichen "Garten am Thunersee" (Granatbaum und Palme im Garten, Inv.-Nr. DL82, Heiderich 465). Macke besaß einen französischen Klappkasten, der ihm als Reisestaffelei diente und in dem die Papierbögen seitlich rechts und links mit Bändern fixiert wurden; die daher rührenden weißen Streifen in den Seiten belegen die Entstehung des Aquarells direkt vor dem Motiv im Garten (Heiderich 1997, S. 43 und 48)."Diese meisterlichen Aquarelle sind weit freier in Farbe und Form als die gleichzeitig entstandenen Gemälde. Sie zeigen den Künstler auf dem Höhepunkt seiner Schaffenskraft und öffnen ein kleines Fenster auf das, was hätte werden können, wäre die Kurve von Mackes Leben und Werk durch den Kriegsausbruch nicht so brutal abgeknickt worden." (Heiderich S. 48). Die Schönheit des Lebens aber hält Macke in diesem Aquarell noch einmal fest. Wir danken Dr. Tanja Pirsig-Marshall, Westfälisches Landesmuseum, Münster, für freundliche Hinweise vom 01.05.2023.Provenienz: Nachlass des Künstlers, BonnSammlung Dr. Rolf Parow Privatbesitz Berlin (wohl seit den 1950er/1960er Jahren)Ausstellung: Das junge Rheinland, Kölnischer Kunstverein, Köln 1918, evtl. Nr. 468 (Kat. unauffindbar)August Macke, Graphisches Kabinett van Bergh und Comp. (Dr. Koch), Düsseldorf 1919 August Macke, Kestner-Gesellschaft, Hannover 1935, Nr. 78Paula Modersohn-Becker 1876-1907. August Macke 1877-1914, Kunsthalle Basel, 1936, Nr. 144Macke. Aquarell-Ausstellung, Städtisches Kunsthaus Bielefeld 1957, Nr. 415 (dort betitelt "Unser Garten am See 3"; nicht ausgestellt)Literatur: Gustav Vriesen, August Macke, Stuttgart 1953, wohl Nr. 415 ("Unser Garten am See 3", Verbleib unbekannt) - Wir bitten darum, Zustandsberichte zu den Losen zu erfragen, da der Erhaltungszustand nur in Ausnahmefällen im Katalog angegeben ist. - Please ask for condition reports for individual lots, as the condition is usually not mentioned in the catalogue.
Mappenwerke -- Die Schaffenden1. Jahrgang, 4 Mappen. 40 Radierungen, Lithographien, Holz- und Linolschnitte, sämtlich auf unterschiedlichen Japanpapieren, sowie 4 Doppelbl.Text und Erläuterungen. Lose in Orig.-Seidenmappe mit mont. Impressum. 1919.43,5 x 33 cm (Mappengröße). Sämtlich signiert (bis auf die Radierung von Paula Modersohn-Becker und den Holzschnitt von Maria Uhden), teils datiert und betitelt. Auflage 25 im Impressum num. Ex. auf Japan.Söhn HdO 72701 - 72704-10.Die in diesem Umfang einzigartige Zeitschrift in Mappenform erschien zwischen 1918 und 1930 und enthielt insgesamt 220 Holzschnitte, Radierungen, Lithographien und Linolschnitte; der hier komplett vorliegende erste Jahrgang in der Luxusedition auf Japanpapieren ist in seiner künstlerischen Bedeutung unschätzbar. Der Titel "Die Schaffenden" verweist programmatisch auf den Inhalt der Mappen, denn veröffentlicht wurde darin vor allem junge, zeitgenössische Kunst, exemplarisch für den innovativen Zeitgeist und heute Meisterwerke der Graphik des frühen 20. Jahrhunderts. Herausgegeben von Paul Westheim, erschienen im Verlag Gustav Kiepenheuer, Weimar 1919. Die Mappe wurde in einer Gesamtauflage von 125 Exemplaren gedruckt, die Nummern 26-125 in einer Halbleinenmappe geliefert. Sämtliche Graphiken mit dem Blindstempel „Die Schaffenden“. Der komplette erste Jahrgang in prachtvollen Drucken mit dem vollen Rand, in dieser Form äußerst selten.Erste Mappe:1. Lyonel Feininger, The Gate (Das Tor), Radierung, 1912 (Prasse E 52)2. Erich Heckel, Handstand, Lithographie, 1916 (Dube 230 I)3. Paul Klee, Kleinwelt, Radierung auf Zink, 1914 (Kornfeld 61)4. Paula Modersohn-Becker, Sitzende Alte, Radierung, 1902 (Stoermer 50, Pauli 2)5. Otto Mueller, Badende, Lithographie (eigenhändig koloriert), 1918 (Karsch 112)6. Max Pechstein, Varietészene, Farbholzschnitt, 1912 (Fechter 89, Krüger H 137)7. Max Pechstein, Komposition, Lithographie, 1918 (Krüger L 265)8. Christian Rohlfs, Aus Soest, Linolschnitt, 1911 (Vogt 27)9. Christian Rohlfs, Die Heiligen drei Könige, Holzschnitt, um 1910 (Vogt 22, Utermann 23)10. Karl Schmidt-Rottluff, Landschaft, Holzschnitt, 1913 (Schapire 118)Zweite Mappe:11. Heinrich Campendonk, Interieur mit zwei Akten, Holzschnitt, 1918 (Engels 36, Söhn 36b)12. Jack (Jakob Friedrich) Bollschweiler, Weggeschlepptes Mädchen, Lithographie, 191813. Otto Gleichmann, Tafelrunde, Lithographie, 191814. Walter Gramatté, Die große Angst, Radierung, 1918 (Eckhardt 118)15. Conrad Felixmüller, Soldat im Irrenhaus, Lithographie, 1918 (Söhn 150a)16. Hans Purrmann, Badende, Kaltnadel, 1918 (Hindelang 61)17. Hans Purrmann, Sommer, Kaltnadel, 1918 (Hindelang 60)18. Edwin Scharff, Reiter, Kaltnadel, 191019. Paul Adolf Seehaus, Wallfahrt, Radierung, 1917 (Rave 34)20. Paul Adolf Seehaus, Russisches Dorf, Radierung, 1917 (Rave 41)Dritte Mappe21. Josef Eberz, Tropischer Garten, Lithographie, 1918 (Hamm 21)22. Werner Gothein, Frauenkopf, Holzschnitt, 191923. Werner Gothein, Lausbuben, Holzschnitt, 191924. Max Kaus, Männerkopf, Lithographie, 191825. Oskar Kokoschka, Das Prinzip, Farblithographie, 1918 (Wingler/Welz 132)26. Otto Lange, Dame in Grün, Farbholzschnitt, 1916 (Boettger 103)27. Fritz Schaefler, Flußlandschaft, Kaltnadel, 191828. Milly Steger, Verklärung, Lithographie, 191829. Niklaus Stoecklin, Der Blinde, Lithographie, 191830. Maria Uhden, Zigeuner, Holzschnitt, 1918 (Hofmann/Praeger 1918/7)Vierte Mappe31. Max Burchartz, Schlafende Frau, Lithographie, 191932. Erich Dietrich, Osterspaziergang, Lithographie, 191933. Anton Kerschbaumer, Kanal, Lithographie, 191934. Alfred Kubin, Das Grab meiner Mutter, Lithographie, 1919 (Raabe 113)35. Alfred Kubin, Geländete Leiche, Lithographie, 1919 (Raabe 112)36. Ludwig Meidner, Straße in Wilmersdorf, Radierung, 1913 (Tenner 18)37. Ludwig Meidner, Alter Mann, Lithographie, 1913 (Tenner 22)38. Carlo Mense, Karfreitag, Kaltnadel, 1919 (Drenker-Nagels 539)39. Carlo Mense, Andacht, Kaltnadel, 1919 (Drenker-Nagels 540)40. Oskar O. Treichel, Mädchen mit Puppe, Linolschnitt, 1919 - Wir bitten darum, Zustandsberichte zu den Losen zu erfragen, da der Erhaltungszustand nur in Ausnahmefällen im Katalog angegeben ist. - Please ask for condition reports for individual lots, as the condition is usually not mentioned in the catalogue.
Egon Schiele 1890 Tulln - 1918 Wien Malende Frau. 1907. Öl auf dünner Malpappe. Kallir P 49. Rechts unten signiert. 27,6 x 25,7 cm (10,8 x 10,1 in). [EH]. • Aus der Sammlung Dr. Alfred Spitzer, Freund und juristischer Berater Egon Schieles. • Lückenlose Provenienz. • Egon Schiele zählt zu den bedeutendsten bildenden Künstlern der Wiener Moderne. • Nur 5 Gemälde mit figürlichen Darstellungen dieses frühen Entstehungsjahres wurden in den letzten 39 Jahren auf dem internationalen Auktionsmarkt angeboten. (Quelle: artprice.com). PROVENIENZ: Nachlass Dr. Alfred Spitzer (1861-1923), Wien (spätestens 1930). Edith Spitzer Neumann (Tochter des Vorgenannten), Wien und New York. Privatsammlung New York (1966 von der Vorgenannten erworben). Galerie St. Etienne, New York (vom Vorgenannten, auf der Rahmenabdeckung m. Etikett). Sammlung Serge Sabarsky (1912-1996), New York. Nachlass Serge Sabarsky, New York. Sammlung Vally Sabarsky (1909-2002), New York. Vally Sabarsky Stiftung, New York. AUSSTELLUNG: Egon Schiele. A Centennial Retrospective, Nassau County Museum of Art, Roslyn Harbor, NY, 28.1.-15.4.1990 (auf der Rahmenabdeckung mit Etikett). Egon Schiele. Gemälde, Zeichnungen und Aquarelle, Schloss Mainau, 22.9.-13.11.1994, Kat.-Nr. 3. Egon Schiele, Fondation Pierre Gianadda, Martigny, 3.-14.5.1995, Kat.-Nr. 7. Egon Schiele. The Ronald S. Lauder and Serge Sabarsky Collections, Neue Galerie, New York, 11.10.2005-20.2.2006, Kat.-Nr. P3 (mit farb. Abb.). From Klimt to Klee. Masterworks from the Serge Sabarsky Collection, Neue Galerie, New York, 15.10.2009-15.2.2010, Kat.-Nr. 32. Gustav Klimt and Egon Schiele, Neue Galerie, New York, 28.6.2018-3.9.2018. LITERATUR: Otto Kallir, Egon Schiele, Persönlichkeit und Werk, Wien 1930, S. 50, Nr. 24 (Abb. Taf. 4). Rudolf Leopold, Egon Schiele. Gemälde Aquarelle Zeichnungen, Salzburg 1972, S. 527, Nr. 49. Gianfranco Malafarina, L'Opera di Egon Schiele, Mailand 1982, Nr. 44. Jane Kallir, Egon Schiele: The Complete Works, New York 1990, S. 273, Nr. 49 (m. Abb.). Kai Artinger, Egon Schiele. Leben und Werk, Köln 1999, S. 20. Der Rechtsanwalt Dr. Alfred Spitzer (1861–1923) steht Egon Schiele als Förderer und Sammler während der Akademie-Zeit bei und betreut später den Nachlass des Künstlers. Auch dieses Gemälde hat sich im Besitz des frühen Freundes und Förderers befunden und ist nach dessen Tod bei den beiden Töchtern Spitzers verblieben. Edith, die über mehrere Stationen 1938 in die USA fliehen kann, hat diese Arbeit 1966 an Otto Kallir verkauft, der damals in New York die Galerie St. Etienne betreibt. Dieses frühe Bild aus dem Jahr 1907 zeigt mit breiten Pinselstrichen und flächigen Ortsangaben schon eine klare Loslösung von dem detailverliebten akademischen Stil. Egon Schiele nimmt die räumliche Tiefe aus der Darstellung heraus, ein hoher Fluchtpunkt ohne Horizont führt zu einer geschlossenen Erscheinung, auch farblich ist das Bild auf wenige Töne reduziert. Es klingen also hier schon die weiteren Entwicklungen seiner Bildkompositionen an. Wichtig ist auch, dass er hier Figur und Landschaft zugleich thematisiert. Sonst sind es oft entweder Personen oder Landschaften, die gezeigt werden. Und noch ein dritter Punkt ist bemerkenswert: Die dargestellte Person ist als Frau und Malerin definiert, doch ist sie nicht individualisiert wie in seinen Porträts. Es ist laut Werkverzeichnis das einzige Gemälde in seinem Œuvre, das eine Person beim Akt des Malens zeigt, und dies ist eine Frau! Er selbst ist im selben Jahr auf die Akademie gekommen und lernt dort eine völlig andere, damals selbstverständliche Realität kennen: Bis 1920 sind ausschließlich männliche Studenten an der Wiener Akademie der bildenden Künste zugelassen. Aufrufzeit: 10.06.2023 - ca. 13.40 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird differenzbesteuert, zuzüglich einer Einfuhrumsatzabgabe in Höhe von 7 % (Ersparnis von etwa 5 % im Vergleich zur Regelbesteuerung) oder regelbesteuert angeboten (N).ENGLISH VERSIONEgon Schiele 1890 Tulln - 1918 Wien Malende Frau. 1907. Oil on thin cardboard. Kallir P 49. Signed in lower right. 27.6 x 25.7 cm (10.8 x 10.1 in). [EH]. • From the collection of Dr. Alfred Spitzer, a close friend of Egon Schiele and his legal advisor. • Consistent provenance. • Egon Schiele counts among the most important visual artists of Viennese Modernism. • Over that past 39 years, only 5 figurative paintings from this early year of origin have been offered on the international auction market. (artprice.com). PROVENANCE: Estate of Dr. Alfred Spitzer (1861-1923), Vienna (1930 at the latest). Edith Spitzer Neumann (the above's daughter), Vienna and New York. Private collection New York (acquired from the above in 1966). Galerie St. Etienne, New York (from the above, with a label). Serge Sabarsky Collection (1912-1996), New York. Serge Sabarsky Estate, New York. Vally Sabarsky Collection (1909-2002), New York. Vally Sabarsky Foundation, New York. EXHIBITION: Egon Schiele. A Centennial Retrospective, Nassau County Museum of Art, Roslyn Harbor, NY, January 28 - April 15, 1990 (with a label). Egon Schiele. Gemälde, Zeichnungen und Aquarelle, Schloss Mainau, September 22 - November 13, 1994, cat. no. 3. Egon Schiele, Fondation Pierre Gianadda, Martigny, May 3 - 14, 1995, cat. no. 7. Egon Schiele. The Ronald S. Lauder and Serge Sabarsky Collections, Neue Galerie, New York, October 11, 2005 - February 20, 2006, cat. no. P3 (with color illu.). From Klimt to Klee. Masterworks from the Serge Sabarsky Collection, Neue Galerie, New York, October 15, 2009 - February 15, 2010, cat. no. 32. Gustav Klimt and Egon Schiele, Neue Galerie, New York, June 28, 2018 - September 3, 2018. LITERATURE: Otto Kallir, Egon Schiele, Persönlichkeit und Werk, Vienan 1930, p. 50, no. 24 (illu. on plate ). Rudolf Leopold, Egon Schiele. Gemälde Aquarelle Zeichnungen, Salzburg 1972, p. 527, no. 49. Gianfranco Malafarina, L'Opera di Egon Schiele, Milan 1982, no. 44. Jane Kallir, Egon Schiele: The Complete Works, New York 1990, p. 273, no. 49 (with illu.). Kai Artinger, Egon Schiele. Leben und Werk, Cologne 1999, p. 20. The lawyer Dr. Alfred Spitzer (1861–1923) supported Egon Schiele as a patron and collector during his time at the academy and later oversaw the artist's estate. This painting also used to be in possession of the early friend, after his death it would remain with Spitzer's two daughters. Edith, who was able to flee to the USA via several stations in 1938, sold this work to Otto Kallir in 1966, who ran St. Etienne Gallery in New York at that time. Owing to the broad brushstroke and the two-dimensional account of the setting, this early picture from 1907 already hints at an overcoming of the academy style and its love for detail. Egon Schiele takes the spatial depth out of the depiction, a high vanishing point without a horizon conveys a closed impression, the colors are also reduced to just a few tones. The further development of his pictorial compositions can already be observed here. It is also important to note that he puts figure and landscape on a par, as we often find either people or the landscape at the center of the depiction. Another aspect worthwhile to mention is that the person portrayed is defined as a woman and a painter, however, she can not be identified as an individual as it is the case with the subjects of his portraits. According to the catalogue raisonné, it is the only painting in his oeuvre that shows a person painting, and it is a woman on top of that! When he started at the academy that same year, he found an entirely different reality: Until 1920, only male students were admitted to the Vienna Academy of Fine Arts. Called up: June 10, 2023 - ca. 13.40 h +/- 20 min. This lot can be subjected to differential taxation plus a 7% import tax levy (saving approx. 5 % compared to regular taxation) or regular taxation (N).
Egon Schiele 1890 Tulln - 1918 Wien Männlicher Akt (Selbstbildnis). 1912. Lithografie. Kallir 1 b 2 (von 1 b 2). Söhn 355-12. Signiert und datiert. Von fremder Hand bezeichnet. Im Stein signiert, datiert und mit dem Editions-Signet. Eines von 200 Exemplaren auf diesem Papier. Auf schwach gelblichem, glattem Velin. 42 x 23,5 cm (16,5 x 9,2 in). Papier: 45 x 32 cm (17,6 x 12,5 in). Erschienen in der Mappe 'SEMA. 15 Originalsteinzeichnungen', herausgegeben vom Delphin-Verlag, München 1912. [EH]. • Aus der bedeutenden Sammlung Serge Sabarsky. • 'Männlicher Akt (Selbstbildnis) I' ist die erste von Egon Schiele geschaffene Lithografie. • Erschienen in der 'SEMA-Mappe' der expressionistischen Künstlervereinigung 'SEMA' um Paul Klee. • Das druckgrafische Werk Egon Schieles umfasst insgesamt nur 17 Nummern. • Weitere Exemplare dieses Blattes befinden sich u. a. im Leopold Museum, Wien, und im Los Angeles County Museum of Art. PROVENIENZ: Sammlung Serge Sabarsky (1912-1996), New York. Nachlass Serge Sabarsky, New York. Sammlung Vally Sabarsky (1909-2002), New York. Vally Sabarsky Stiftung, New York. LITERATUR: Otto Kallir, Egon Schiele. Das druckgraphische Werk, Wels 1970, S. 84f., Kat.-Nr. 1 b 2. Susanne M. I. Kaufmann, Die 'Künstlervereinigung Sema' - Eine Künstlergruppierung zwischen expressionistischer Kunstauffassung und den Mechanismen des Kunstmarktes, München 2008, S. 67ff. Mit erstaunlicher Perfektion gestaltet Egon Schiele seine erste grafische Arbeit. Er wählt als Basis die Zeichnung, die über ein Umdruckverfahren auf den Stein gebracht wird. Die Darstellung zeigt den kühn erfassten Akt seiner selbst. Egon Schiele reicht für die Veröffentlichung in der 'SEMA-Mappe' 1912 zwei Vorschläge ein, von denen schließlich unser Motiv ausgewählt wird. Man muss beachten, dass das druckgrafische Œuvre von Egon Schiele insgesamt nur 17 Werke umfasst und unser Blatt die erste Arbeit ist, die er für eine druckgrafische Veröffentlichung gestaltet. Die 'SEMA-Mappe' erscheint 1912 parallel zur Ausstellung der Künstlergruppe 'SEMA' in der Galerie Thannhauser. In einem Schreiben an den Delphin-Verlag wünscht Egon Schiele sich zunächst, dass als Titel für seinen Beitrag zur Mappe 'Zeichnung' gewählt wird. Als Antwort wird ihm vom Verlag mitgeteilt: '[..] Es erscheint nämlich uns wie diesen [den Herren der Sema] unmöglich, Ihr Blatt einfach Zeichnung zu nennen, da ja ein jedes Blatt so heißen könnte. [..] Wir möchten deshalb Ihr Blatt zum mindesten 'Akt' nennen und hoffen sie damit einverstanden.' (zit. nach: Susanne Kaufmann, Die Künstlervereinigung Sema, Magisterarbeit LMU 2008, S. 64). Es zeigt, wie gleichwertig aufgrund des Zeichnerischen Egon Schiele diese Lithografie im Hinblick auf eine originale Zeichnung bewertete. Erst im Jahr 1918 wendet sich Schiele auf Einladung der Wiener Secession wieder der Lithografie zu. Es folgen noch zwei weitere lithografische Arbeiten im gleichen Jahr. Aufrufzeit: 10.06.2023 - ca. 13.50 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird differenzbesteuert, zuzüglich einer Einfuhrumsatzabgabe in Höhe von 7 % (Ersparnis von etwa 5 % im Vergleich zur Regelbesteuerung) oder regelbesteuert angeboten (N).ENGLISH VERSIONEgon Schiele 1890 Tulln - 1918 Wien Männlicher Akt (Selbstbildnis). 1912. Lithograph. Kallir 1 b 2 (of 1 b 2). Söhn 355-12. Signed and dated. Inscribed by a hand other than that of the artist. Signed, dated and with the editions signet in the stone. From an edition of 200 copies on this type of paper. On smooth, slightly yellowish wove paper. 42 x 23.5 cm (16.5 x 9.2 in). Sheet 45 x 32 cm (17,6 x 12,5 in). Released in the portfolio 'SEMA. 15 Originalsteinzeichnungen', published by Delphin-Verlag, Munich 1912. [EH]. • From the acclaimed Serge Sabarsky Collection. • 'Männlicher Akt (Selbstbildnis) I' is the first lithograph that Egon Schiele ever made. • Released in the 'SEMA-Mappe' of the expressionistic artist group 'SEMA' around Paul Klee. • Egon Schiele's print œuvre merely comprises 17 works. • Other copies of this sheet are at, among others, the Leopold Museum, Vienna and the Los Angeles County Museum of Art. PROVENANCE: Serge Sabarsky Collection (1912-1996), New York. Serge Sabarsky Estate, New York. Vally Sabarsky Collection (1909-2002), New York. Vally Sabarsky Foundation, New York. LITERATURE: Otto Kallir, Egon Schiele. Das druckgraphische Werk, Wels 1970, pp. 84f., cat. no. 1 b 2. Susanne M. I. Kaufmann, Die 'Künstlervereinigung Sema' - Eine Künstlergruppierung zwischen expressionistischer Kunstauffassung und den Mechanismen des Kunstmarktes, München 2008, pp. 67ff. Egon Schiele created his first graphic work with amazing perfection. As a basis, he made a drawing which he transferred onto the stone in transfer printing. The depiction shows the boldly captured self-portrait nude . Egon Schiele submitted two works for the 'SEMA portfolio' in 1912, of which our motif was ultimately chosen. It is important to note that Egon Schiele's print oeuvre comprises a total of only 17 works, of which our sheet is the first one made for publication. The 'SEMA portfolio' was published in 1912 parallel to the exhibition of the artist group 'SEMA' at Galerie Thannhauser. In a letter to the publisher ‘Delphin-Verlag’, Egon Schiele expresses the wish that his contribution to the portfolio is merely titled 'Zeichnung” (Drawing). The publisher replied: '[..] It seems to as impossible for us as it is for them [the gentlemen of SEMA] to simply call your sheet ‘drawing’, since every sheet could be called that. [..] We would therefore like to call your sheet at least 'Akt/' (Nude) and hope you agree to that.' (quoted from: Susanne Kaufmann, Die Künstlervereinigung Sema, Master's thesis LMU 2008, p. 64). This shows how Egon Schiele saw this lithograph on a par with an original drawing due to its graphic origin. It was not until 1918 that Schiele returned to lithography at the invitation of the Vienna Secession. Two more lithographs followed the same year. Called up: June 10, 2023 - ca. 13.50 h +/- 20 min. This lot can be subjected to differential taxation plus a 7% import tax levy (saving approx. 5 % compared to regular taxation) or regular taxation (N).
Oskar Kokoschka 1886 Pöchlarn/Niederösterreich - 1980 Montreux Vornübergebeugter Mädchenakt. 1907/08. Schwarze Kreide, Aquarell, Tuschpinsel und -feder über Bleistift. Rechts unten monogrammiert. Auf bräunlichem Velin. 30,9 x 45,1 cm (12,1 x 17,7 in), Blattgröße. [CH]. • Besonders frühe Arbeit des großen Expressionisten. • Aus der bedeutenden Sammlung Serge Sabarsky. • Umfangreiche Ausstellungshistorie. • Kokoschka gilt früh als Enfant terrible und macht sich in der Wiener Kulturszene schnell einen Namen: Schon 1908 und 1909, zur Entstehungszeit dieser Zeichnung, ist er an der Wiener Kunstschau, einer der großen Ausstellungen der Moderne, beteiligt (1908 von Gustav Klimt und Josef Hoffmann ausgerichtet). • Arbeiten dieser frühen Schaffensphase nach Kokoschkas Ausbildung an der Wiener Kunstgewerbeschule werden äußerst selten auf dem internationalen Auktionsmarkt angeboten. • In der Vereinfachung der Form und ihrer freien, losgelösten Formulierung der Figur verweist das Werk bereits auf Kokoschkas späteren reifen, unkonventionellen Stil. PROVENIENZ: Galerie Günther Franke, München. Sammlung Otto-Heinrich Nachtigall, Dortmund (1967). Sammlung Serge Sabarsky (1912-1996), New York (1984 erworben). Nachlass Serge Sabarsky, New York (1996). Sammlung Vally Sabarsky (1909-2002), New York. Vally Sabarsky Stiftung, New York. AUSSTELLUNG: Kunst des 20. Jahrhunderts aus rheinisch-westfälischem Privatbesitz. Malerei, Plastik, Handzeichnung), Städtische Kunsthalle und Kunstverein f. d. Rheinlande und Westfalen, Düsseldorf, 30.4.-18.6.1967, S. 53, Kat.-Nr. 185 (m. d. Titel 'Gebeugter Akt'). Oskar Kokoschka: Dipinti e disegni, Palazzo Medici-Riccardi, Florenz, 4.4.-7.6.1987; Palazzo del Turismo, Riccione, 20.6.-16.8.1987, Kat.-Nr. 26. Europalia 87 Österreich: Oskar Kokoschka, Museum voor Schone Kunsten, Gent, 17.9.-8.11.1987; Salle Saint-Georges, Liège, 14.11.-31.12.1987, Kat.-Nr. 64. Oskar Kokoschka 1886-1980, Museu Picasso, Barcelona, 9.2.-10.4.1988, Kat.-Nr. 71. Oskar Kokoschka. Die frühen Jahre, Josef Albers Museum, Quadrat Bottrop, 21.8.-9.10.1988; Leopold-Hoesch-Museum, Düren, 12.3.-16.4.1989; BAWAG Fondation, Wien, 15.10.-28.11.1992, Ernst Ludwig Kirchner, Paul Klee & Oskar Kokoschka. Aquarelle und Zeichnungen, Tel Aviv Museum of Art, 10.11.1993-13.1.1994. Oskar Kokoschka. Die frühen Jahre, Ulmer Museum, 12.6.-14.8.1994, Kat.-Nr. 7. Oskar Kokoschka. Wczesne lata, Miedzynarodowe Centrum Kultury, Krakau, 6.10.-27.11.1994; Gornoslaska Macierz Kultury, Katowice/Kattowitz, 19.12.1994-29.1.1995, Kat.-Nr. 15. Klimt - Schiele - Kokoschka, Musée des Beaux-Arts, Rouen, 20.5.-14.8.1995, Kat.-Nr. 96. Oskar Kokoschka. Die frühen Jahre, Städtische Galerie, Klagenfurt, 19.2.-11.5.1997, Kat.-Nr. 9. Oskar Kokoschka. Wien - Prag (Ölgemälde, Aquarelle, Zeichnungen), Mezinárodní kulturní centrum Egona Schieleho, Ceský Krumlov, 23.5.-28.10.1997. Oskar Kokoschka. Peintures et œuvres sur papier (Wien 1906 - Paris 1931), Musée-Galerie de la Seita, Paris, 29.12.1998-7.3.1999, Kat.-Nr. 14 (m. Farbabb.). LITERATUR: Hauswedell & Nolte, Hamburg, 254. Auktion, Moderne Kunst, 8./9.6.1984, Los 896, S. 124 (m. Farbabb., Tafel 92). Serge Sabarsky (Hrsg.), Oskar Kokoschka. Die frühen Jahre 1906-1926 (Aquarelle und Zeichnungen), München 1986, Kat.-Nr. 7 (m. Farbabb.). Aufrufzeit: 10.06.2023 - ca. 14.43 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird differenzbesteuert, zuzüglich einer Einfuhrumsatzabgabe in Höhe von 7 % (Ersparnis von etwa 5 % im Vergleich zur Regelbesteuerung) oder regelbesteuert angeboten (N), Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONOskar Kokoschka 1886 Pöchlarn/Niederösterreich - 1980 Montreux Vornübergebeugter Mädchenakt. 1907/08. Black Chalks, watercolor, ink brush and pen over pencil. Monogrammed in lower right. On brownish wove paper. 30.9 x 45.1 cm (12.1 x 17.7 in), size of sheet. [CH]. • Particularly early work by the great expressionist. • From the acclaimed Serge Sabarsky Collection. • Long exhibition history. • Kokoschka was considered an enfant terrible from an early point on, which soon earned him a name in the Vienna art scene: He participated in the 'Wiener Kunstschau', a grand exhibition of modern art (in 1908 organized by Gustav Klimt and Josef Hoffmann) as early as in 1908 and 1909, around the time this work was made. • Works from this early creative period after Kokoschka's training at the Vienna School of Arts and Crafts are extremely rare on the international auction market. • Through the simplification of the form and the formally liberated figure, the work already hints at Kokoschka's later unconventional mature style. PROVENANCE: Galerie Günther Franke, Munich. Otto-Heinrich Nachtigall Collection, Dortmund (1967). Serge Sabarsky Collection (1912-1996), New York (acquired in 1984). Serge Sabarsky Estate, New York (1996). Vally Sabarsky Collection (1909-2002), New York. Vally Sabarsky Foundation, New York. EXHIBITION: Kunst des 20. Jahrhunderts aus rheinisch-westfälischem Privatbesitz. Malerei, Plastik, Handzeichnung), Städtische Kunsthalle und Kunstverein f. d. Rheinlande und Westfalen, Düsseldorf, April 30 - June 18, 1967, p. 53, cat. no. 185 (titled 'Gebeugter Akt'). Oskar Kokoschka: Dipinti e disegni, Palazzo Medici-Riccardi, Florence, April 4 - June 7, 1987; Palazzo del Turismo, Riccione, June 20 - August 16, 1987, cat. no. 26. Europalia 87 Austria: Oskar Kokoschka, Museum voor Schone Kunsten, Gent, September 17 - November 8, 1987; Salle Saint-Georges, Liège, November 14 - December 31, 1987, cat. no. 64. Oskar Kokoschka 1886-1980, Museu Picasso, Barcelona, February 9 - April 10, 1988, cat. no. 71. Oskar Kokoschka. Die frühen Jahre, Josef Albers Museum, Quadrat Bottrop, August 21 - October 9, 1988; Leopold-Hoesch-Museum, Düren, March 12 - April 16, 1989; BAWAG Fondation, Vienna, October 15 - November 28, 1992, Ernst Ludwig Kirchner, Paul Klee & Oskar Kokoschka. Aquarelle und Zeichnungen, Tel Aviv Museum of Art, November 10, 1993 - January 13, 1994. Oskar Kokoschka. Die frühen Jahre, Ulmer Museum, June 12 - August 14, 1994, cat. no. 7. Oskar Kokoschka. Wczesne lata, Miedzynarodowe Centrum Kultury, Cracow, October 6 - November 27, 1994; Gornoslaska Macierz Kultury, Katowice, December 19, 1994 - January 29, 1995, cat. no. 15. Klimt - Schiele - Kokoschka, Musée des Beaux-Arts, Rouen, May 20 - August 14, 1995, cat. no. 96. Oskar Kokoschka. Die frühen Jahre, Städtische Galerie, Klagenfurt, February 19 - May 11, 1997, cat. no. 9. Oskar Kokoschka. Wien - Prag (Ölgemälde, Aquarelle, Zeichnungen), Mezinárodní kulturní centrum Egona Schieleho, Ceský Krumlov, May 23 - October 28, 1997. Oskar Kokoschka. Peintures et œuvres sur papier (Vienna 1906 - Paris 1931), Musée-Galerie de la Seita, Paris, December 29, 1998 - March 7, 1999, cat. no. 14 (with color illu.). LITERATURE: Hauswedell & Nolte, Hamburg, 254th auction, Modern Art, June 8/9, 1984, lot 896, p. 124 (with color illu., plate 92). Serge Sabarsky (ed.), Oskar Kokoschka. Die frühen Jahre 1906-1926 (Aquarelle und Zeichnungen), Munich 1986, cat. no. 7 (with color illu.). Called up: June 10, 2023 - ca. 14.43 h +/- 20 min. This lot can be subjected to differential taxation plus a 7% import tax levy (saving approx. 5 % compared to regular taxation) or regular taxation (N), artist´s resale right compensation is due.
Zao Wou-Ki (1920-2013), Lithograph. Signed (lower right) Image Size: 26 by 18 in. (65 by 45cm.) All measurements are approximate. Zao Wou-Ki was a Chinese-French artist known for his non-representational paintings that blended Eastern and Western modes of art making. "Everybody is bound by a tradition. I am bound by two," the artist once reflected. Born on February 1, 1920 in Peking, China, he studied at the Hangzhou Fine Arts School for six years were he was influenced by the work of traditional Chinese and Japanese art as well as Western painters like Paul Klee and Franz Kline. In 1947, the artist moved to Paris where he became the neighbor of Alberto Giacometti and friends with Sam Francis, Jean-Paul Riopelle, and Pierre Soulages. During the following decades, Zao's work became very popular with Chinese collectors and by the 2000s his paintings were selling in the millions. The artist died on April 9, 2013 in Nyon, Switzerland at the age of 93. In 2016, he was the subject of his first retrospective held in the United States titled "No Limits Zao Wou-Ki" at the Asia Society in New York. Today, the artist's works are in the collections of the Tate Gallery in London, The Museum of Modern Art in New York, and the National Gallery of Art in Washington, D. C. , among others. WE DO NOT GIVE ANY REPRESENTATION, WARRANTY, OR GUARANTEE OR ASSUME ANY LIABILITY OF ANY KIND IN RESPECT OF ANY LOT WITH REGARD TO MERCHANTABILITY, FITNESS FOR A PARTICULAR PURPOSE, DESCRIPTION, SIZE, QUALITY, CONDITION, ATTRIBUTION, AUTHENTICITY, RARITY, IMPORTANCE, MEDIUM, PROVENANCE, EXHIBITION HISTORY, LITERATURE, OR HISTORICAL RELEVANCE.
Zao Wou-Ki (1920-2013), Lithograph. Signed (lower right) Image Size: 24 1/8 by 18 1/8 in. (61 by 46cm.) All measurements are approximate. Zao Wou-Ki was a Chinese-French artist known for his non-representational paintings that blended Eastern and Western modes of art making. "Everybody is bound by a tradition. I am bound by two," the artist once reflected. Born on February 1, 1920 in Peking, China, he studied at the Hangzhou Fine Arts School for six years were he was influenced by the work of traditional Chinese and Japanese art as well as Western painters like Paul Klee and Franz Kline. In 1947, the artist moved to Paris where he became the neighbor of Alberto Giacometti and friends with Sam Francis, Jean-Paul Riopelle, and Pierre Soulages. During the following decades, Zao's work became very popular with Chinese collectors and by the 2000s his paintings were selling in the millions. The artist died on April 9, 2013 in Nyon, Switzerland at the age of 93. In 2016, he was the subject of his first retrospective held in the United States titled "No Limits Zao Wou-Ki" at the Asia Society in New York. Today, the artist's works are in the collections of the Tate Gallery in London, The Museum of Modern Art in New York, and the National Gallery of Art in Washington, D. C. , among others. WE DO NOT GIVE ANY REPRESENTATION, WARRANTY, OR GUARANTEE OR ASSUME ANY LIABILITY OF ANY KIND IN RESPECT OF ANY LOT WITH REGARD TO MERCHANTABILITY, FITNESS FOR A PARTICULAR PURPOSE, DESCRIPTION, SIZE, QUALITY, CONDITION, ATTRIBUTION, AUTHENTICITY, RARITY, IMPORTANCE, MEDIUM, PROVENANCE, EXHIBITION HISTORY, LITERATURE, OR HISTORICAL RELEVANCE.
Vasily Kandinsky (1866-1944), Lithograph. Signed (lower left) Image Size: 14 by 10 1/8 in. (35.5 by 25.5cm.) All measurements are approximate. Vasily Kandinsky (1866-1944) was a Russian painter and art theorist who is considered to be one of the pioneers of abstract art. He studied law and economics before turning to art, and his early works were heavily influenced by Impressionism and Fauvism. In 1911, Kandinsky co-founded the Blue Rider artist group in Munich, which included other prominent abstract artists such as Franz Marc and Paul Klee. His artistic style evolved into a more abstract and spiritual form, with a focus on color and form over representational subject matter. Kandinsky's theories on art were deeply influenced by his interest in spirituality and his belief that color and form could convey emotion and meaning in a way that was beyond representation. His book "Concerning the Spiritual in Art" (1910) became a seminal text for the development of abstract art. Today, Kandinsky is regarded as one of the most important figures in the development of abstract art, and his works are held in major museum collections around the world. WE DO NOT GIVE ANY REPRESENTATION, WARRANTY, OR GUARANTEE OR ASSUME ANY LIABILITY OF ANY KIND IN RESPECT OF ANY LOT WITH REGARD TO MERCHANTABILITY, FITNESS FOR A PARTICULAR PURPOSE, DESCRIPTION, SIZE, QUALITY, CONDITION, ATTRIBUTION, AUTHENTICITY, RARITY, IMPORTANCE, MEDIUM, PROVENANCE, EXHIBITION HISTORY, LITERATURE, OR HISTORICAL RELEVANCE.
Ségard, Aljoscha -- "Hommage à Yves Klein"Buchobjekt in verglastem Objektkasten. 1984.25 x 25 x 5,5 cm.Unten links mit Bleistift signiert "Ségard" und datiert, verso betitelt.Das in den Kasten montierte Buch trägt keinen Titel, jedoch steht das intensive Yves-Klein-Blau für sich. Mit seinem Großvater Paul Klee verbanden Ségard das Hintersinnige, das Witzig-Poetische und die Freude am Zusammenspiel von Bild und Wort, umgesetzt in eigenständiger ästhetischer Ausprägung.Provenienz: Galerie Noé, Berlin (dort erworben 1990) - Wir bitten darum, Zustandsberichte zu den Losen zu erfragen, da der Erhaltungszustand nur in Ausnahmefällen im Katalog angegeben ist. - Please ask for condition reports for individual lots, as the condition is usually not mentioned in the catalogue.
Thiemann, Hans -- Transparentes GefildeÖl auf Leinwand. 1947.30,5 x 41 cm.Unten links in der Darstellung mit Pinsel in Rot signiert "hans thiemann" und datiert.Essen 57.Eine ganz eigene, imaginierte Bildwelt jenseits der Realität baut Thiemann auf, anstatt diese lediglich zu verfremden. Anklänge an Landschaftliches vereinen sich mit mysteriösen Objekten und Konstrukten, in der spannungsreichen Komposition und mit dem ornamentalen, regelmäßigen Pünktchenmuster von hohem ästhetischen Reiz. Um 1933 wandte sich der Künstler "jener metaphorisch abstrakten Formensprache zu, die fortan seine Bildwelt bestimmt. Sie führt ihn zurück zu den Grundelementen der abstrakten Malerei, zu Punkt, Linie und Fläche im Sinne seines Lehrers Kandinsky." Mit dieser elementaren Formensprache baut er jedoch eine metaphernreiche, geradezu dichterische Bildwelt auf. "Hier wird die Nähe zu seinem zweiten großen Lehrer am Bauhaus, zu Klee, spürbar." (Essen S. 15). Kurz vor dem Entstehen des vorliegenden Gemäldes, 1946, fand die erste große Ausstellung seiner Arbeiten, zusammen mit Trökes, Zimmermann u. a. als "Gruppe der Fantasten" präsentiert, in der Berliner Galerie Gerd Rosen statt, im Jahr 1947 bereits ebendort seine erste Einzelausstellung. - Wir bitten darum, Zustandsberichte zu den Losen zu erfragen, da der Erhaltungszustand nur in Ausnahmefällen im Katalog angegeben ist. - Please ask for condition reports for individual lots, as the condition is usually not mentioned in the catalogue.
Quinn (John, art collector and Irish-American lawyer, 170-1924) A Collection of Letters between John Quinn and Alphonse Kann, documenting their art collecting activities, including autograph and typed letters, and cheques, folds, some staple stains, v.s., housed in custom-made clamshell box, 1922-24 (c.10 items) ⁂ A notable group of correspondence documenting the collecting activities of John Quinn and Alphonse Kann. Quinn was an important patron of chief figures in Post-impressionism and literary Modernism, a major collector of modern art and original manuscripts, and the first to exhibit these works after winning legal battles against censorship and cultural isolation. In the 1920s he owned the largest single collection of modern European paintings in the world. Alphonse Kann was a friend of Proust and noted collector who sold several works to Quinn. By the 1920's Kann had begun to devote himself to contemporary art, hence, perhaps, his willingness to sell to Quinn. Kann owned Barque L'Homme a la guitare and significant painting by Picasso, Gris, Klee and Ledger. He left for France in 1938 and his collection was subsequently looted by Nazis.
Ken Kiff RA, British 1935-2001 – The Blue Tree, 1989-91; oil on canvas, 198.5 x 108 cm (ARR) Provenance: with Marlborough Fine Art, London, 1991, no.8; private collection; Christie’s, London, 12th July 2008, lot 308; private collection, purchased from the above Exhibited: Marlborough Fine Art, London, ‘Ken Kiff: Recent Work’, 7th June - 6th July 1991, p.10 no.8 (illus. in catalogue) Note: This is a brilliant example of the artist’s style, with its playful sense of mysticism and deep understanding of colour. Kiff was a pioneering figure in British painting during the 1980s along with his contemporary Paula Rego, bringing back a symbolic and narrative quality to his work, that harked back to early Modernists such as Marc Chagall and Paul Klee. This is one of a number of works Kiff made featuring an Eve-like figure, here sat next to the Tree of Life. Kiff’s Eve is a positive force, of life and beauty. Shortly after making this work, he would become Associated Artist at the National Gallery, London from 1992-93. Ken Kiff was also a highly influential tutor at the Royal College of Art, teaching major figures including Tracey Emin. His work was recently the subject of a major show at Carl Freedman Gallery, Margate in 2022 and at the Sainsbury Centre for Visual Arts, Norwich in 2019. His works are in public collections including the Tate and the Arts Council Collection. Condition Report: Please refer to department for condition report
KLEE, PAUL1879 Münchenbuchsee - 1940 Muralto/ TessinTitel: Berg-Landschaft. Datierung: 1938. Technik: Schwarze und rote Kreide auf Papier. Montierung: Auf Karton montiert. Maße: 37 x 50cm. Bezeichnung: Signiert unten links: Klee (verblasst). Bezeichnet am Kartonrand oben rechts: Berglandschaft. Nochmals bezeichnet am unteren rechten und linken Kartonrand: 1938 T 2 Berg-landschaft. Rahmen/Sockel: Rahmen. Provenienz:- Lily Klee, Bern- Klee-Gesellschaft, Bern- Felix Klee, Bern- Nachlass Felix Klee, Bern- Privatsammlung Schweiz- Wolfgang Wittrock Kunsthandel, Berlin- Privatsammlung DeutschlandAusstellungen:- Kunstmuseum St. Gallen, 1955, Kat.-Nr. 354- Stedelijk Museum, Amsterdam 1963, Kat.-Nr. 90- Malmö Museum, Malmö/ Göteborgs Konstmuseum, Göteborg/ Konstsalongen Samlaren, Stockholm 1965, Kat.-Nr. 100- Kunst- und Kunstgewerbeverein Reuchlinhaus, Pforzheim 1967, Kat.-Nr. 98- Kunstmuseum Winterthur, 1971, Kat.-Nr. 152- Museo Civico di Belle Arti, Lugano 1972, Kat.-Nr. 101- Odakyu Kaufhaus, Tokio/ Gumma Museum, Takasaki/ The Museum of Modern Art, Kamakura u.a., 1976, Kat.-Nr. 97- Kestner-Gesellschaft, Hannover 1980, Kat.-Nr. 105, Abb.- Wilhelm-Hack-Museum, Ludwigshafen am Rhein 1981-1982, Kat.-Nr. 159, Abb.- Jahrhunderthalle, Hoechst 1983, Kat.-Nr. 64- Museum Villa Stuck, München 1983, Kat.-Nr. 64- Musée d'Histoire et d'Art, Luxemburg 1984, Kat.-Nr. 72- Fondation Pierre Gianadda, Martigny 1985, Kat.-Nr. 76- Gallerihuset, Kopenhagen 1986, Abb.- Württembergischer Kunstverein, Stuttgart 1990/ Kunsthalle Emden, 1991, Kat.-Nr. 99- Ishikawa Prefectural Museum of Art, Kanazawa/ Daimaru Museum, Tokio/ Museum of Art, Kochi u.a., 1995/96, Kat.-Nr. 82- Kunstmuseum Bern, 1992-1999 (Dauerleihgabe)- Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf 1999-2006 (Dauerleihgabe)Literatur:- Paul-Klee-Stiftung (Hrsg.): Catalogue raisonné Paul Klee, Bd. 7, 1934-1938, Bern 2003, WVZ.-Nr. 7504, Abb.- Beeindruckende Ausstellungshistorie mit namhaften Museen- Reizvolle, reduzierte Landschaftsdarstellung mit kraftvollen, schwarzen Linien- Entstanden in seinem Schweizer Exil, wo er seine produktivste Phase erfährtPaul Klee führt uns durch eine ganz reduzierte, fast formelhafte Landschaft. Darin sind schwarze Linien gleichmäßig verteilt. Rote Schraffuren betonen eher ungeordnet einzelne Partien des Blattes.Und trotz der Reduktion ist doch ganz klar, dass es sich um eine Landschaft handelt. Die spitzen Winkel der hintereinander gestaffelten Berge schaffen Raum, drei "Nadelbaumartige" und eine runde Laubbaum-Form stehen für Vegetation. Die Linie ist wichtiger als die Farbe. Sie bestimmt Inhalt, Rhythmus und Klang des Bildes.Ist die Form, die parallel zum oberen Bildrand verläuft der höchste Berggrat? Am rechten oberen Bildrand weisen die Linien über die Begrenzung des Blattes hinaus. Es geht noch höher hinauf. Auch an den anderen Bildrändern treffen Linien im rechten Winkel auf den Blattrand. Diese Landschaft ist Realität und keine auf ein Rechteck hin komponierte künstlerische Anordnung. Wie in der Fotografie hat Paul Klee nur den Ausschnitt der unendlich großen Realität "eingefangen".Es ist ein Spätwerk des reifen Künstlers, der um seine Bedeutung weiß, der Anerkennung zuhauf und Ablehnung seiner Kunst wie seiner Person erfahren hat. 1938, im Entstehungsjahr der "Berg-Landschaft" ist er 59 Jahre alt, seine Kunst und damit er selbst gelten als "entartet", seit einem Jahr ist er schwer an der Autoimmunkrankheit Sklerodermie erkrankt, die sein Äußeres erstarren lässt. Klee zieht sich zurück. In die Schweiz, in sein Atelier, in die Reduktion.Besonders reizvoll erscheint in diesem Blatt, der sichtbare Entstehungsprozess, die erkennbare Handschrift in den kraftvollen schwarzen Linien, die überwiegend über den roten Schraffuren liegen. Das kontrastreiche Blatt legt seinen Erschaffungsprozess bloß. Der Künstler lässt sich über die Schulter schauen.Paul Klee hat in der Kunst des 20. Jahrhunderts immense Spuren hinterlassen. Direkt durch seine Werke und auch indirekt als Lehrer am Bauhaus und an der Kunstakademie in Düsseldorf. Über seinen Tod hinaus hat er aber auch die internationale Kunst - ausgehend von den USA - maßgeblich beeinflusst. Schon in den 1920er Jahren war Klee in New York in Ausstellungen präsent und wurde vor allem von Künstlern rezipiert. Nach seinem Tod zeigte das MoMA eine umfangreiche Gedenkausstellung und 1949/50 gab es eine große Wanderausstellungs-Retrospektive, die in mehreren Städten der USA zu sehen war. Die "All-over-Struktur", die Paul Klee in seinen späten, abstrahiert linienbetonten Werken anwandte, wurde von den jungen informellen Amerikanern wie Kenneth Noland, Jackson Pollock oder Theodoros Stamos bewusst aufgegriffen. Die "Berg-Landschaft" ist ein überaus typisches Beispiel für diese spannende Rezeptions- und Kunst-Geschichte. Erläuterungen zum Katalog
KLEE, PAUL1879 Münchenbuchsee - 1940 Muralto/ TessinTitel: "Formel eines Krieges". Datierung: 1936. Technik: Öl und Aquarell auf MBM (FRANCE) INGRES D'ARCHES (Wasserzeichen). Maße: 48 x 62,5cm. Bezeichnung: Signiert unten links (Verblasst): Klee. Betitelt und datiert verso unten mittig: Formel eines Krieges 1936-2. Rahmen/Sockel: Modellrahmen. Auf der Rückseite des Werkes befindet sich eine weitere Zeichnung mit Feder und Grafit.Provenienz:- Lily Klee, Bern- Klee-Gesellschaft, Bern- Curt Valentin (Buchholz Gallery, Valentin Gallery), Berlin/ New York- Paul Rand, Weston- Galerie Beyeler, Basel- Wolfgang Wittrock Kunsthandel, Düsseldorf- Privatsammlung DeutschlandAusstellungen:- Zürich 1940, Kat.-Nr. 10- Kunsthalle Basel 1941, Kat.-Nr. 246- Düsseldorf 1991- Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf/ Stuttgart 1995, Kat.-Nr. 203- Nationalgalerie Berlin 2008-2009Literatur:- Paul Klee Stiftung (Hrsg.): Paul Klee - Catalogue Raisonné, 1934-1938, Bd. 7, Bern 2014, WVZ.-Nr. 6913, Abb.- Grohmann, Will: Paul Klee, Genf/Stuttgart 1954, S. 310- Kersten, Wolfgang: Paul Klee. Übermut. Allegorie der künstlerischen Existenz, Frankfurt am Main 1990, S. 60- Ausst.-Kat. Paul Klee - Das Schaffen im Todesjahr, Kunstmuseum Bern, Stuttgart 1990, S. 216, Abb.- Typisches Spätwerk Klees aus der zweiten Hälfte der 1930er Jahre- Ausgearbeitete und klare, reduzierte Formensprache eines gereiften KünstlersDie vorliegende Arbeit darf wohl als eine typische Arbeit von Paul Klee bezeichnet werden. Nur wenige Jahre vor seinem Tod gefertigt, wird schon durch die Ausführung deutlich, dass Klee durch Krankheit zunehmend eingeschränkt war. Klee, der mutmaßlich an Sklerodermie - einer Krankheit die erst 14 Jahre nach seinem Tod in der Fachliteratur erstmals Erwähnung fand - litt, befasste sich in dieser Phase seines Lebens auch im künstlerischen Schaffen immer stärker mit Leidensthemen. Seine Figuren wirken oft gequält und auch der Titel der vorliegenden Arbeit "Formel eines Krieges" wirkt wie ein Beleg für eine Zuwendung zu den eher negativen Bildthemen Klees in dieser letzten Werkphase. Die auf das Wesentliche reduzierte Formensprache ist charakteristisch für das Spätwerk von Paul Klee. Er beginnt zunehmend mit hieroglyphenhaften Elementen zu arbeiten und konzentriert sich auf eine immer stärkere Reduktion seiner Bildsprache. In der vorliegenden Arbeit wird besonders deutlich wie Klee alle für ihn überflüssigen Bildelemente eliminiert und sich so dem wahren Wesenskern der Sache annähert. Dabei wird auch evident, dass Klee in seinem Werk die Farbe der Linie unterordnet. Nur noch andeutungsweise spielt die Farbe im Motiv eine Rolle, der Fokus liegt klar auf der Linie. Durch Linien bildet Klee die Essenz des Krieges ab. Unversehrte Figuren finden sich in der Darstellung keine, die dargestellten Strichmännchen sind von Linien durchbohrt, verwaschen und teilweise aufgelöst. Räder, Fahnen und Zelte - gegeneinander gerichtet und verschränkt - verdeutlichen eine besonders von den Materialschlachten des ersten Weltkrieges geprägte Sichtweise auf den Krieg.Die Arbeit bietet zweifelsohne einen seltenen Einblick in die Seele eines der wohl relevantesten Künstler des 20. Jahrhunderts, der kurz nach der Entstehung des Werkes als entarteter Künstler verfemt wurde. Es scheint wie der letzte Versuch eines Künstlers das Offensichtliche sichtbar zu machen. In möglichst einfacher Bildsprache gehalten wirkt die Arbeit fast wie ein letztes Aufbäumen, eine letzte Warnung vor dem drohenden zweiten Weltkrieg. Erläuterungen zum Katalog
Paul Klee. Park. Farblithographie. 1914. 12,4 : 10,2 cm (27,3 : 18,6 cm). Signiert und nummeriert, im Stein nochmals signiert sowie betitelt und mit der Werknummer bezeichnet. Exemplar 30/300. - Auf gelblichem Bütten. - Mit der Werknummer »1914 145« bezeichnet. - Farbfrisches Exemplar, breitrandig, am linken Rand die Abklatsche der Lithosteine. - Familienbesitz Nachlass Walter Dexel.Rückseitig zwei Papierfälze und in den Ecken leichte kleine kreisförmige Aufhellungen, diese schwach durchschlagend, alles von früheren Anheftungen.Kornfeld A 112
Paul Klee (Münchenbuchsee 1879 – 1940 Muralto bei Locarno). „Zerstörung und Hoffnung“. 1916Lithografie, aquarelliert, auf van Gelder-Bütten. 46,5 × 33 cm (58 × 46 cm) (18 ¼ × 13 in. (22 ⅞ × 18 ⅛ in.)). Monogrammiert, datiert und betitelt.Kornfeld 68 II. Variante B B.b. (von C) / Paul-Klee-Stiftung Nr. 1652.–Einer von 45 Abzügen auf diesem Papier aus einer Gesamtauflage von 60 Exemplaren. Hans Goltz, München, 1916. [3326] Gerahmt. Wir berechnen auf den Hammerpreis pauschal 32% Aufgeld und 7% verauslagte Einfuhrumsatzsteuer.
Paul Klee (Münchenbuchsee 1879 – 1940 Muralto bei Locarno). „Seiltänzer“. 1923Farblithografie auf BSB-Bütten. 43,9 × 26,8 cm (52 × 38 cm) (17 ¼ × 10 ½ in. (20 ½ × 15 in.)). Signiert, datiert und mit der Werknummer bezeichnet: 138.Kornfeld 95 IV B.b. (von C) / Paul-Klee-Stiftung Nr. 3232 / Söhn HDO 335-4.–Einer von 220 Abzügen auf diesem Papier aus einer Gesamt-auflage von 300 Exemplaren. Blatt 4 (von 48) der Mappe: Kunst der Gegenwart (=42. Druck der Marées-Gesellschaft, mit dem Prägestempel). München, Verlag der Marées-Gesellschaft, R. Piper & Co., 1923. [3326] Gerahmt. Wir berechnen auf den Hammerpreis pauschal 32% Aufgeld und 7% verauslagte Einfuhrumsatzsteuer.
MAHLER Sepp (1991 Bad Wurzach - 1975 Wangen im Allgäu) "Kruzifix" abstrakte Darstellung in dunklen Farben, Gouache, 30,5x21,5cm (Abb.), PP, R 53,5x43,5cm *Mahler begann zunächst als Kirchenmaler in Ravensburg und in Mooren Oberschwabens zu arbeiten. Er besuchte 1921/22 die Staatliche Kunstgewerbeschule Stuttgart und erhielt eine erste Ausstellung am dortigen Kunstgewerbe-Museum. Von 1922 bis 1923 studierte er an der Akademie der Bildenden Künste Stuttgart. Im Jahre 1924 schickte er von Wurzach aus Bleistiftzeichnungen, Aquarelle und einige Gedichte an Herwarth Walden, der die Berliner Galerie ''Der Sturm'' betrieb. Bilder von Mahler wurden neben Chagall, Klee, Feininger und Kokoschka ausgestellt. Seine Werke sind in zahlreichen privaten und öffentlichen Sammlungen vertreten.*
A collection of framed watercolours, oils, prints, mixed media oriental including "View of Harbour from Cobb 93" signed V. Dibling, oriental material framed in Hong Kong, a limited edition (186/1920) print of "Temple Garden" by Paul Klee, an oil painting marked to the rear as done by Pamela Ascherson whilst staying at Rockingham between 1935-9 etc
Nikos Engonopoulos (Greek, 1907-1985)Trois philosophes signé en grec et daté '37' (en bas à droite)huile sur toile106 x 93cm (41 3/4 x 36 5/8in).Peint en 1937.signed in Greek and dated (lower right) oil on canvasFootnotes:ProvenanceThe Artist's Estate.Private collection, Athens.ExpositionsAthens, Nicolas Calas residence, Exhibition of Paintings by Nikos Engonopoulos, 1939 (possibly).Venice, XXVII Esposizione Biennale Internationale d'Arte, Greek Pavilion, Nikos Engonopoulos, June 19 - October 17, 1954, no. 2 (listed in the exhibition catalogue, p. 294).Sao Paolo, Brazil, III Bienal de Sao Paolo, Museum de Arte Moderna, July-October 1955 (listed in the general exhibition catalogue, p. 161, no. 1).LittératureFiche Descriptive des Oeuvres Pavillon Grec, Venice Biennale, 1954, handwritten list, p.5, no. 40.K. Perpinioti-Agazir, Nikos Engonopoulos, Son Univers Pictural, exhibition catalogue and catalogue raisonée, Benaki Museum, Athens 2007, no. 204, p. 76 (shown in a 1954 photograph with the artist), p. 241 (illustrated), p. 409 (catalogued and illustrated).Nikos Engonopoulos, Painter and Poet, conference minutes, Benaki Museum, Athens 2010, p. 177, fn.18 (mentioned).Nikos Engonopoulos, exhibition catalogue, Andros, Museum of Contemporary Art - Basil & Elise Goulandris Foundation, 2017, p. 257 (shown in a 1954 photograph with the artist).A significant missing piece of 20th c. Greek art, discovered recently by Bonhams and returned to public view after nearly 70 years,1 this pioneering work—Engonopoulos's first surrealist oil—was shown in the 1954 Venice Biennale,2 where for the first time, Greece was represented by one artist alone.In Venice, Engonopoulos showed alongside such towering figures of modern art as Arp, Ernst, Miro, Klee, Bacon and Magritte, since the exhibition had requested participating countries to adhere to the theme of Surrealism. Prefacing the exhibition catalogue, Biennale's Secretary General R. Palluchini noted: 'Greece devotes its entire pavilion to Engonopoulos, whose work certainly is a surprise to everybody.'Here, the artist subverts—in a typical surrealist fashion—the conventional ways with which rational thought perceives the world by replacing the heads of the three philosophers with archetypal geometric forms. Paying homage to the great Cézanne who exhorted painters to depict reality in terms of simple geometric shapes and volumes, he finds in the cube, the sphere, and the triangle the underlying, basic structure of the world, the all-encompassing essential force that binds the universe. These archetypal forms echo the ideal world of Plato who considered them pure beauty and fundamental elements for building the world. Elemental and three-dimensional, these forms also seem like stemming from a Bauhaus workshop in the 1920s, forming an imaginary cultural bridge that spans the millennia. As noted by Walter Gropius, the great German architect and founder of the Bauhaus School, these original geometric shapes are purely abstract entities that dash through time and all countries, ensuring validity in all human creations.The visual act, set against the schematised and unmistakably Engonopoulian formations of travelling clouds, takes place in a shallow stage-like space that heightens the overall sense of theatricality. Engonopoulos, who never hesitated to explore the correlations between theatrical and pictorial space and introduce the theatrical into his painting,3 has once said that 'under the stage lights, with the most harmonious moves, in a coordinated whole, amidst colours and music, every human dream comes alive, flooding the soul with guileless joy, far from the obligations and obstacles of grim reality.'4 Conceived on a human scale, this kind of contained setting that both frames and accentuates human activity, seems like a faithful emulation of Greece's natural environment. The lack of vast open spaces and supernatural landscapes whose sheer size nullifies the human scale, is a typically Greek element.5 Navigating the viewer to a magical world of poetic metaphor, a host of details trigger various associations ranging from Medieval and Renaissance times (the chequered tilework echoes similar motifs by Mantegna and Giovanni Antonio Fasolo) to Giorgio de Chirico's pittura metafisica (highlighted by the triangular shape used in constructing the philosopher's head). In the left middleground, the red figure carrying a heavy bag possibly alludes to the myth of Sisyphus and the philosophical theory that existence is absurd, while in the upper right corner, the tall buildings perched on a steep hill are reminiscent of similar structures in works by Parthenis and de Chirico. Although the unexpected staging of dream-like scenes is a fascinating feature of Engonopoulos's art, no less impressive is his handling of colour. The shimmering yellow, green and orange tunics worn by the three standing figures and the enamel-like blues and reds applied without tonal gradations, sparkle like rubies and emeralds, making the entire pictorial surface shine like a stained-glass window in a Gothic cathedral.1 The painting remained accessible to scholarly research only though a black and while archival photograph published in the artist's catalogue raisonée (see Littérature).2 Up until the mid-20th century the famous Venice Biennale was the only major artistic event worldwide. Especially for outlying countries like Greece, showing in Venice was extremely important on a national level and highly enviable on a personal one.3 P. Rigopoulou, 'Nikos Engonopoulos' in D. Tsouchlou-A.Bacharian, Stage-Setting in Modern Greek Theatre [in Greek], Athens 1985, p. 141.4 Written in 1961 and reprinted in N. Engonopoulos, Works in Prose [in Greek], Ypsilon editions, Athens 1987, p. 30.5 See S. Boulakian, 'The Work of Nikos Engonopoulos' in Greek Painters - 20th Century[in Greek], Melissa editions, Athens 1974, p. 261.This lot is subject to the following lot symbols: ARAR Goods subject to Artists Resale Right Additional Premium.For further information on this lot please visit Bonhams.com
Hutschenreuther ”Marabu-Schale”Entwurf Fritz Klee 1916, grüne Stempelmarke der Abteilung für Kunst 1918-1928, Pinselnummer 32, herzförmige und leicht gewölbte Schale mit umlaufendem Blütenfries in schwarzer Aufglasurbemalung sowie rückseitig aufsitzendem Storch in naturalistischer Ausformung, in den Krallen jeweils eine Kugel haltend, sparsame Goldstaffage und Goldrand, Vergoldung und Schaleninnenseite minimalst berieben, H 16,5 cm.
Albert Hennig, Auf dem FeldBäuerinnen bei der Feldarbeit und im Hintergrund einsames Haus, aquarellierte Monotypie auf Papier, an der Unterkante von Hand zweimal signiert und datiert "AHennig (19)71", auf Unterlagekarton montiert, Blattgröße ca. 11 x 15,5 cm, beigegeben Katalog der Verkaufsausstellung "Albert Hennig Aquarelle und Pastelle" der Galerie am Sachsenplatz/Leipzig aus dem Jahre 1992. Künstlerinfo: dt. Maler, Fotograf und Graphiker (1907 Leipzig bis 1998 Zwickau), studierte 1932-33 mit Stipendium am Bauhaus Dessau/Berlin bei Joost Schmidt, Mies van der Rohe, Wassily Kandinsky, Paul Klee und Josef Albers, anschließend arbeitslos, 1935-45 als Bauarbeiter dienstverpflichtet, nach 1945 Gründungsmitglied der Gruppe „Bildender Künstler“ beim Kulturbund Zwickau, ab 1952 Mitglied des Verbandes Bildender Künstler (VBK) der DDR, wegen Auseinandersetzung mit dogmatischen Kulturfunktionären 1952-72 als Betonbauer tätig, in seiner Freizeit wächst ein bedeutendes Werk in der Tradition des Bauhauses, ab 1972 freischaffend und auch in der DDR zunehmende Anerkennung seines Schaffens, erhielt zahlreiche Auszeichnungen, unter anderem den Max-Pechstein-Preis und das Bundesverdienstkreuz, tätig in Zwickau, Quelle: Vollmer, Eisold “Maler in der DDR” und Internet.
Albert Hennig, Herrenportrait Bildnis eines Herrn mit Brille, aquarellierte Buntstiftzeichnung auf Papier, zweimal von Hand signiert "AHennig (19)72", auf Unterlagekarton montiert, Blattmaße ca. 13,5 x 10,3 cm. Künstlerinfo: dt. Maler, Fotograf und Graphiker (1907 Leipzig bis 1998 Zwickau), studierte 1932-33 mit Stipendium am Bauhaus Dessau/Berlin bei Joost Schmidt, Mies van der Rohe, Wassily Kandinsky, Paul Klee und Josef Albers, anschließend arbeitslos, 1935-45 als Bauarbeiter dienstverpflichtet, nach 1945 Gründungsmitglied der Gruppe „Bildender Künstler“ beim Kulturbund Zwickau, ab 1952 Mitglied des Verbandes Bildender Künstler (VBK) der DDR, wegen Auseinandersetzung mit dogmatischen Kulturfunktionären 1952-72 als Betonbauer tätig, in seiner Freizeit wächst ein bedeutendes Werk in der Tradition des Bauhauses, ab 1972 freischaffend und auch in der DDR zunehmende Anerkennung seines Schaffens, erhielt zahlreiche Auszeichnungen, unter anderem den Max-Pechstein-Preis und das Bundesverdienstkreuz, tätig in Zwickau, Quelle: Vollmer, Eisold “Maler in der DDR” und Internet.
Albert Hennig, Abstrahierte Figuren farbenfrohe Komposition aus abstrahierten Figuren vor hellem Grund, Bleistift und Aquarell, links unten signiert und datiert "AHennig (19)60", in den Ecken Löchlein von Reißzwecken, ungerahmt, Blattmaße ca. 21 x 29,5 cm, beigegeben Katalog zur Verkaufsausstellung "Albert Hennig Aquarelle und Pastelle" der Galerie am Sachsenplatz/Leipzig aus dem Jahr 1992. Künstlerinfo: dt. Maler, Fotograf und Graphiker (1907 Leipzig bis 1998 Zwickau), studierte 1932-33 mit Stipendium am Bauhaus Dessau/Berlin bei Joost Schmidt, Mies van der Rohe, Wassily Kandinsky, Paul Klee und Josef Albers, anschließend arbeitslos, 1935-45 als Bauarbeiter dienstverpflichtet, nach 1945 Gründungsmitglied der Gruppe „Bildender Künstler“ beim Kulturbund Zwickau, ab 1952 Mitglied des Verbandes Bildender Künstler (VBK) der DDR, wegen Auseinandersetzung mit dogmatischen Kulturfunktionären 1952-72 als Betonbauer tätig, in seiner Freizeit wächst ein bedeutendes Werk in der Tradition des Bauhauses, ab 1972 freischaffend und auch in der DDR zunehmende Anerkennung seines Schaffens, erhielt zahlreiche Auszeichnungen, unter anderem den Max-Pechstein-Preis und das Bundesverdienstkreuz, tätig in Zwickau, Quelle: Vollmer, Eisold “Maler in der DDR” und Internet.
Albert Hennig, Damenportrait Bildnis einer Dame mit Hut vor bläulich-violetten Grund, aquarellierte Kugelschreiberzeichnung auf leichtem Karton, links unten signiert und datiert "AHennig (19)72", auf Unterlagekarton geheftet und hierauf gewidmet "Frohe Tage und gute Gesundheit im neuen Lebensjahr wünschen Albert und Edit" von fremder Hand datiert "5.11.(19)85", Blattmaße ca. 10,1 x 13,4 cm, beigegeben Katalog zur Verkaufsausstellung "Albert Hennig Aquarelle und Pastelle" in der Galerie am Sachsenplatz/Leipzig aus dem Jahre 1992. Künstlerinfo: dt. Maler, Fotograf und Graphiker (1907 Leipzig bis 1998 Zwickau), studierte 1932-33 mit Stipendium am Bauhaus Dessau/Berlin bei Joost Schmidt, Mies van der Rohe, Wassily Kandinsky, Paul Klee und Josef Albers, anschließend arbeitslos, 1935-45 als Bauarbeiter dienstverpflichtet, nach 1945 Gründungsmitglied der Gruppe „Bildender Künstler“ beim Kulturbund Zwickau, ab 1952 Mitglied des Verbandes Bildender Künstler (VBK) der DDR, wegen Auseinandersetzung mit dogmatischen Kulturfunktionären 1952-72 als Betonbauer tätig, in seiner Freizeit wächst ein bedeutendes Werk in der Tradition des Bauhauses, ab 1972 freischaffend und auch in der DDR zunehmende Anerkennung seines Schaffens, erhielt zahlreiche Auszeichnungen, unter anderem den Max-Pechstein-Preis und das Bundesverdienstkreuz, tätig in Zwickau, Quelle: Vollmer, Eisold “Maler in der DDR” und Internet.
Albert Hennig, Abstraktionan eine Häuserzeile erinnernde Komposition, Monotypie auf kräftigem Papier, rechts unten signiert und datiert "AHennig (19)70", auf Unterlagekarton montiert, Blattmaße ca. 15 x 16 cm. Künstlerinfo: dt. Maler, Fotograf und Graphiker (1907 Leipzig bis 1998 Zwickau), studierte 1932-33 mit Stipendium am Bauhaus Dessau/Berlin bei Joost Schmidt, Mies van der Rohe, Wassily Kandinsky, Paul Klee und Josef Albers, anschließend arbeitslos, 1935-45 als Bauarbeiter dienstverpflichtet, nach 1945 Gründungsmitglied der Gruppe „Bildender Künstler“ beim Kulturbund Zwickau, ab 1952 Mitglied des Verbandes Bildender Künstler (VBK) der DDR, wegen Auseinandersetzung mit dogmatischen Kulturfunktionären 1952-72 als Betonbauer tätig, in seiner Freizeit wächst ein bedeutendes Werk in der Tradition des Bauhauses, ab 1972 freischaffend und auch in der DDR zunehmende Anerkennung seines Schaffens, erhielt zahlreiche Auszeichnungen, unter anderem den Max-Pechstein-Preis und das Bundesverdienstkreuz, tätig in Zwickau, Quelle: Vollmer, Eisold “Maler in der DDR” und Internet.
Albert Hennig, Abstraktionan eine hügelige Landschaft erinnernde abstrakte Komposition, Holzschnitt auf Papier, links unten von Hand signiert und datiert "AHennig (19)62", Papier leicht gegilbt, ungerahmt, Darstellungsmaße ca. 10,8 x 16,5 cm, Blattmaße ca. 26,5 x 21 cm. Künstlerinfo: dt. Maler, Fotograf und Graphiker (1907 Leipzig bis 1998 Zwickau), studierte 1932-33 mit Stipendium am Bauhaus Dessau/Berlin bei Joost Schmidt, Mies van der Rohe, Wassily Kandinsky, Paul Klee und Josef Albers, anschließend arbeitslos, 1935-45 als Bauarbeiter dienstverpflichtet, nach 1945 Gründungsmitglied der Gruppe „Bildender Künstler“ beim Kulturbund Zwickau, ab 1952 Mitglied des Verbandes Bildender Künstler (VBK) der DDR, wegen Auseinandersetzung mit dogmatischen Kulturfunktionären 1952-72 als Betonbauer tätig, in seiner Freizeit wächst ein bedeutendes Werk in der Tradition des Bauhauses, ab 1972 freischaffend und auch in der DDR zunehmende Anerkennung seines Schaffens, erhielt zahlreiche Auszeichnungen, unter anderem den Max-Pechstein-Preis und das Bundesverdienstkreuz, tätig in Zwickau, Quelle: Vollmer, Eisold “Maler in der DDR” und Internet.
Albert Hennig, Abstraktion stark abstrahierte Darstellung einer Häusergruppe, typische Arbeit von leuchtender Farbigkeit, aquarellierte Monotypie, auf Unterlagekarton signiert und datiert "AHennig (19)70", auf Rahmenrückwand diverse Angaben, unter Glas gerahmt, Blattmaße ca. 14,5 x 15,5 cm. Künstlerinfo: dt. Maler, Fotograf und Graphiker (1907 Leipzig bis 1998 Zwickau), studierte 1932-33 mit Stipendium am Bauhaus Dessau/Berlin bei Joost Schmidt, Mies van der Rohe, Wassily Kandinsky, Paul Klee und Josef Albers, anschließend arbeitslos, 1935-45 als Bauarbeiter dienstverpflichtet, nach 1945 Gründungsmitglied der Gruppe „Bildender Künstler“ beim Kulturbund Zwickau, ab 1952 Mitglied des Verbandes Bildender Künstler (VBK) der DDR, wegen Auseinandersetzung mit dogmatischen Kulturfunktionären 1952-72 als Betonbauer tätig, in seiner Freizeit wächst ein bedeutendes Werk in der Tradition des Bauhauses, ab 1972 freischaffend und auch in der DDR zunehmende Anerkennung seines Schaffens, erhielt zahlreiche Auszeichnungen, unter anderem den Max-Pechstein-Preis und das Bundesverdienstkreuz, tätig in Zwickau, Quelle: Vollmer, Eisold “Maler in der DDR” und Internet.
Albert Hennig, Frauen bei der ErnteGruppe von Frauen bei der Arbeit auf dem Feld, Monotypie und Aquarell, links unten signiert und datiert "AHennig (19)65", hinter Glas gerahmt, Blattmaße ca. 11 x 15,5 cm. Künstlerinfo: dt. Maler, Fotograf und Graphiker (1907 Leipzig bis 1998 Zwickau), studierte 1932-33 mit Stipendium am Bauhaus Dessau/Berlin bei Joost Schmidt, Mies van der Rohe, Wassily Kandinsky, Paul Klee und Josef Albers, anschließend arbeitslos, 1935-45 als Bauarbeiter dienstverpflichtet, nach 1945 Gründungsmitglied der Gruppe „Bildender Künstler“ beim Kulturbund Zwickau, ab 1952 Mitglied des Verbandes Bildender Künstler (VBK) der DDR, wegen Auseinandersetzung mit dogmatischen Kulturfunktionären 1952-72 als Betonbauer tätig, in seiner Freizeit wächst ein bedeutendes Werk in der Tradition des Bauhauses, ab 1972 freischaffend und auch in der DDR zunehmende Anerkennung seines Schaffens, erhielt zahlreiche Auszeichnungen, unter anderem den Max-Pechstein-Preis und das Bundesverdienstkreuz, tätig in Zwickau, Quelle: Vollmer, Eisold “Maler in der DDR” und Internet.
Albert Hennig, Abendlicher Heimwegspärlich beleuchtete Szene mit einem Paar unter Bäumen, Monotypie und Aquarell, unten rechts signiert und datiert "AHennig (19)75" und unten mittig nochmals datiert "(19)75", hinter Glas gerahmt, Falzmaße ca. 16,5 x 18,5 cm. Künstlerinfo: dt. Maler, Fotograf und Graphiker (1907 Leipzig bis 1998 Zwickau), studierte 1932-33 mit Stipendium am Bauhaus Dessau/Berlin bei Joost Schmidt, Mies van der Rohe, Wassily Kandinsky, Paul Klee und Josef Albers, anschließend arbeitslos, 1935-45 als Bauarbeiter dienstverpflichtet, nach 1945 Gründungsmitglied der Gruppe „Bildender Künstler“ beim Kulturbund Zwickau, ab 1952 Mitglied des Verbandes Bildender Künstler (VBK) der DDR, wegen Auseinandersetzung mit dogmatischen Kulturfunktionären 1952-72 als Betonbauer tätig, in seiner Freizeit wächst ein bedeutendes Werk in der Tradition des Bauhauses, ab 1972 freischaffend und auch in der DDR zunehmende Anerkennung seines Schaffens, erhielt zahlreiche Auszeichnungen, unter anderem den Max-Pechstein-Preis und das Bundesverdienstkreuz, tätig in Zwickau, Quelle: Vollmer, Eisold “Maler in der DDR” und Internet.
Albert Hennig, Leipziger Windmühlevon ein paar Häusern und Bäumen umgebene Windmühle unter blauem Himmel, Aquarell über Graphit, links unten signiert und datiert "AHennig (19)80", auf Rahmenrückseite diverse Angaben, unter Passepartout und hinter Glas gerahmt, Passepartoutausschnitt ca. 11,8 x 16,6 cm. Künstlerinfo: dt. Maler, Fotograf und Graphiker (1907 Leipzig bis 1998 Zwickau), studierte 1932-33 mit Stipendium am Bauhaus Dessau/Berlin bei Joost Schmidt, Mies van der Rohe, Wassily Kandinsky, Paul Klee und Josef Albers, anschließend arbeitslos, 1935-45 als Bauarbeiter dienstverpflichtet, nach 1945 Gründungsmitglied der Gruppe „Bildender Künstler“ beim Kulturbund Zwickau, ab 1952 Mitglied des Verbandes Bildender Künstler (VBK) der DDR, wegen Auseinandersetzung mit dogmatischen Kulturfunktionären 1952-72 als Betonbauer tätig, in seiner Freizeit wächst ein bedeutendes Werk in der Tradition des Bauhauses, ab 1972 freischaffend und auch in der DDR zunehmende Anerkennung seines Schaffens, erhielt zahlreiche Auszeichnungen, unter anderem den Max-Pechstein-Preis und das Bundesverdienstkreuz, tätig in Zwickau, Quelle: Vollmer, Eisold “Maler in der DDR” und Internet.
Albert Hennig, WinterwanderungFamilie auf einer verschneiten Straße zwischen Häusern mit abendlicher Wolkenstimmung, Tuschefeder und Aquarell, unten links signiert und datiert "AHennig (19)82", auf Unterlagekarton und hinter Glas gerahmt, Blattmaße ca. 15,5 x 17 cm. Künstlerinfo: dt. Maler, Fotograf und Graphiker (1907 Leipzig bis 1998 Zwickau), studierte 1932-33 mit Stipendium am Bauhaus Dessau/Berlin bei Joost Schmidt, Mies van der Rohe, Wassily Kandinsky, Paul Klee und Josef Albers, anschließend arbeitslos, 1935-45 als Bauarbeiter dienstverpflichtet, nach 1945 Gründungsmitglied der Gruppe „Bildender Künstler“ beim Kulturbund Zwickau, ab 1952 Mitglied des Verbandes Bildender Künstler (VBK) der DDR, wegen Auseinandersetzung mit dogmatischen Kulturfunktionären 1952-72 als Betonbauer tätig, in seiner Freizeit wächst ein bedeutendes Werk in der Tradition des Bauhauses, ab 1972 freischaffend und auch in der DDR zunehmende Anerkennung seines Schaffens, erhielt zahlreiche Auszeichnungen, unter anderem den Max-Pechstein-Preis und das Bundesverdienstkreuz, tätig in Zwickau, Quelle: Vollmer, Eisold “Maler in der DDR” und Internet.
Albert Hennig, Winterabendan vom Schnee bedeckten Hügeln vorbeiführender Weg mit vereinzelten Häusern und Baumgruppen im Licht des zur Neige gehenden Tages, Filzstift und Aquarell, links unten signiert und datiert "AHennig (19)81", auf Unterlagekarton und hinter Glas gerahmt, Blattmaße ca. 13,5 x 16,5 cm. Künstlerinfo: dt. Maler, Fotograf und Graphiker (1907 Leipzig bis 1998 Zwickau), studierte 1932-33 mit Stipendium am Bauhaus Dessau/Berlin bei Joost Schmidt, Mies van der Rohe, Wassily Kandinsky, Paul Klee und Josef Albers, anschließend arbeitslos, 1935-45 als Bauarbeiter dienstverpflichtet, nach 1945 Gründungsmitglied der Gruppe „Bildender Künstler“ beim Kulturbund Zwickau, ab 1952 Mitglied des Verbandes Bildender Künstler (VBK) der DDR, wegen Auseinandersetzung mit dogmatischen Kulturfunktionären 1952-72 als Betonbauer tätig, in seiner Freizeit wächst ein bedeutendes Werk in der Tradition des Bauhauses, ab 1972 freischaffend und auch in der DDR zunehmende Anerkennung seines Schaffens, erhielt zahlreiche Auszeichnungen, unter anderem den Max-Pechstein-Preis und das Bundesverdienstkreuz, tätig in Zwickau, Quelle: Vollmer, Eisold “Maler in der DDR” und Internet.
Albert Hennig, Ein Liebespaarzu schweben scheinendes Paar vor orangechangierendem Grund, aquarellierte Monotypie, links unten signiert und datiert "AHennig (19)72", auf Rahmenrückwand diverse Notate, unter Passepartout und hinter Glas gerahmt, Passepartoutausschnitt ca. 9,5 x 15 cm. Künstlerinfo: dt. Maler, Fotograf und Graphiker (1907 Leipzig bis 1998 Zwickau), studierte 1932-33 mit Stipendium am Bauhaus Dessau/Berlin bei Joost Schmidt, Mies van der Rohe, Wassily Kandinsky, Paul Klee und Josef Albers, anschließend arbeitslos, 1935-45 als Bauarbeiter dienstverpflichtet, nach 1945 Gründungsmitglied der Gruppe „Bildender Künstler“ beim Kulturbund Zwickau, ab 1952 Mitglied des Verbandes Bildender Künstler (VBK) der DDR, wegen Auseinandersetzung mit dogmatischen Kulturfunktionären 1952-72 als Betonbauer tätig, in seiner Freizeit wächst ein bedeutendes Werk in der Tradition des Bauhauses, ab 1972 freischaffend und auch in der DDR zunehmende Anerkennung seines Schaffens, erhielt zahlreiche Auszeichnungen, unter anderem den Max-Pechstein-Preis und das Bundesverdienstkreuz, tätig in Zwickau, Quelle: Vollmer, Eisold “Maler in der DDR” und Internet.
Albert Hennig, Winterabendin verschneiter Landschaft stehende Scheune unter kahlen Bäumen im Licht des zur Neige gehenden Tages, für den Künstler großformatiges Aquarell über sparsamer Graphitvorzeichnung, links unten signiert und datiert "AHennig (19)82", auf Rahmenrückwand diverse Notate, unter anderem Angabe "Zur Vorlage für Kalender 2004 siehe Dezemberbild", hinter Glas gerahmt, Falzmaße ca. 30,5 x 35 cm. Künstlerinfo: dt. Maler, Fotograf und Graphiker (1907 Leipzig bis 1998 Zwickau), studierte 1932-33 mit Stipendium am Bauhaus Dessau/Berlin bei Joost Schmidt, Mies van der Rohe, Wassily Kandinsky, Paul Klee und Josef Albers, anschließend arbeitslos, 1935-45 als Bauarbeiter dienstverpflichtet, nach 1945 Gründungsmitglied der Gruppe „Bildender Künstler“ beim Kulturbund Zwickau, ab 1952 Mitglied des Verbandes Bildender Künstler (VBK) der DDR, wegen Auseinandersetzung mit dogmatischen Kulturfunktionären 1952-72 als Betonbauer tätig, in seiner Freizeit wächst ein bedeutendes Werk in der Tradition des Bauhauses, ab 1972 freischaffend und auch in der DDR zunehmende Anerkennung seines Schaffens, erhielt zahlreiche Auszeichnungen, unter anderem den Max-Pechstein-Preis und das Bundesverdienstkreuz, tätig in Zwickau, Quelle: Vollmer, Eisold “Maler in der DDR” und Internet.
Albert Hennig, Im ParkPaar beim Spazieren auf einem Weg unter schattenspendenden Bäumen, Aquarell und Deckfarben, links unten in Blei über Stift signiert und datiert "AHennig (19)62", auf Rahmenrückwand diverse Angaben, hinter Glas gerahmt, Falzmaße ca. 30 x 43 cm. Künstlerinfo: dt. Maler, Fotograf und Graphiker (1907 Leipzig bis 1998 Zwickau), studierte 1932-33 mit Stipendium am Bauhaus Dessau/Berlin bei Joost Schmidt, Mies van der Rohe, Wassily Kandinsky, Paul Klee und Josef Albers, anschließend arbeitslos, 1935-45 als Bauarbeiter dienstverpflichtet, nach 1945 Gründungsmitglied der Gruppe „Bildender Künstler“ beim Kulturbund Zwickau, ab 1952 Mitglied des Verbandes Bildender Künstler (VBK) der DDR, wegen Auseinandersetzung mit dogmatischen Kulturfunktionären 1952-72 als Betonbauer tätig, in seiner Freizeit wächst ein bedeutendes Werk in der Tradition des Bauhauses, ab 1972 freischaffend und auch in der DDR zunehmende Anerkennung seines Schaffens, erhielt zahlreiche Auszeichnungen, unter anderem den Max-Pechstein-Preis und das Bundesverdienstkreuz, tätig in Zwickau, Quelle: Vollmer, Eisold “Maler in der DDR” und Internet.
Heiner Grimm, PeruanerinBrustbild einer jungen Peruanerin im Halbprofil mit Ohrringen und Halskette, mit flottem Pinselstrich ausgeführte, partiell pastose Malerei, Öl auf Leinwand und Keilrahmen, unten rechts signiert und datiert (Heiner Grimm 1961), gering reinigungsbedürftig, vereinzelte Kratzer, ungerahmt, Maße 60 x 50,5 cm, Künstlerinfo: ab 1964 auch „Grimm F.I.A.L.“, dt. Maler (1913 Wunsiedel bis 1985 Wunsiedel), stud. an der Staatl. Fachschule Selb bei Fritz Klee und an der Akad. München, im 2. Weltkrieg Propagandazeichner an der Front, 1950-53 in Schweden, unternahm zahlreiche Welt- und Studienreisen, u. a. 1954-59 nach Italien, Frankreich, Schweiz und Norwegen, 1959-62 Studienaufenthalte in Kalifornien, Mexiko und Arizona, 1964 Mitgl. des Internationalen Verbands für Kunst und Literatur (F.I.A.L.), signierte anschließend "Grimm F.I.A.L.", 1965 Reise nach Ägypten, 1978 in Griechenland, 1980 Studienreise nach Indonesien und Bali, 1981-82 Studienreisen nach England, Lissabon, Madeira, Marokko, Lanzarote, Spanien (Granada) und Ibiza, 1984 Studienreise nach Rio de Janeiro und Westafrika, beschickte u. a. Ausstellungen in Stockholm, Karlskrona, Würzburg, Montreux, Scottsdale/Arizona, Bad Brückenau, Hilden, Bad Kissingen und Bonn, Palm Springs, Pasadena, Los Angeles, San Francisco, Death Valley, tätig in Wunsiedel, Quelle: Website des Künstlers.
Heiner Grimm, Bäuerin in TrachtBildnis einer älteren Bäuerin in Tracht vor dunklem Grund, etwas pastose Portraitmalerei mit schöner Pinselschrift, Öl auf Sperrholz, 1964, unten rechts signiert "Heiner Grimm F.I.A.L.", rückseitig mit Künstlerwidmung "Zur Erinnerung Ihr Heiner Grimm 1964", etwas reinigungsbedürftig, in Goldstuckrahmen gerahmt, Falzmaße ca. 24 x 20 cm. Künstlerinfo: ab 1964 auch „Grimm F.I.A.L.“, dt. Maler (1913 Wunsiedel bis 1985 Wunsiedel), studierte an der Staatl. Fachschule Selb bei Fritz Klee und an der Akad. München, im 2. Weltkrieg Propagandazeichner an der Front, 1950-53 in Schweden, unternahm zahlreiche Welt- und Studienreisen, u. a. 1954-59 Studienreisen nach Italien, Frankreich, in die Schweiz und nach Norwegen, 1959-62 Studienaufenthalte in Kalifornien, Mexiko und Arizona, 1964 Mitglied des Internationalen Verbands für Kunst und Literatur (F.I.A.L.), signierte anschließend "Grimm F.I.A.L.", 1965 Reise nach Ägypten, 1978 in Griechenland, 1980 Studienreise nach Indonesien und Bali, 1981-82 Studienreisen nach England, Lissabon, Madeira, Marokko, Lanzarote, Spanien (Granada) und Ibiza, 1984 Studienreise nach Rio de Janeiro und Westafrika, beschickte u. a. Ausstellungen in Stockholm, Karlskrona, Würzburg, Montreux, Scottsdale/Arizona, Bad Brückenau, Hilden, Bad Kissingen und Bonn, Palm Springs, Pasadena, Los Angeles, San Francisco, Death Valley, tätig in Wunsiedel, Quelle: Website des Künstlers.
Prof. Karl Schmoll von Eisenwerth, Dolce Vitaspätsommerliches Idyll mit jungem eleganten Paar vor reifendem Wein am Tisch mit Früchteschale im Sonnenschein, unter strahlend blauem Himmel, während die junge Frau versonnen Gitarre spielt, blickt der junge Mann nachdenklich zum Betrachter des Gemäldes, wohl Allegorie auf irdische Genüsse und die Annehmlichkeiten des Lebens, lasierende Malerei des Jugendstils mit charaktervollem Pinselduktus, Öl auf Leinwand, links unten monogrammiert und datiert "KS-E 1910", rückseitig auf der Leinwand mehrfach bezeichnet, unter anderem signiert, datiert und ortsbezeichnet "Karl Schmoll v. Eisenwerth Stuttgart 1910", geringe Craquelure, hinterlegte Fehlstellen in der Leinwand, Retuschen, partiell verputzt und Kratzer, etwas restaurierungsbedürftig, im originalen oktogonalen Jugendstilrahmen (rest.bed.) mit ovalem Bildausschnitt gerahmt, Falzmaße ca. 103 x 127 cm. Künstlerinfo: eigentlich Karl Schmoll, nannte sich wie sein Vater "Schmoll von Eisenwerth", dt-österr. Maler, Zeichner, Graphiker, Kunstgewerbler, Plakat- und Glaskünstler (1879 Wien bis 1948 Gut Osternberg bei Braunau am Inn), Kindheit in Wien, ab 1889 in St. Wendel und ab 1895 in Darmstadt, hier erster Malunterricht bei Richard Hoelscher und Kontakt zum Jugendstil, 1898-1902 Studium an der Akademie in München bei Ludwig von Herterich und Paul Hoecker, beeinflusst von Joseph Maria Olbrich und Ferdinand Hodler, unterhielt Kontakte zur Dachauer Künstlerkolonie, zur Osternberger Künstlerkolonie und zu Emil Reynier in Braunau am Inn, regelmäßige Malaufenthalte in Dachau, Burghausen und am Chiemsee, parallel als Designer für die Glashütte von Ferdinand von Poschinger in Buchenau tätig, beschickte 1900 die Weltausstellung in Paris sowie 1901 und 1909 die Ausstellungen der Darmstädter Künstlerkolonie, 1902 Reise mit Carl Kaspar, Hermann Haller und Paul Klee nach Rom, ab 1903 Atelier in München-Schwabing, 1904-07 Lehrer für Zeichnen und Drucktechnik an der privaten Debschitz-Schule in München, 1907-46 Professor an der Technischen Hochschule Stuttgart, Schaffung mehrerer Wandgemälde, seit 1924 Gutsbesitzer im österreichischen Osternberg bei Braunau am Inn, 1927-29 Rektor der Technischen Hochschule Stuttgart, 1905-39 Mitglied der Wiener Secession, ab 1924 Mitglied und Gildemeister der Innviertler Künstlergilde, Mitglied im Künstlerbund Stuttgart, in der St.-Lukasgilde Amsterdam, in der Freien Vereinigung Düsseldorfer Künstler, im Deutschen Künstlerbund Weimar, im Bund zeichnender Künstler Münchens und im Deutschen Werkbund, tätig in Stuttgart und Osternberg, Quelle: Thieme-Becker, Vollmer, Saur "Bio-Bibliographisches Künstlerlexikon", Matrikel der Akademie in München, Bruckmann "Münchner Maler des 19./20. Jh.", Davidson, Fuchs, Müller-Singer, ÖBL, Dressler und Wikipedia.
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