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A 20th century Art Deco bronze figure sculpture in the form of a female nude raised upon stepped Damascus marble plinth base. Measures 36cm tall.

Bronze sculpture of a cat, on a marble base, after Botero, 12 cm high

Sylvain Kinsburger (1855-1935)Bronze sculpture of putto, on marble plinth, 119 cm high (restoration on left hand near bush and marble plinth)

Bronze sculpture of a dancer, marked Milo, on a marble base, 62.5 cm high in total

French marble mantel clock with zamak sculpture group of woman and putto, timepiece marked Japy Freres, dial with address Adolf Franken Amsterdam, 46 cm high, 33 cm wide

Bronze sculpture of a dancer, in Art Nouveau style, on a marble base, after D.H. Chiparus, 45 cm high

A carved bone totem type sculpture mounted on a marble base. 24 cm high.

After Edgar Bertram - 'The Winning Horse' (1872)  bronzed sculpture of jockey and horse on oval black marble base, 46 cm high

AFTER THE ANTIQUE; 'The Dying Gaul', a 19th century cast and patinated bronze study of a slumped Gaul with sword wound, reclining on his oval shield with sword to his side, height 14cm, width 27cm *A bronze copy of the marble sculpture in the Capitoline Museum in Rome, itself a copy of a now lost bronze from the Hellenistic period.

AFTER THE ANTIQUE; 19th century, a bronze study of Marcus Aurelius on horseback, modelled wearing a toga with his right arm extended, the horse with front leg raised and wearing a finely detailed saddle cloth, on a Siena marble base with gilt bronze mounts and scrolling feet decorated with owls and snakes, height 60cm. *Marcus Aurelius reigned from 173-76 A.D. The original sculpture can be seen at the Capitoline museum in Rome

AFTER IGNACE AND JOSEPH BROCHE; a 19th century French bronze study of cupids fighting for a human heart, on an oval marble base, height 29cm *the original 1787 sculpture in the Pushkin Museum, Moscow

In patinated bronze, with marble base, sculpture measures: 60 x 45 cm. Measurements set: 64x 45

JOSEP MARIA BRULL PAGÈS (Ascó, Tarragona, 1907 - Ripollet, Barcelona, 1995)."Maternity".Bronze sculpture on marble base.Signed.With the seal of the Parellada Foundry.Measurements: 41 x 13 x 13 cm.Sculptor and teacher, Josep Maria Brull was born in the Tarragona town of Ascó although he spent his childhood in Tivissa, also in Tarragona, where his father worked as a teacher. He studied to be a teacher and, at the same time, began his career as an artist, training at the Escola de La Llotja in Barcelona and at the Industrial d'Arts i Oficis in Sabadell with Antoni Vila Arrufat, where he became part of the artistic milieu of the time. After completing his studies he settled in Ripollet in 1927, although his passion for broadening his artistic path soon led him to Olot. After the war he settled in Ripollet, and in 1944 he became a teacher at the Escola Industrial d'Arts i Oficis in Sabadell, where he worked for more than thirty years. At the same time, he took part in various exhibitions and was awarded numerous renowned prizes. He also stood out as a sculptor and author of mosaics in the Roman tradition. Years after his death, in April 2008, the Ripollet municipal council approved the official anthem "Cant a Ripollet", with lyrics by Josep Maria Brull and music by Antoni Oliva, making it the first Catalan municipality with an official anthem. It is currently represented in the Academy of Fine Arts of Sabadell, as well as in various private collections.

Sven BERLIN (1911-1999)PikeThe fish carved into a green stone tablet23x161cmThe lot also includes a typed letter sent from Berlin to a 'Mr Joyce'. Within the letter, he describes the need for a 'narrow post of green marble to carve a large pike', and includes a small plan for the sculpture. The letter is signed and dated 1966.

Sven BERLIN (1911-1999)CrabConnemara marble and coralMonogrammed and dated '77Height 11.5cm, length 30.5cmExhibited - The Wimborne Bookshop - 1981 - the following note was written by the artist to accompany the description 'This is one of the most ancient of created forms flattened by the weight of the sea during its journey through millions of years. In this sculpture it is also a portrait of Tennyson Down on the Isle of Wight worn smooth by the wind and rain.'

Sven BERLIN (1911-1999)A worked stone sphere on white marble plinthThe sphere 21cm diameterCondition report: Overall this piece is in good condition. Both the plinth and the sphere display a little patina. Dimensions of plinth 18 x 48cm.The sculpture is unsigned.

French school, second half of the 18th century."Allegory of time".Bronze and marble base on wooden base.Measurements: 30 x 25 x 11.5 cm.A large rectangular wooden base, on which there is a smaller marble base, gives way to a sculpture which stands out for its gracefulness and movement. The author presents us with a male figure as the protagonist of the work, whose contraposto posture leaves one of his legs raised as if he were fighting against a wind that makes a cloth flutter, covering his sex and even his beard slightly. This finish shows us the mastery of the author, who achieves a great lightness in the sculpture through the use of a heavy material. Standing in profile to the viewer, the man turns his face towards the viewer. He stands before the viewer almost naked, with wings on his back and holding a goblet and a scythe in his left hand. These attributes make it clear that this is a representation of death, who with his scythe ends the lives of human beings and with his wings transports them to their destiny. The author conceives death in a regal and sober manner, as he presents us with the image of a mature man with a muscular body. A notable element is to be found in the choice of subject matter: the choice of two little angels, whose conception can be related to the classical tradition, although it is not a feature of the choice of the main themes, indicates the degree and taste of decorativism in the painting of the time. Allegorical sculptures emerged in the Middle Ages with the intention of exalting the qualities and situations of life. This type of portrait was used to exalt the qualities of a specific personage, such as kings or well-known personalities. In fact, during Neoclassicism, this trend came back into vogue.Bronze sculptures of this type became widely popular in 18th century France. The entry of a wealthy bourgeoisie and the enrichment of these families led to an interest in art as a way of belonging to the cultural elite of their respective cities. As a result, there was a proliferation in the consumption of decorative elements that gave a good indication of the status and social class to which they belonged.

GASTON D'ILLIERS (1876-1952) - BRONZE SCULPTURE OF A HORSE a bronze sculpture Bucking Percheron, with the horse bucking and balanced on one foot, with a circular bronze base and mounted on a square marble plinth. Also with another similar figure, of slightly smaller proportions. Both signed to the bronze G D'illiers, one figure loose from the base and with the remains of a trade label underneath. 16.5cms and 14.5cms high. (2) *This model was used as a study for a car mascot, Gaston D'illiers is best known for his sculptures of horses.

JORAM MARIGA (1927-2000) - LARGE MARBLE SCULPTURE OF A MAN, ZIMBABWE a large marble sculpture of a man with hands clasped, exhibited at the Seventh Annual Exhibition of Arts & Design in 1964-1965, open to all residents of Rhodesia, Zambia & Malawi. Item No 169, White Figure, Marble, private collection. With a folder of paperwork including original receipt from the Rhodes Gallery in 1964, Exhibition catalogue etc. 41cms high, and with carved J M signature to the back of the sculpture. *Joram Mariga has been called the father of Zimbawean sculpture, because of his influence of sculpture on the local community from the 1950's onwards. The sculptural movement he was part of is referred to as Shona Sculpture.

OLIVIA GUZMAN (MEXICO, B 1944) - LARGE BRONZE SCULPTURE a bronze limited edition sculpture of a female torso, mounted on a marble base. Signed and marked 7/10, and with a plaque with the artists name on the base. 41cms high

A surrealist bronze sculpture, flexed arms within saw wheels, unsigned, on veined black marble base, length 30cm, height 20cm

A large modernist bronze sculpture, mother and childindistinctly signed on her robe, , on green marble base, length 35cm, height 26cm

A small bronze Sophocles bust sculpture, on stepped green marble base, unsigned, height 17cm

A large D Brucciani painted plaster bust 'Apollo Belvedere' after the antique, on marble, wood and scagliola column plinth, sculpture 80cm high, plinth 112cm high.

A heavy marble carved sculpture in the neoclassical style, depicting a horse with rider, mounted upon metal plinth, marble itself 62cm x 42cm

David Cornell bronze sculpture 'Champion Finish': featuring Lester Piggott on Nijinsky dated 1985, on marble base, height 20cm.

Sculpture in marble, woman with old and young face H55x59

Sculpture in marble, signed H34 cm

Sculpture in Marble H200

Deutsches Reich 1933 - 1945 - Kunst : Professor Theodor Linz.Porträtkopf des Führers und Reichskanzlers Adolf Hitler. Bronze, auf zeitgenössischem, schwarzen Marmorsockel montiert. Am rückseitigen Halsabschnitt Künstlersignatur "TH. LINZ". Sehr qualitätvolle Schreibtischdekoration in hervorragender Qualität. Professor Theodor Linz (geb. 9. Februar 1886 in Fürth; gest. 24. Juli 1979 in München[war ein Fürther Bildhauer. Theodor Linz wurde am 9. Februar 1886 als Sohn des Fürther Metallschlägers und Kaufmanns Nikolaus Linz und seiner Frau Pauline, geb. Seifert, in der Gartenstraße 17 in Fürth geboren. Nach der Schulzeit begann er zunächst sein Studium an der Königlichen Kunstgewerbeschule in Nürnberg. Ab November 1908 belegte er den Kurs Bildhauerei von Professor Balthasar Schmitt (1858 - 1942) an der Akademie der Bildenden Künste München. Sein Bruder Peter Linz studierte Malerei. Mit Beginn des Ersten Weltkriegs wurde Theodor Linz im Oktober 1914 in Neu-Ulm zum 12. bayerischen Reserve-Infanterie-Regiment eingezogen und meldete sich anschließend freiwillig zum 1. bayerischen Feldartillerie-Regiment in München. Bereits im März 1915 wurde er jedoch als untauglich wieder aus dem Militärdienst entlassen. 1917 erhielt er den Rom-Preis. Während der Zeit des Nationalsozialismus stellte Theodor Linz von 1939 bis 1943 auf der Großen Deutschen Kunstausstellung in München aus. Desweiteren fertigte er Auftragsarbeiten wie Büsten, Schilde, etc. für die Nationalsozialisten an. Seine Wohnung befand sich zu dieser Zeit im Erdgeschoss eines großen Jugendstil-Mietshauses in der Adelheidstraße 6 im Münchner Stadtbezirk Maxvorstadt. Gesamthöhe:27 cm., Kopf: 22 cm.The Third German Reich 1933 - 1945 - Art in The Third Reich 1933 - 1945 : Professor Theodor Linz.Porträtkopf des Führers und Reichskanzlers Adolf Hitler. Bronze, mounted on contemporary black marble base. On the back neck section artist's signature "TH. LINZ". Very high quality desk decoration in excellent quality. Professor Theodor Linz (born February 9, 1886 in Fürth; died July 24, 1979 in Munich[was a Fürth sculptor. Theodor Linz was born on February 9, 1886, the son of Nikolaus Linz, a metalworker and merchant from Fürth, and his wife Pauline, née Seifert, at Gartenstrasse 17 in Fürth. After leaving school, he first began his studies at the Royal School of Arts and Crafts in Nuremberg. From November 1908 he took the sculpture course taught by Professor Balthasar Schmitt (1858 - 1942) at the Academy of Fine Arts in Munich. His brother Peter Linz studied painting. With the beginning of World War I, Theodor Linz was drafted into the 12th Bavarian Reserve Infantry Regiment in Neu-Ulm in October 1914 and then volunteered for the 1st Bavarian Field Artillery Regiment in Munich. As early as March 1915, however, he was discharged from military service as unfit. In 1917 he received the Rome Prize. During the National Socialist era, Theodor Linz exhibited at the Great German Art Exhibition in Munich from 1939 to 1943. Furthermore, he made commissioned works such as busts, shields, etc. for the National Socialists. His apartment at the time was on the first floor of a large Art Nouveau apartment building at Adelheidstraße 6 in the Maxvorstadt district of Munich. Total height:27 cm., head: 22 cm.

A modern cast bronzed metal sculpture, modelled as a horse and rider, circa 1980s, on integral rectangular base and black marble platform, unsigned, 39 by 16 by 42.5cm high.

A FRENCH SPELTER SCULPTURE OF A SEATED FIGURE PERSONIFYING AUTUMN (2)Late 19th Century Mounted on a variegated pink marble plinth, 34cm; Together with a bronze patinated figure of a Water Carrier, on a cylindrical walnut base, 38cm highCondition report: The seat Maiden or personification of harvest, with a rubbed patination revealing the silvery alloy metal beneath and general oxidisation. Dirt an d dust overall, particularly to the recesses. A chipped area to the base, on a rock below her foot.  The Water Carrierwith rubbed areas commensurate with use and age. Buckets loose and with various small dents. Plinth a little won with some hairline shrinkage and chips. 

Maria mit dem Kinde nach Nino PisanoHöhe: 61 cm. Nach einem Modell von Nino Pisano.Sizilien, 15. Jahrhundert.Beigegeben ein Essay von María Encarnación Cabello Díaz, Málaga über die Madonna in Trapani, in Kopie. Die hier angebotene Darstellung in teils golddekoriertem Alabaster geht auf die Marmorskulptur „Madonna von Trapani“ in Santissima Annunziata, Trapani zurück, die 172 cm misst und wohl von einem Nachfolger von Nino Pisano (1315-1368?) stammt. Vermutlich wurde sie von einem auf Zypern tätigen Meister Pisanischer Herkunft gefertigt. Die wundertätige Skulptur war sehr beliebt in Trapani und wurde in Marmor und Alabaster im späten Mittelalter und später wiederholt sowohl für die private Andacht als auch etwa für die Kathedrale von Palermo. Auch als Patronin der Seefahrer ist dieser Typus beliebt – wurde die Marmorskulptur in Trapani doch – so sagt man – im Meer gefunden, nachdem sie aufgrund heftigen Seeganges von den Transporteuren der Figur in das Meer geworfen wurde. Die Figur wurde unter anderem von Francesco Laurana und Domenico Gagini wiederholt.Literatur: Vgl. Anita Fiderer Moskowitz, The Sculpture of Andrea and Nino Pisano, Cambridge 1986, S. 156. Vgl. María Encarnación Cabello Díaz: María Santísima de Reapani (Sicilia), in: Advocaciones Marianas de Gloria: SIMPOSIUM (XX Edición), San Lorenzo del Esdorial, 6.-9. Septembet 2012, s. 1049-1062. (1300592) (13)The virgin and christ childafter Nino PisanoHeight: 61 cm.After a model by Nino Pisano. Sicily, 15th century.A copy of the essay by María Encarnación Cabello Díaz, Málaga about the Madonna in Trapani is enclosed.The sculpture on offer for sale in this lot in parcel-gilt alabaster draws on a marble sculpture titled “Madonna of Trapani” in the Santissima Annunziata, Trapani, which measures 172 cm and was probably created by a follower of Nino Pisano (1315-1368?). It is likely that it was made by a master of Pisan origin active in Cyprus. Among others, the figure was repeated by Francesco Laurana and Domenico Gagini.Literature:cf. Anita Fiderer Moskowitz, The Sculpture of Andrea and Nino Pisano, Cambridge 1986, p. 156.cf. María Encarnación Cabello Díaz: María Santísima de Reapani (Sicilia), in: Advocaciones Marianas de Gloria: SIMPOSIUM (XX Edición), San Lorenzo del Esdorial, 6.-9. Septembet 2012, pp. 1049-1062.

Directoire-Pendule52 x 69 x 15 cm. Das Zifferblatt signiert „Mathieu l‘Aine a Paris“. Paris, um 1795.Sicherlich unter der Aufsicht von Dominique Daguerre entstanden. Die Figuren nach Modellen des Bildhauers Louis-Simon Boizot.Das Gehäuse wird dem Bronzegießer François Rémond zugeschrieben. Bedeutende Kaminuhr, genannt „L‘Etude et la philosophie“, aus sehr fein ziselierter, vergoldeter und patinierter Bronze und weißem Carrara-Marmor. Das runde emaillierte Zifferblatt ist mit „Mathieu l‘Aine a Paris“ für Claude-Mathieu dit l‘Aîné signiert (1722-um 1815, Meister ab 1754) signiert und zeigt durch drei Zeiger aus gebläutem Stahl und vergoldetem Kupfer die Stunden in arabischen Ziffern, die Minuten in Fünfzehnerschritten und die Tage des Monats an. Das Uhrwerk befindet sich in einem runden Gehäuse, das auf einem Basrelief mit Putten, die versuchen, ein Feuer zu entzünden, ruht und einen prächtigen Adler mit ausgebreiteten Flügeln trägt, der Blitze in seinen Krallen hält; auf beiden Seiten sitzen zwei allegorische Figuren aus vergoldeter Bronze im antiken Stil, die einen jungen Mann der mit einem Griffel auf einem Tablett schreibt, und eine junge Frau, die ein Buch liest. Das Ganze ist von einem stilisierten Blattwerkfries umgeben und ruht auf einem viereckigen Sockel mit abgerundeten Seiten aus weißem Marmor, der reich mit ziselierten und vergoldeten Bronzemotiven verziert ist, wie dem Maskaron eines bärtigen Mannes, der von geflügelten Amoretten eingerahmt wird, deren Körper sich in arabeskenartigen Blätterranken fortsetzen, und kreisförmigen Medaillons mit Masken in der Mitte; schließlich tragen sechs Füße die gesamte Uhr. Dieses Modell wird oft fälschlicherweise als „Les Arts et les Lettres“, „L‘Etude et la Philosophie“, „aux Maréchaux“ oder „Les Liseuses“ bezeichnet, taucht aber nur unter dem Namen „L‘Etude“ in der Geschäftskorrespondenz zwischen dem Ziseleur und Vergolder François Rémond und dem Händler Dominique Daguerre auf, dem wichtigsten Händler von Luxusgegenständen während der Herrschaft Ludwigs XVI; die vorbereitende Zeichnung der Uhr, die von Rémonds Hand mit Anmerkungen versehen war, wurde im Februar 1981 bei einer Auktion in Paris angeboten (abgebildet in Hans Ottomeyer, Peter Pröschel, Vergoldete Bronzen. Die Bronzearbeiten des Spätbarock und Klassizismus, Bd. I, München 1986, S.295, Abb. 4.17.5). Die Komposition, die ab 1784 entstand, zeigte zwei Figuren, die 1776 von dem Bildhauer Louis-Simon Boizot (1743-1809) für die Manufacture royale de Sèvres geschaffen worden waren und ein lesendes Mädchen und einen schreibenden jungen Mann unter den Namen „l'étude“ und „la philosophie“ darstellten (siehe einen Biskuit aus Sèvres von diesem Modell, der in der Jones Collection im Victoria & Albert Museum in London aufbewahrt wird (abgebildet in Hans Ottomeyer, Peter Pröschel, Vergoldete Bronzen. Die Bronzearbeiten des Spätbarock und Klassizismus, Bd. I, München 1986, S. 294, Abb. 4.17.2). Diese Figuren wurden von Daguerre genutzt, der Rémond beauftragte, sie an eine Säule anzulehnen, die ein Uhrwerk mit einem Adler trug, und so eine der erfolgreichsten neoklassizistischen Pendeluhren der Pariser dekorativen Kunst am Ende der Herrschaft Ludwigs XVI zu schaffen, die sofort einen enormen Erfolg bei den großen Liebhabern dieser Zeit hatte. Bereits Ende des 18. Jahrhunderts wurden in einigen Dokumenten Pendeluhren dieses Modells bei den großen Sammlern der Zeit erwähnt. Heute sind unter den Pendeluhren dieses Modells Varianten, die in den großen internationalen öffentlichen und privaten Sammlungen verzeichnet sind, insbesondere folgende zu nennen: Ein erstes Exemplar mit einem Zifferblatt, das mit „Dubuc jeune“ signiert ist, wird im Quirinalspalast in Rom ausgestellt (erschienen in Alvar Gonzales-Palacios, Il patrimonio artistico del Quirinale, Gli Arredi francesi, Mailand 1996, S. 308, Nr. 89); ein zweites wird im Salon des Aides de camp im Elysée-Palast aufbewahrt (siehe M. und Y. Gay, „Du Pont d‘Iéna à l‘Elysée“, in Bulletin de l‘association nationale des collectionneurs et amateurs d'horlogerie ancienne (ANCAHA), Sommer 1993, Nr. 67, S. 12); ein drittes, das Zifferblatt von „Mercier à Paris“, befindet sich in den Sammlungen der Banque de France in Paris (abgebildet in M. et Y. Gay, „L‘ANCAHA à la Banque de France“, in Bulletin ANCAHA, Sommer 1995, Nr. 73, S. 76); und ein viertes, das wahrscheinlich aus den früheren Sammlungen von König Ludwig XVI stammt, ist abgebildet in C. Baulez, „Les bronziers Gouthière, Thomire et Rémond“, im Ausstellungskatalog Louis-Simon Boizot 1743-1809, Sculpteur du roi et directeur de l'atelier de sculpture à la Manufacture de Sèvres, Paris 2001, S. 287, Abb. 9. Abschließend sei noch darauf hingewiesen, dass drei Pendeluhren dieses Typs in den königlichen Sammlungen Spaniens zu finden sind (siehe J. Ramon Colon de Carvajal, Catalogo de relojes del Patrimonio nacional, Madrid 1987, S. 62, 64 und 92), während drei weitere Exemplare in den königlichen Sammlungen Englands zu finden sind (erschienen in Cedric Jagger, Royal Clocks. The British Monarchy and its Timekeepers 1300-1900, London 1983, S. 211-212).François Rémond (um 1747-1812) war einer der wichtigsten Pariser Ziseleur-Goldschmiede des letzten Drittels des 18. Jahrhunderts. Er begann seine Lehre im Jahr 1763 und erhielt 1774 seine Meisterbriefe. Dank seines Talents konnte er sich sofort einen reichen Kundenstamm aufbauen, zu dem auch einige Persönlichkeiten des Hofes gehörten. Voll funktionsfähig. Anmerkung: Claude Mathieu wurde in Troyes geboren und ist unter dem Namen l'Ainé bekannt, um ihn von seinem jüngeren Bruder Edme, genannt Mathieu le Jeune (gestorben nach 1806), zu unterscheiden, der ebenfalls als Uhrmacher arbeitete. Mathieu l‘Ainé, arbeitete 1743 zunächst als Geselle in Paris. Etwas mehr als ein Jahrzehnt später, am 31. Juli 1754, wurde er durch ein Dekret vom 25. Juni dieses Jahres als Pariser Uhrmachermeister aufgenommen. Im Jahr 1754 war er in der Rue Neuve des Capucines ansässig, doch 1757 arbeitete er von der Rue Saint-Honoré aus gegenüber dem Hôtel de Noailles. Sein Status war so hoch, dass er 1793 zum Mitglied der Jury ernannt wurde, die für die Angelegenheiten des neuen Zeitsystems zuständig war. (1300161) (11)Directoire pendule52 x 69 x 15 cm.The dial is signed “Mathieu l’Aine a Paris”.Paris, ca. 1795.This clock was certainly created under the supervision of Dominique Daguerre. The figures are based on models by the sculptor Louis-Simon Boizot. The case is attributed to the bronze caster François Rémond. Important mantel clock, also known as “L'Etude et la philosophie”, made of very finely chased, gilt and patinated bronze and white Carrara marble. The round enamelled dial is signed “Mathieu l’Aine a Paris” for Claude-Mathieu dit l’Aîné (1722-ca. 1815, master from 1754). In full functional order.

Pariser Directoire-Pendule52 x 69 x 15 cm. Das Zifferblatt signiert „Piolaine à Paris“ (Michel-François Piolaine, Meister ab 1787/89). Paris, um 1795.Das hier angebotene Meisterwerk der Uhrmacherkunst ist sicherlich unter der Aufsicht des Händlers Dominique Daguerre entstanden. Die Figuren wurden nach Modellen des Bildhauers Louis-Simon Boizot gefertigt. Das Gehäuse wird dem Bronzegießer François Rémond zugeschrieben. Bedeutende Kaminuhr, genannt „L‘Etude et la philosophie“, aus sehr fein ziselierter, vergoldeter sowie brünierter Bronze und braunweiß geädertem Marmor. Das runde emaillierte Zifferblatt ist mit „Piolaine a Paris“ für Michel-François Piolaine, Meister ab 1787/89 signiert und zeigt durch drei Zeiger aus vergoldetem Kupfer bzw. gebläutem Stahl die Stunden in arabischen Ziffern, die Minuten in Fünfzehnerschritten und die Tage des Monats an. Das Uhrwerk befindet sich in einem runden Gehäuse, das auf einem Basrelief mit Putten, die versuchen, ein Feuer zu entzünden, ruht und einen prächtigen Adler mit ausgebreiteten Flügeln trägt, der Blitze in seinen Krallen hält; auf beiden Seiten sitzen zwei allegorische Figuren aus vergoldeter Bronze im antiken Stil, die einen jungen Mann der mit einem Griffel auf einem Tablett schreibt, und eine junge Frau, die ein Buch liest. Das Ganze ist von einem stilisierten Blattwerkfries umgeben und ruht auf einem viereckigen Sockel mit abgerundeten Seiten aus weißem Marmor, der reich mit ziselierten und vergoldeten Bronzemotiven verziert ist, wie dem Maskaron eines bärtigen Mannes, der von geflügelten Amoretten eingerahmt wird, deren Körper sich in arabeskenartigen Blätterranken fortsetzen, und kreisförmigen Medaillons mit Masken in der Mitte; schließlich tragen sechs Füße die gesamte Uhr. Dieses Modell wird oft fälschlicherweise als „Les Arts et les Lettres“, „L'Etude et la Philosophie“, „aux Maréchaux“ oder „Les Liseuses“ bezeichnet, taucht aber nur unter dem Namen „L‘Etude“ in der Geschäftskorrespondenz zwischen dem Ziseleur und Vergolder François Rémond und dem Händler Dominique Daguerre auf, dem wichtigsten Händler von Luxusgegenständen während der Herrschaft Ludwigs XVI; die vorbereitende Zeichnung der Uhr, die von Rémonds Hand mit Anmerkungen versehen war, wurde im Februar 1981 bei einer Auktion in Paris angeboten (abgebildet in Hans Ottomeyer, Peter Pröschel, Vergoldete Bronzen. Die Bronzearbeiten des Spätbarock und Klassizismus, Bd. I, München 1986, S. 295, Abb. 4.17.5). Die Komposition, die ab 1784 entstand, zeigte zwei Figuren, die 1776 von dem Bildhauer Louis-Simon Boizot (1743-1809) für die Manufacture royale de Sèvres geschaffen worden waren und ein lesendes Mädchen und einen schreibenden jungen Mann unter den Namen „l'étude“ und „la philosophie“ darstellten (siehe einen Biskuit aus Sèvres von diesem Modell, der in der Jones Collection im Victoria & Albert Museum in London aufbewahrt wird (abgebildet in Hans Ottomeyer, Peter Pröschel, Vergoldete Bronzen. Die Bronzearbeiten des Spätbarock und Klassizismus, Bd. I, München 1986, S. 294, Abb. 4.17.2)). Diese Figuren wurden von Daguerre genutzt, der Rémond beauftragte, sie an eine Säule anzulehnen, die ein Uhrwerk mit einem Adler trug, und so eine der erfolgreichsten neoklassizistischen Pendeluhren der Pariser dekorativen Kunst am Ende der Herrschaft Ludwigs XVI zu schaffen, die sofort einen enormen Erfolg bei den großen Liebhabern dieser Zeit hatte. Bereits Ende des 18. Jahrhunderts wurden in einigen Dokumenten Pendeluhren dieses Modells bei den großen Sammlern der Zeit erwähnt. Heute sind unter den Pendeluhren dieses Modells Varianten, die in den großen internationalen öffentlichen und privaten Sammlungen verzeichnet sind, insbesondere folgende zu nennen: Ein erstes Exemplar mit einem Zifferblatt, das mit „Dubuc jeune“ signiert ist, wird im Quirinalspalast in Rom ausgestellt (erschienen in Alvar Gonzales-Palacios, Il patrimonio artistico del Quirinale, Gli Arredi francesi, Mailand 1996, S. 308, Nr. 89); ein zweites wird im Salon des Aides de camp im Elysée-Palast aufbewahrt (siehe M. und Y. Gay, „Du Pont d'Iéna à l'Elysée“, in Bulletin de l‘association nationale des collectionneurs et amateurs d'horlogerie ancienne (ANCAHA), Sommer 1993, Nr. 67, S. 12); ein drittes, das Zifferblatt von „Mercier à Paris“, befindet sich in den Sammlungen der Banque de France in Paris (abgebildet in M. et Y. Gay, „L‘ANCAHA à la Banque de France“, in Bulletin ANCAHA, Sommer 1995, Nr. 73, S. 76); und ein viertes, das wahrscheinlich aus den früheren Sammlungen von König Ludwig XVI stammt, ist abgebildet in C. Baulez, „Les bronziers Gouthière, Thomire et Rémond“, im Ausstellungskatalog Louis-Simon Boizot 1743-1809, Sculpteur du roi et directeur de l'atelier de sculpture à la Manufacture de Sèvres, Paris 2001, S. 287, Abb. 9. Abschließend sei noch darauf hingewiesen, dass drei Pendeluhren dieses Typs in den königlichen Sammlungen Spaniens zu finden sind (siehe J. Ramon Colon de Carvajal, Catalogo de relojes del Patrimonio nacional, Madrid 1987, S. 62, 64 und 92), während drei weitere Exemplare in den königlichen Sammlungen Englands zu finden sind (erschienen in Cedric Jagger, Royal Clocks. The British Monarchy and its Timekeepers 1300-1900, London 1983, S. 211-212). François Rémond (um 1747-1812) war einer der wichtigsten Pariser Ziseleur-Goldschmiede des letzten Drittels des 18. Jahrhunderts. Er begann seine Lehre im Jahr 1763 und erhielt 1774 seine Meisterbriefe. Dank seines Talents konnte er sich sofort einen reichen Kundenstamm aufbauen, zu dem auch einige Persönlichkeiten des Hofes gehörten. Claude Mathieu wurde in Troyes geboren und ist unter dem Namen l'Ainé bekannt, um ihn von seinem jüngeren Bruder Edme, genannt Mathieu le Jeune (gestorben nach 1806), zu unterscheiden, der ebenfalls als Uhrmacher arbeitete. Mathieu l'Ainé, arbeitete 1743 zunächst als Geselle in Paris. Etwas mehr als ein Jahrzehnt später, am 31. Juli 1754, wurde er durch ein Dekret vom 25. Juni dieses Jahres als Pariser Uhrmachermeister aufgenommen. Im Jahr 1754 war er in der Rue Neuve des Capucines ansässig, doch 1757 arbeitete er von der Rue Saint-Honoré aus gegenüber dem Hôtel de Noailles. Sein Status war so hoch, dass er 1793 zum Mitglied der Jury ernannt wurde, die für die Angelegenheiten des neuen Zeitsystems zuständig war. Nicht auf Funktionsfähigkeit geprüft. (1300613) (1) (13)Paris Directoire pendule52 x 69 x 15 cm.Dial signed “Piolaine à Paris” (Michel-François Piolaine, master since 1787/1789).Paris, ca. 1795.The horological masterpiece on offer for sale in this lot was certainly created under the supervision of the dealer Dominique Daguerre. The figures are based on models by the sculptor Louis-Simon Boizot. The case is attributed to the bronze caster François Rémond. Important mantel clock, also known as “L’Étude et la Philosophie”. Made of very finely chased, gilt and burnished bronze and brown-white veined marble.

Bronzefigur „Venus“Höhe: 56 cm. Gesamthöhe mit zugehörigem vergoldetem Rundsockel: 59 cm. Frankreich, Ende 18. Jahrhundert.Bronze, braunschwarz patiniert. Nach Vorbild der antiken Marmorfigur des ersten vorchristlichen Jahrhunderts, bekannt geworden als „Venus de Medici“ (Uffizien, Florenz), wiederum nach der von Praxiteles geschaffenen „Aphrodite von Knidos“. Die hier präsentierte, fein gearbeitete Bronzefigur folgt dem Marmorvorbild, allerdings lässt sich die Auffassung der Zeit des 18. Jahrhunderts erkennen, mit schlankerer, der Eleganz der Zeit verpflichteten Körperlichkeit. Die Figur wurde schon im 17. Jahrhundert und danach vielfach nachgebildet. Die dunkle Lackpatina, aber auch die elegante Standhaltung im Kontrapost lässt auf eine Arbeit einer französischen Werkstatt des 18. Jahrhunderts schließen. A. R. (12918148) (11)Bronze figure „Venus“Height: 56 cm.Total height with matching round gilt base: 59 cm.France, end of the 18th century.Bronze, with blackish-brown patina. Modelled on the antique marble sculpture of the first century BC, known as “Venus de Medici” (Uffizi, Florence) and in turn modelled after “Aphrodite of Knidos” created by Praxiteles.

Bronzefigur der liegenden AriadneHöhe: 34 cm. Länge: 51 cm. Tiefe: 22 cm. Frankreich, 18./ 19. Jahrhundert.Bronzeguss, schwarze Lackpatina, auf grauer Gußstein-Sockelplatte über Spindelfüßen, mit umlaufendem vergoldetem Ornamentfries. Die Frauenfigur der griechischen Mythologie liegt auf einem Kissenlager mit erhöhtem Polster, die Beine übereinandergelegt, den Kopf in die Hand gestützt, den rechten Arm über den Kopf gelegt. Ariadne war der Sage nach die Tochter des kretischen Königs Minos, die Perseus half, den Minotauros zu besiegen. Nach dem Schriftsteller Hesiod wurde sie am Strand der Insel Naxos verlassen und schlafend aufgefunden. Dieser Aspekt wurde schon in der griechischen Bildwelt thematisiert. Die Figur ist eine verkleinerte Kopie der römischen Marmorfigur, die sich in den Vatikanischen Museen befindet. Sie wurde von Papst Julius II 1512 für den Cortile delle Statue im Belvedere erworben. Die römische Skulptur geht auf ein hellenistisches Original zurück, geschaffen in der Pergamon-Bildhauerschule des 2. Jahrhunderts v. Chr. A.R. (12718114) (11)Bronze sculpture of reclining AriadneHeight: 34 cm.Length: 51 cm.Depth: 22 cm.France, 18th/ 19th century.Bronze casting with black lacquer patina and grey cast stone base plate on spindle feet with revolving gilt ornamental frieze. The sculpture is a smaller copy after a Roman marble sculpture held at The Vatican Museums.

Frederick E. McWilliam HRUA RA (1909 - 1992)Study for 'Princess Macha of the Golden Hair of the House of UlsterResin, 19.5 x 29 x 49cm high (7¾ x 11½ x 19¼'')Raised on black marble base, 23 x 17 x 4cm (9 x 6¾ x 1½'')Provenance: With James Wray Gallery, Belfast, where purchased by the current owner.In 1957 F. E. McWilliam was commissioned to make a bronze sculpture of Princess Macha to stand outside Britain's first National Health Hospital, situated at Altnagelvin a few miles outside Derry, which was opened to the public in February 1960.The details of the subject, the Celtic goddess Macha, were stipulated by the Northern Ireland Hospital's Authority. Macha was reputed to have founded the first hospital in Ireland at Eamhain Mhacha in 300BC. A dove, a symbol of St Colmcille who built Derry's first infirmary at his monastery in the 6th century, sits on one of her hands and of course also symbolises Peace. At first the piece caused a public outcry but it later became  a talisman for the hospital, greatly loved by patients, visitors and staff alike. The hospital was designed by the architect Eugene Rosenberg who was later to become a close friend and patron of McWilliam.McWilliam produced numerous studies and maquettes in preparation for the full size version and the present lot is one such resin maquette.

A WHITE MARBLE FIGURE OF WISDOM BY GEORGE SIMONDS (1843-1929), DATED '1872' the scantily clad maiden standing on a tortoise, holding a sphere in her right hand, the base signed and dated 'George Simonds Romae Fec. MDCCCLXXII' 114.4cm high Catalogue Note George Blackall Simonds was a sculptor and director of H & G Simonds Brewery in Reading. In 1858 he went to study sculpture under Professor Johannes Schilling in Dresden and he lived and worked in Rome for 12 years from 1864.

A MARBLE GROUP OF PUTTI MUSICIANS FRENCH OR ITALIAN, C.1880 modelled with five cherubs playing various musical instruments, the base strewn with flowers, weathered, in two pieces and with losses 65cm high, 91.5cm wide Catalogue Note A similar group of cherub musicians by Guillaume was sold by Christie's, Important 19th century Furniture and Sculpture, 20th March 2003, lot 189.

A contemporary sterling silver mounted sculpture representing David and Goliath, raised on a stone mount terminating on a marble plinth base, the white metal figure stamped 925, length 8cm.Additional InformationThere is a sliver chip to one edge of the stone, tarnishing, knocks.

JENNINE PARKER; a limited edition bronze sculpture, 'Moonlight', 113/195, raised on marble plinth base, height cm, with certificate and original box. (D)Additional InformationThis lot qualifies for Artist Resale Rights. For further information, please visit http://www.dacs.org.uk or http://artistscollectingsociety.org

A painted turned wooden column or sculpture plinth with marble inset top and on a square base, the marble inset top 29cm diameter, the plinth base 33cm square, the column 83cm high overallCondition report: Minor marks, dents and scratches due to age and use, some very slight chips and knocks to the marble inset top, some opening up of joints in a very minor sense to the column, some losses to the paint, generally good usable condition

Jean-Louis Gregoire, 1840 Paris-1890 ebenda, Studium a. d. Ecole des Beaux-Arts Paris, debütierte 1867 auf dem Salon, vornehmlich Genreplastiken, hier: Bronzeskulptur 'Mozart', Darstellung des jungen Genies beim feinfühligen Stimmen der Geige, dunkelbraun patiniert, auf grünem Marmorsockel, signiert L. Gregoire, gestempelt 'Exposition Universelle 1900 Medaille D'or', Alterssp., H.ca. 39 cmJean-Louis Gregoire, 1840 Paris-1890 ibid, studied at the Ecole des Beaux-Arts Paris, made his debut at the Salon in 1867, mainly genre sculptures, here: Bronze sculpture 'Mozart', depiction of the young genius sensitively tuning the violin, dark brown patina, on green marble base, signed L. Gregoire, stamped 'Exposition Universelle 1900Medaille D'or', traces of age, h. approx. 39 cm

Französische Bronzestatuette von Pradier, um 1850-70 Skulptur der altgriechischen Dichterin Sappho, am Fuß signiert "Pradier", mit Gießerstempel "SUSSE FRES", patinierte Bronze, auf gestuftem Sockel aus rotem Marmor und Bronze mit eingelassener Plakette, Gesamthöhe 41 cm. - Die Figur war ehemals für Kerzen vorgesehen und wurde Anfang des 20. Jahrhunderts elektrifiziert. - Anmerkung: Jean-Jacques Pradier (1790 -1852) war ein französischer Bildhauer und bekannt für seine Arbeiten im neoklassischen Stil. - Die Pariser Gießerei Susse Frères ist bekannt für ihre feinen Bronzegüsse mit hervorragend aufgetragener Patina. Der Stempel auf dieser Statuette wurde von ihnen von ca. 1850 bis 1870 verwendet. Start Price: EUR 180 French Bronze Figure by Pradier, c. 1850-70 Sculpture of the ancient Greek poet Sappho, signed "Pradier" on the foot, with foundry stamp "SUSSE FRES", patinated bronze, on stepped red marble and bronze figural base with inset recessed plaque, overall height 16 in., a figural candelabra, electrified during the early 20th century. - Note: Jean-Jacques Pradier (1790-1852) was a French sculptor and known for his work in the neoclassical style. - The Susse Frères foundry firm from Paris attained recognition for its bronze castings and finely applied patinas. The stamp on this statue was in use from c. 1850 to 1870. Start Price: EUR 180

unbekannt, Bronzeskulptur des Borghesischen Fechters, 20. Jh.Skulptur-Bronze auf Marmorsockel montiert. Patina. Wie beim Original fehlen Schwert und Schild. Marmorsockel gebrochen. H. 50 cm unknown, Bronze sculpture of the Borghese fencer, 20th c. Sculpture bronze mounted on a marble base. Patina. Like the original, sword and shield missing. Marble base broken.

Fiesta Báquica, 19th century Gilded bronze sculpture of Cherubs with circular marble base

The Nuclear Electric Gauntlet, awarded to the highest placed veteran of the British Steel Challenge 1992/93, bronze sculpture on marble base by John Blakeley, 37cm long, 13cm wide

20th century bronze lion with wild boar kill sculpture on black marble plinth, approximate plinth measurement: Width 11.5 inches, depth 6.5 inches, overall height 9 inches

Twentieth-century hollow bronze sculpture in the form of a horse on marble base, overall height 30cm approx.

Bronze sculpture in the form of a young woman holding a hoop on marble plinth, inscribed 'GODARD' to base, overall height 46cm.

Napoleon III tournant clock. France, ca.1850.Marble case, alabaster figure, gilt bronze applications.Eight days winding machine, quarter chimes on two bells and hours on one.Calendar of the week and month on two porcelain dials.Measurements: 43 x 19.5 x 19.5 cm.French clock, tournant type, with the case in the form of a marble temple that houses a sculpture in alabaster representing a child with a dove, in neoclassical style. The pergola has a first floor with a gilded bronze openwork gallery, and the gilded bronze applications on the plinth, the capitals and the border of ovals around the base are also gilded bronze. Following the typical tournant model, the Roman numerals for the hours and Arabic numerals for the minutes are arranged on discs, which are in turn accompanied by two small white porcelain dials for the calendar. The dome is crowned by a beautiful gilt-bronze floral tulip.

After Antonio Canova, a reconstituted marble cabinet sculpture, Venus Victrix, Pauline Bonaparte as Venus Reclining, 21cm wide, fragmentary paper label

Grand Tour School (17th century), an alabaster sculpture, of a reclining figure from Classical Antiquity, later rectangular pink marble base, 21.5cm wide

Italian Grand Tour School (19th century), a marble sculpture, Fiducia In Dio (Trust In God), after Lornezo Bartolini, oval base, 19.5cm high

CLAUDE MICHEL "CLODION" (Nancy, 1738 - Paris, 1814)."Triumph of Bacchus". Early 19th century.Patinated bronze.Veined marble pedestal.Signed on one side.Measurements: 37 x 23 x 19 cm ; 40 cm (height with pedestal).Patinated bronze sculpture representing the triumph of Bacchus. In this group of sculptural figures there is the Roman God of the vine and the wine, Bacchus with a classical half-naked maiden and a beautiful pair of cherubs, one dancing while holding a tambourine and the other sitting on the shoulders of Bacchus during a bacchanal.Claude Michel, known as Clodion, was born in Nancy, but in 1755 he moved to Paris to study in the studio of his uncle, the sculptor Lambert Sigisbert Adam, with whom he remained for four years. After his uncle's death he became a pupil of Jean Baptiste Pigalle, Madame de Pompadour's favourite sculptor. His work soon began to be recognised and in 1759 he won the grand prize for sculpture at the Académie Royale. In 1761 he was awarded the first silver medal for studies on models, and a year later he was awarded the Grand Prix de l'Académie Royale, consisting of a pension to further his training in Italy. Clodion was very active in Rome between 1767 and 1771. On returning to Paris he set up his own studio, where he worked with his brothers depicting mythological scenes, groups of dancers, nymphs and bathers in a language somewhere between Rococo and Neoclassicism. His works were in great demand, from the Parisian salons to Catherine II of Russia. Clodion's works are held in the Louvre (Paris), the Metropolitan Museum of Art (New York), the Hermitage Museum (St. Petersburg), the Victoria & Albert Museum (London), the Art Institute of Chicago, the J. Paul Getty Museum (Los Angeles), the Frick Collection (New York) and the Kimbell Museum (Forth Worth, Texas), among many others.

MANOLO HUGUÉ (Barcelona, 1872 - Caldas de Montbui, Barcelona, 1945)."Paternity", 1940.Bronze.Marble base.Signed on the right side.Work catalogued in: Montserrat Blanch, "Manolo", Barcelona, Polígrafa, 1972, p. 124, nº 225 and 226.Measurements: 17.5 x 11 x 11 cm. (bronze); 5 x 14.5 x 13 cm.(base).In Manolo Hugué's last creative stage, when he was already living definitively in Caldas de Montbui, his sculptural work was mainly carried out in figures of peasant women and sowers, bullfighters and maternity figures, which he had already been working on since his first stage in Ceret. Now, however, the artist, with an unparalleled mastery of endowing the bodies with soulful vibration, tends towards firm volumetries that capture an intense tenderness. It is striking that, in parallel to motherhood, he also develops the theme of "paternity". In this bronze, a stocky bullfighter holds his young son on one of his thighs, and the two exchange looks of deep tenderness that contrast with the virile power. It is a daring piece in terms of theme and formal solutions, the culmination of an impeccable career.Manuel Martínez Hugué, Manolo Hugué, trained at the Escuela de la Lonja in Barcelona. A regular participant in the gatherings at Els Quatre Gats, he became friends with Picasso, Rusiñol, Mir and Nonell. In 1900 he moved to Paris, where he lived for ten years. There he resumed his relationship with Picasso, and became friends with other avant-garde theoreticians such as Apollinaire, Modigliani, Braque and Derain. In the French capital he worked on the design of jewellery and small sculptures, influenced by the work of his friend, the sculptor and goldsmith Paco Durrio. In 1892 he worked with Torcuato Tasso on decorative works for the celebrations of the centenary of the Discovery of America. Between 1910 and 1917, devoted entirely to sculpture, he worked in Ceret, where he brought together a heterogeneous group of artists including Juan Gris, Joaquín Sunyer and, once again, Picasso. During these years he held exhibitions in Barcelona, Paris and New York. In 1932 he was appointed a member of the Royal Academy of Fine Arts of San Jorge in Barcelona. In Hugué's work, what is essential is the relationship with nature, taking into account the human figure as an integrated element in it. This is a characteristic of Noucentista classicism, but in Hugué's hands it goes beyond its limited origins. He usually depicted peasants, although he also depicted bullfighters and dancers - as can be seen on this occasion - always portrayed with a level of detail and an appreciation of textures that reveal his early training as a goldsmith. In his artistic production, Mediterranean tradition, Greek classicism and archaism, and the art of ancient Egypt and Mesopotamia coexist with the European avant-garde, which he assimilated and knew first-hand, specifically Matisse's Fauvism and Cubism. Works by Hugué are housed in the MACBA, the Georges Pompidou Centre in Paris, the Museo Nacional de Arte de Cataluña and the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, among many others.

MANOLO HUGUÉ (Barcelona, 1872 - Caldas de Montbui, Barcelona, 1945)."Child's head".Bronze.Marble base.Measurements: 24 x 19 x 11 cm. (bronze); 6 x 16 x 11 cm.(base).At the end of the 1920s, Manolo Hugué began to take an interest in the portrait genre in a way that he had not done in previous periods. In addition to full-length sculptures, he also began to produce portraits, focusing on the heads and therefore on the physiognomic expression, achieving a volumetric form that was a repository of pure emotional energy.Manuel Martínez Hugué, Manolo Hugué, trained at the Escuela de la Lonja in Barcelona. A regular participant in the gatherings at Els Quatre Gats, he became friends with Picasso, Rusiñol, Mir and Nonell. In 1900 he moved to Paris, where he lived for ten years. There he resumed his relationship with Picasso, and became friends with other avant-garde theoreticians such as Apollinaire, Modigliani, Braque and Derain. In the French capital he worked on the design of jewellery and small sculptures, influenced by the work of his friend, the sculptor and goldsmith Paco Durrio. In 1892 he worked with Torcuato Tasso on decorative works for the celebrations of the centenary of the Discovery of America. Between 1910 and 1917, devoted entirely to sculpture, he worked in Ceret, where he brought together a heterogeneous group of artists including Juan Gris, Joaquín Sunyer and, once again, Picasso. During these years he held exhibitions in Barcelona, Paris and New York. In 1932 he was appointed a member of the Royal Academy of Fine Arts of San Jorge in Barcelona. In Hugué's work, what is essential is the relationship with nature, taking into account the human figure as an integrated element in it. This is a characteristic of Noucentista classicism, but in Hugué's hands it goes beyond its limited origins. He usually depicted peasants, although he also depicted bullfighters and dancers - as can be seen on this occasion - always portrayed with a level of detail and an appreciation of textures that reveal his early training as a goldsmith. In his artistic production, Mediterranean tradition, Greek classicism and archaism, and the art of ancient Egypt and Mesopotamia coexist with the European avant-garde, which he assimilated and knew first-hand, specifically Matisse's Fauvism and Cubism. Works by Hugué are kept in the MACBA, the Georges Pompidou Centre in Paris, the Museo Nacional de Arte de Cataluña and the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, among many others.

JOAN REBULL (Reus, 1899 - Barcelona, 1981)."Girl".Stone sculpture.Signed on the lower right-hand side.Measurements: 62 x 27 x 20 cm.This work is an eloquent example of the most personal work of Joan Rebull, an artist who develops a language with classical aesthetic roots, based on the principles of nobility, beauty and proportion, which nevertheless uses an idealisation and a synthesis of forms in accordance with the avant-garde and not with the models of Classical Antiquity. Thus, we are faced with a serene, balanced child portrait with a certain immutable, archaic and almost sacred character in the perfection of its proportions and structural lines, which establishes a bridge between the ancient idols and avant-garde plastic research.Considered to be the most outstanding Catalan sculptor of his time, Joan Rebull began in the world of sculpture in his native city under the guidance of the sculptor Pau Figueres. In 1915 he moved to Barcelona to begin his artistic training at the La Lonja School of Fine Arts, while at the same time working in the workshop of the marble worker Bechini. In 1916 he made his solo debut with an exhibition at the Centro de Lectura in Reus, and the following year he founded, together with other artists, the group known as "Els Evolucionistes" (The Evolutionists), which aimed to counter the Catalan Noucentisme. In 1921 he received a grant from the Círculo Artístico and travelled to London and Paris, where he was particularly impressed by the ancient art housed in their museums. Between 1926 and 1929 he lived in the French capital and took part in the Salon des Indépendants, although he also sent works to exhibitions in Barcelona. In Paris he was the first artist to be contracted by the prominent Catalan art dealer Joan Merli. On his return he was appointed president of the new Montjuic Salon (1932) and a member of the Sant Jordi Academy (1934), took part in various exhibitions in Madrid and Barcelona and, in 1938, won the Campeny Prize at the Salon d'Automne in Barcelona. After the war, he went into exile in Paris, where he took an active part in artistic life, taking part in the exhibition "Le Jeune Sculpture Française" and the Salons d'Automne. He returned to Barcelona in 1948, and three years later won a great prize at the I Bienal Hispano-American Art Biennial in Madrid. In 1962 he was appointed professor at the Sant Jordi School of Fine Arts, and shortly before his death he was awarded the gold medal of the Generalitat de Catalunya. A child of noucentista perfectionism and a great draughtsman, Rebull worked with great technical mastery and confidence in the path to follow. His sculpture is direct and anti-rhetorical, based on a serene and essential vision of reality. His style can be defined as a reencounter with the source of classicism, from which he never copies the consequences. He is represented in the National Art Museum of Catalonia, the Reina Sofia National Centre, Barcelona City Hall, the Monastery of Montserrat and the Palau de la Música Catalana, among other centres.

After the Antique. A Bronze of A Dying Gladiator on a bronze base. 13cm x 17.5cm. The Dying Gaul, also called The Dying Galatian or The Dying Gladiator, is an ancient Roman marble semi-recumbent statue now in the Capitoline Museums in Rome. It is a copy of a now lost sculpture from the Hellenistic period thought to have been made in bronze.