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Guggenheim Bilbao Durerotik Rauschenbergera - 1999, Exhibition Poster, 96cm x 67cm and after G. Braque. Gallery Poster and three framed prints, after Henri Matisse, child sleeping, After Andy Warhol (5).

The Art of Matisse by Douglas Mannering , 1983, Hardcover. Sold on behalf of Michael Sobell Cancer Charity. We combine shipping on all lots. Single book £5.99 UK, £7.99 Europe, £9.99 ROW. We can ship a parcel up to 20kg which will take approx. 40 books in UK £12, EUROPE £39.99, ROW, £59.99

Dernières œuvres de Matisse, 1950-1954. Paris, Verve, 1958. 40 col. lithogr., var. fold-outs and w. num. b/w ills. by Matisse. Orig. dec. boards des. by Matisse. Folio. Copy w. both "Verve" and "Bruna" mentioned as publ. on the title-p., yet identical to copies w. only "Verve" on the title-p. Minimal wear to corners, fine copy.

New York, Simon and Schuster, 1952. Text in English, cover des. by H. Matisse, exhibition pamphlet (1960) loosely inserted. Folio. (2) The Europeans. Ibid., idem, 1955. Text in English, cover des. by J. Miró, pamphlet w. captions loosely inserted. Folio. Both covers worn and lacking outer spine pieces, browning, Europeans w. marginal waterst., mostly not affecting images. (total 2)

12 BOTTLES WHISKEY/WHISKYSpice King Blended Malt Small Batch; Highland Blanc Distiller's Reserve Blended 8 YO; Dewar's Caribbean Smooth Blended Rum Cask Finish and Portuguese Smooth Port Cask Finish; Black Bull Blended 12 YO; Marks + Spencer Blended 8 YO; James Catto's Blended 12 YO; Thompson Bros Blended 6 YO; Matisse Blended 12 YO; Scottish Leader Blended 12 YO; Murray McDavid Single Malt Bourbon Finish; Tomintoul Single Malt 16 Yo

Oil on canvas depicting beach parasols and an oil on canvas after Matisse "The Sailor"

HENRI MATISSE, La Chevelure, original lithograph from the 1954 edition after Matisse's cut outs, printed by Mourlot in Paris, 35.5cm x 26.5cm, vintage French frame. (Subject to ARR - see Buyers Conditions)

HENRI MATISSE, a set of four Blue nudes, original lithographs from the 1954 edition after Matisse's cut outs, printed by Mourlot in Paris 35.5cm x 26.5cm each. (4) (Subject to ARR - see Buyers Conditions)

HENRI MATISSE, La Perruche et la Sirene, original lithograph from the 1954 edition after Matisse's cut outs, printed by Mourlot in Paris, 36cm x 77.5cm, vintage French frame. (Subject to ARR - see Buyers Conditions)

HENRI MATISSE, La Gerbe, initials in the plate, original lithograph from the 1954 edition after Matisse's cut outs, printed by Mourlot in Paris, 32cm x 14cm, vintage French frame. (Subject to ARR - see Buyers Conditions)

Carrà, Carlo -- Donna al balcone (Simultaneità)Lithographie auf Velin. 1912/49.36,3 x 26 cm (47,7 x 38,6 cm).Signiert "Carlo Carrà". Auflage 60 num. Ex.Carrà 85.Beispielhaft macht das hochdynamische Blatt die kompositorische Strenge, die intellektuelle Spannung und die räumliche Dichte der futuristischen Bildfindung sichtbar. Carrà lässt die unterschiedlichen Ebenen, Figur, Bewegung und Umfeld miteinander verschmelzen, mit dem Ziel, die geschlossene Form vollständig abzuschaffen. Ein Aufenthalt in Paris in ebenjenen Jahren und die Bekanntschaft mit Picasso, Modigliani, Braque und Matisse hatte Carrà den Kubismus nahegebracht und ihn vielfältig inspiriert. Aus der Folge "Carrà 1912-1921", erschienen in einer Gesamtauflage von 63 Exemplaren bei Edizioni del Cavallino, Venedig 1950. Ganz prachtvoller, differenzierter Druck des frühen Entwurfes, mit breitem Rand. Selten. - Wir bitten darum, Zustandsberichte zu den Losen zu erfragen, da der Erhaltungszustand nur in Ausnahmefällen im Katalog angegeben ist. - Please ask for condition reports for individual lots, as the condition is usually not mentioned in the catalogue.

A large gilt framed Print of Notre Dame after Matisse, 18 1/2'' x 21 1/4''.

Hermann Max Pechstein, Selbstbildnis, liegendÖl auf Leinwand. 73,5 x 98,5 cm. Gerahmt. Oben links braun monogrammiert 'HMP' (ligiert). - In guter, farbfrischer Erhaltung. Partiell schwaches Craquelé.Soika 1909/55ProvenienzSammlung Dr. med. Walter Blank, Köln; Sammlung V.A., Rheinland; seitdem in Familienbesitz in dritter GenerationAusstellungenKönigsberg 1914; Berlin 1959 (Hochschule für bildende Künste in Gemeinschaft mit der Nationalgalerie der Ehemals Staatlichen Museen), Der junge Pechstein. Gemälde, Aquarelle und Zeichnungen, Kat. Nr. 57 mit Farbabb.; Bonn 1965 (Rheinisches Landesmuseum), Expressionismus aus rheinischem Privatbesitz, Kat. Nr. 36, mit ganzseitiger Farbabb. S. 41; Frankfurt am Main/Hamburg 1966 (Frankfurter Kunstverein/Kunstverein in Hamburg), Vom Impressionismus zum Bauhaus. Meisterwerke aus deutschem Privatbesitz, Kat. Nr. 65, mit Abb.; Paris/München 1966 (Musée National d’Art Moderne/Haus der Kunst), Le Fauvisme francais et les débuts de l’Expressionisme allemand/Der französische Fauvismus und der deutsche Frühexpressionismus, Kat. Nr. 258, mit Abb. S. 342 (auf dem Keilrahmen zweifach mit Ausstellungs-Etikett); Düsseldorf 1967 (Kunsthalle), Kunst des 20. Jahrhunderts aus rheinisch-westfälischem Privatbesitz. Malerei, Plastik, Handzeichnung, Kat. Nr. 278 mit Abb. 32; Schaffhausen/Bonn 1972 (Museum zu Allerheiligen/Rheinisches Landesmuseum), Die Künstler der „Brücke“, Kat. Nr. 153, mit Farbabb. Tafel 17; Braunschweig/Kaiserslautern 1982 (Kunstverein/Pfalzgalerie), Max Pechstein, Farbabb. S. 51; Berlin/Tübingen/Kiel 1996/97 (Brücke-Museum/Kunsthalle Tübingen/Kunsthalle zu Kiel), Max Pechstein. Sein malerisches Werk, Kat. Nr. 35 mit Farbabb.LiteraturRobert Breuer, Max Pechstein – Berlin, in: Deutsche Kunst und Dekoration, Bd. 29, Oktober 1911 – März 1912, Heft 6, S. 423-431, mit Abb. S. 429; Walther Heymann, Max Pechstein, München 1916, mit Abb. S. 7; Max Osborn, Max Pechstein, Berlin 1922, S. 168; Jean Leymarie/Ewald Rathke, L'espressionismo e il fauvismo. Parte seconda, volumi 8 (L'Arte Moderna), Mailand 1967, Farbabb. S. 129; Diether Schmidt, Ich war, ich bin, ich werde sein! Selbstbildnisse deutscher Künstler des 20. Jahrhunderts, Berlin (Ost) 1968, S. 270, Farbabb. Tafel 9; Ewald Rathke, L'Espressionismo, Mailand 1970, S. 55 mit Abb.; Braunschweiger Zeitung, 20.3.1982, Ausstellungsbesprechung, mit Abb.; Andreas Andermatten, Max Pechstein, in: Pan, 1985, Heft 6, S. 4-21, mit Farbabb. auf dem Umschlag; Ewald Rathke, Expressionismus von Paul Gauguin bis Oskar Kokoschka, Herrsching 1988, mit Farbabb. 29; Andreas Hüneke, Zweierlei Augen – Ein Deutungsvorschlag, in: Magdalena Moeller (Hg.), Schmidt-Rottluff. Druckgraphik, München 2001, mit Abb. S. 44; Roman Zieglgänsberger, "Es war immer dieselbe Pfeife". Max Pechstein in seinen Selbstbildnissen, in: Max Pechstein. Künstler der Moderne, Ausst. Kat. Bucerius Kunst Forum, Hamburg 2017, S. 167-170Diese Arbeit wird auf der Grundlage einer Einigung zwischen dem Einlieferer und den Erben nach Dr. Walter Blank angeboten, die aufgrund der Vermittlung durch die Kunsthaus Lempertz KG zustande gekommen ist. Die Einigung hat zur gütlichen Beilegung aller offenen Fragen in Bezug auf die Provenienz und eigentumsrechtlichen Fragen an dem Werk geführt, so dass der Erwerber unbeschränktes Eigentum, frei von Ansprüchen aller Art, erwirbt.Mit dem "Selbstbildnis, liegend" wird das bedeutendste Selbstbildnis von Hermann Max Pechstein angeboten. Es stammt aus einer Zeit, die gemeinhin als seine beste Schaffensphase gilt - ein Höhepunkt des deutschen Expressionismus.Das Gemälde ist angefragt als Leihgabe für die Ausstellung „Max Pechstein – Die Sonne in Schwarzweiß“ im Museum Wiesbaden, 15. März – 30. Juni 2024, in Kooperation mit den Kunstsammlungen Zwickau – Max Pechstein-Museum, dem Brücke Museum Berlin sowie der Max Pechstein Urheberrechtsgemeinschaft, Hamburg/Berlin.Das mit leuchtenden Farben energisch gemalte „Selbstbildnis, liegend“ von 1909 ist das früheste malerische Selbstporträt von Max Pechstein. Lediglich in zwei kleinen Holzschnitten privaten Charakters hatte sich der Künstler bis dahin selbst dargestellt. Hier hingegen präsentiert er sich selbstbewusst in ganzer Figur und das gesamte Bildformat füllend, in einer gänzlich unkonventionellen Weise. Auf einem grünen Untergrund liegend, stützt er sich auf einem Ellbogen auf, während der andere ausgestreckte Arm den Pinsel hält, um auf der gerade noch ins Bild ragenden Leinwand zu malen. Das außergewöhnliche Selbstbildnis von musealer Qualität besticht durch die Wahl der komplementären Farbkontraste Rot-Grün und Blau-Gelb, mit denen Pechstein maximale Leuchtkraft und Präsenz erreicht. Mit den starken Farben geht der direkte, geradezu herausfordernde Blick des Malers einher. Pechstein, der sich 1909 auf der Schwelle zum künstlerischen Durchbruch befand, blickt selbstgewiss in die eigene Zukunft. Der DurchbruchFür den Künstler war das Jahr 1909 eine von richtungsweisenden Veränderungen geprägte Zeit. Er war zum Entstehungszeitpunkt 28 Jahre alt, seit Mitte 1908 in Berlin ansässig und zunächst noch weitgehend mittellos. Die Frühjahrs-Ausstellung der Berliner Secession wurde daher zu einem Meilenstein in seiner noch jungen Karriere, er war hier mit drei Gemälden vertreten und konnte zwei davon verkaufen. „Das Eis war gebrochen, und meine Kunst, später von Kunstwissenschaftlern als ‚Expressionismus‘ bezeichnet, hatte sich den Anfang des Weges errungen“, schrieb er rückblickend (zit. nach Aya Soika, Max Pechstein. Das Werkverzeichnis der Ölgemälde, Bd. 1, München 2011, S. 13).Erster Nidden-AufenthaltDer Verkaufserlös ermöglichte Pechstein erstmals einen Sommeraufenthalt an der Ostsee im Fischerdorf Nidden an der Kurischen Nehrung, wo er von Ende Juni bis Anfang September fern der Großstadt in der freien Natur arbeitete. Es war der erste von vielen weiteren Sommern in diesem „Malerparadies“, wie Pechstein es nannte. Er war fasziniert von der maritimen Landschaft und dem einfachen Leben der Einheimischen, mit denen er enge Kontakte pflegte. Das „Selbstbildnis, liegend“ entstand sehr wahrscheinlich im Spätsommer, direkt im Anschluss an diesen künstlerisch äußerst wichtigen Aufenthalt, und ist motivisch noch ganz von den dort gesammelten Eindrücken durchdrungen. Davon zeugen die sonnengebräunten Gesichtszüge des Malers ebenso wie seine von den Niddener Fischern abgeschaute Kleidung mit einfachem Seemannshemd, Gamaschen und bloßen Füßen. Auch der markante Backenbart, den der Maler nur kurzzeitig trug, ist diesem Hintergrund geschuldet, er findet sich auch in seiner Lithographie „Zwei Köpfe“ aus dem gleichen Zeitraum (Krüger L 57, siehe Vgl.-Abb.).Stilistische NeuanfängeDer Sommer in Nidden markierte auch stilistisch eine Wegmarke für Pechstein. Nachdem er noch zu Beginn des Jahres 1909 sowohl mit pointillistischen Maltechniken als auch mit pastosem Farbauftrag im Stil Vincent van Goghs experimentiert hatte, begann er nun erstmals mit großen Flächen in einheitlicher, leuchtender Farbgebung zu arbeiten. Das „Selbstbildnis, liegend“ ist eines der frühesten Beispiele dafür. Diese künstlerische Errungenschaft steht möglicherweise noch in Zusammenhang mit der Matisse-Ausstellung, die die Galerie Paul Cassirer in Berlin ausrichtete und die Pechstein gemeinsam mit Kirchner und Schmidt-Rottluff im Januar 1909 besuchte. Die dort ausgestellten Akte und Bilder von Tanzenden hinterließen bei Pechstein – noch mehr als bei den anderen „Brücke“-Künstlern – einen nachhaltigen Eindruck. Die SelbstdarstellungIm Frühjahr 1909 gestaltete Pechstein das offizielle Plakat der „Brücke“-Ausstellung bei Emil Richter in Dresden. Darauf stellte er die Konterfeis der vier „Brücke“-Mitglieder dar, unten links sich selbst (Krüger H 85, siehe Vgl.-Abb.). Möglicherweise weckte dieses erste für die Öffentlichkeit konzipierte Gruppenbildnis bei dem Maler das B

Hans Purrmann, San Francesco di Paola bei FlorenzÖl auf Leinwand. 60 x 73 cm. Gerahmt. Unten rechts schwarz signiert 'H. Purrmann'. - In guter Erhaltung, mit leichtem Craquelé.Lenz/Billeter 1938/20 (dort irrtümlicherweise mit falschen Maßen)ProvenienzRuth Lange, Florenz; Privatsammlung HessenDas Reisen war eine wichtige Konstante im Leben Hans Purrmanns - angefangen mit seiner ersten gemeinsamen Frankreichreise mit Henri Matisse 1908. Purrmann lebte in den folgenden Jahrzehnten phasenweise nicht nur in Frankreich, Italien und der Schweiz, sondern bereiste diese Länder auch regelmäßig. Seine Aufenthalte schlugen sich in zahlreichen Gemälden nieder, die die sonnendurchflutete Schönheit der südeuropäischen Landschaften in ihrer ganzen Vielfalt einfingen.Zwischen 1922 und 1924 reiste Purrmann in den Frühjahrs- und Sommermonaten mit seiner Familie alljährlich nach Sorrent am Golf von Neapel und nach Rom. In der Umgebung von Sorrent entstanden Ansichten der Felsenküste, die der Maler in variierenden Perspektiven, Licht- und Wetterverhältnissen malte und so die Besonderheit dieser Landschaft nicht nur motivisch, sondern auch koloristisch voll auskostete. Eine harmonisch gerundete, vor einer Landzunge gelegene Bucht bot in der „Küstenlandschaft bei Sorrent“ (Lot 61) aus dem Jahr 1923 eine interessante landschaftliche Formation. Die auf den Strand laufenden Wellenkämme zeigen das Mittelmeer in sanfter Bewegung, der vorgelagerte weiße Felsen setzt einen markanten Kontrapunkt. In den unzähligen Farbnuancen des Himmels und der Landschaft wird die flirrende Lichtstimmung eines Sommertages fühlbar.Die „Uferlandschaft bei Hendaye“ (Lot 56) liegt am südlichsten Punkt der französischen Atlantikküste, der Ort, den Purrmann mit seiner Frau 1929 bereiste, ist Grenzpunkt zwischen Frankreich und Spanien. Der Blick geht aus Richtung Osten von einer Landzunge über die Bucht von Hendaye, im Hintergrund erhebt sich das baskische Bergmassiv Jaizkibel. Der Maler hatte wohl an einer Wegkehre des dortigen Wanderweges seine Staffelei aufgestellt, die filigran aufragenden Bäume im linken Bildteil leiten den Blick über zu dem sich weit öffnenden Landschaftspanorama. Zartes, lichtdurchflutetes Kolorit bestimmt dieses Werk. In einer starkfarbigen, abstrahierten Fassung setzte Purrmann die gleiche Ansicht nochmals um (vgl. Lenz/Billeter 1929/16). Ab Oktober 1935 lebte der Künstler in Florenz, wo ihm die Verwaltung der Deutschen Künstlerstiftung Villa Romana übertragen worden war. Seine Zeit in Florenz wurde in den nächsten Jahren überschattet durch die nationalsozialistische Diffamierung seiner Kunst als „entartet“ und seine mehrfach erwogene Entlassung aus der Stiftung. 1938 besuchte Hitler Florenz, Purrmann wurde solange in Schutzhaft genommen. Seinen Werken dieser Zeit sind diese Belastungen nicht anzumerken. In „San Francesco di Paola bei Florenz“ (Lot 57) erhebt sich die typische toskanische Landschaft eindrucksvoll in einer Fülle unterschiedlichster Grünschattierungen. In der Bildmitte, eingebettet zwischen Zypressen, Pinien und Obstbäumen, liegt die Villa di San Francesco di Paola, die tief stehende Sonne lässt die Mauern in hellem Rosé und Orange aufleuchten. Dieses ehemalige Kloster aus dem 16. Jahrhundert wurde im 18. Jahrhundert in eine private Villa umgewandelt. Der deutsche Bildhauer Adolf von Hildebrand kaufte das südlich von Florenz gelegene Anwesen im Jahr 1874 und empfing dort in den folgenden drei Jahrzehnten illustre Gäste wie Richard und Cosima Wagner, Arnold Böcklin, Johannes Brahms und Kaiserin Elisabeth von Österreich-Ungarn.

Yves Tanguy, Sans titreÖl auf Leinwand. 50 x 65 cm. Unter Glas gerahmt. Unten rechts schwarz monogrammiert und datiert 'YVES TANGUY 29 '. - In guter Erhaltung. In der unteren Bildpartie mit einzelnen winzigen Retuschen.Mit einer Expertise von Pierre Matisse, New York, vom 3. Juni 1978 (in Kopie). Mit einer Bestätigung von Georges de Geofroy, Galerie Jan Krugier, Genf, vom 14. Dezember 1978 (in Kopie).ProvenienzGalerie Jan Krugier, Genf (mit Galerie-Etikett auf dem oberen Keilrahmen); Privatsammlung Nordrhein-Westfalen/HamburgLiteraturDaniel Marchesseau, Yves Tanguy, Berlin 1974, mit Farbabb. S. 20„Sans titre“ stammt aus der besten Schaffenszeit von Yves Tanguy und zeigt seinen voll ausgebildeten surrealistischen Stil.Tanguy beginnt erst um 1923, inspiriert durch Giorgio de Chirico, autodidaktisch mit der Malerei, seine künstlerischen Anfänge liegen in figürlich-metaphysischen Darstellungen. Der fundamentale Wendepunkt zum Surrealismus vollzieht sich mit der Bekanntschaft mit André Breton 1926. Tanguy wendet sich von der Figuration ab und findet seine typische Malweise, bei der er in einem automatistischen Prozess die Farben ohne Vorzeichnung lasierend auf feine Leinwand aufträgt. 1927 richtet die Galerie Surréaliste in Paris seine erste Einzelausstellung aus, seine mystischen Landschaften werden eine wesentliche Inspirationsquelle für Salvador Dalí. Auch dieses Werk wird von einer weiten Landschaft bestimmt, vielleicht ein Strand vor einer dunklen Wasserlinie, vielleicht eine Wüste, über die sich die Dämmerung senkt. Fahle Lichtstrahlen treffen auf das geheimnisvolle Land und werden von ihm geschluckt, weiße Wolkenfetzen verdichten sich zu einem aufsteigenden Wirbel. Losgelöst und unbeeinflusst von diesen atmosphärischen Erscheinungen schweben im Bildvordergrund plastische organische Formen, teils grünlich gefärbt, teils metallisch-silbrig schimmernd. Sie erinnern an Lebewesen – Weichtiere, Würmer, Einzeller – und sind doch vollkommen fremdartig. „Zu dieser Zeit ist er der einzige Maler seines Umkreises, der unwiderruflich jede Andeutung an bekannte Zeichen oder herkömmliche Symbole aus seinem Oeuvre eliminiert hat […]. Er zeigt ein alternatives Universum von zwingender organischer und kombinatorischer Realität, zu dem uns der Zugang dennoch verschlossen scheint“, schreibt Robert Lebel (in: Yves Tanguy. Retrospektive, Ausst. Kat. Staatl. Kunsthalle Baden-Baden 1982, S. 36). Von Breton wird Tanguy schon 1927 zum surrealistischen Maler schlechthin erklärt. Mehr als die anderen Surrealisten verschreibt er sich dem Überraschungsmoment, das das automatistische Malen für den Betrachter und für den Künstler selbst bereithält.

Matisse, Henri -- Nice Travail et JoieFarblithographie auf Velin. 1948.75,5 x 56,2 cm (99,4 x 63,8 cm).Gedruckt bei Mourlot, Paris und herausgegeben von "Syndicat d'Initiative de Nice et l'Union Méditerranéenne pour l'art moderne". Ausgezeichneter Druck mit dem vollen Rand. - Wir bitten darum, Zustandsberichte zu den Losen zu erfragen, da der Erhaltungszustand nur in Ausnahmefällen im Katalog angegeben ist. - Please ask for condition reports for individual lots, as the condition is usually not mentioned in the catalogue.

Henri Matisse (Le Cateau-Cambrésis 1869 – 1954 Nizza). „Odalisque au coffret rouge“. 1926Farbaquatinta auf Arches-Velin. 42 × 55,6 cm (53,5 × 64,5 cm) (16 ½ × 21 ⅞ in. (21 ⅛ × 25 ⅜ in.)). Signiert.Duthuit-Matisse App. III.–Einer von 200 nummerierten Abzügen. Leicht gebräunt. [3065] Gerahmt. Provenienz: Anneliese und Dr. Wolfgang Schieren, MünchenWir berechnen auf den Hammerpreis 32% Aufgeld.

New York: Harry N. Abrams, Inc., 1975. Hardcover book with its original dust cover that features The Dessert: Harmony in Red by Henri Matisse (French, 1869-1954). 168-pages with 130 reproduction and 48 full colored plates. Contains works by Henri Matisse, Henri Mangin, Andre Derain, and many more. ISBN: 0810901145. Artist: Gaston DiehlIssued: 1975Dimensions: 10"W x 13"H x 1"DManufacturer: Harry N. Abrams, Inc.Country of Origin: United States

Matisse (Henri).- Joyce (James) Ulysses, one of 1500 copies, this one of only 250 signed by the author and artist, colour illustrations by Henri Matisse, modern green half morocco, spine gilt, t.e.g., [Slocum & Cahoon A22; The Artist and the Book 197], 4to, New York, The Limited Editions Club, 1935.⁂ One of only 250 copies signed by both Matisse and Joyce. All 1500 copies were signed in pencil by Matisse, but 250 randomly numbered copies were also signed in ink by Joyce.

MIRO JOAN: (1893-1983) Spanish painter. An excellent, lengthy and early A.L.S., Miro, three pages, 4to, Barcelona, 7th April 1934, to [Christian] Zervos, in French. Miro states that he has received his correspondent's letter, article and photograph, explaining that he did not answer sooner 'parce que j'ai du me rendrer a Montrois pour verifier d'apres le dessins.....les dates exactes, et vous donner de la facon la plus exacte possible, les renseignments que vous m'aviez demande a Paris' (Translation: 'because I had to go to Montrois to check according to the drawings….the exact dates, and to give you in the most exact way possible, the information that you had asked me for in Paris') and continuing to write concerning Zervos's article, and offering some advice, 'Votre article est tres, tres bien, vous avez tres bien compris mes inquietudes, il est en meme temps ecrit avec un grand courage. Je l'ai lu maintes fois attentivement et en suis tres emu. Vous en remercie de tout Coeur. Il faudrait toutefois rectifer, quelques dates, il m'etait tres difficile de les preciser lors de notre entretien chez vous. J'estime que ces donnees doivent etre tres exacter, d'autant plus qu'elles seront repandues a l'etranger, ou l'on se servira de ce numero de "Cahiers d'Art" lorsque l'on voudra ecrire quelque chose d'important sur moi. a) J'ai commence l'etude de la peinture a l'age de 14 ans, mon premier professeur a ete Urgell, et plus tard Pasco. b) Je cesse de peindre de 1910 a 1912 - a partir de cette date je m'adonne entierement a la peinture et frequente a Barcelone certaines academies etc. et passe mes vacances a Montrois, je frequente les academies jusqu'a 1914, et desormais je travaillerai seul. c) arrive a Paris pour le premiere fois en mars 1919, et c'est a partir de cette date que je travaille tantot a Barcelone tantot a Montrois, tantot a Paris. d) qouique la plupart de reproductions n'auront pas de titre, il ne faudrait cependant pas negliger d'en mettre a celles que vous citez dans votre article et aux plus representatives pour mieux le comprendre. e) ces tableaux ont ete faits l'hiver et le printemps 1933. f) Je trouve aussi que c'est mieux que vous supprimiez ce passage. Comme vous voyez toutes les rectifications sont tres necessaires et tres importantes, je vous demande de faire l'impossible pour y etre a temps' (Translation: 'Your article is very, very good, you have understood my concerns very well, it is at the same time written with great courage. I have read it carefully many times and am very moved by it. Thank you wholeheartedly. However, it would be necessary to rectify a few dates, it was very difficult for me to specify them during our interview with you. I consider that this information must be very exact, especially since they will be spread abroad, where people will use this number of “Cahiers d'Art” when they want to write something important about me. a) I started studying painting at the age of 14, my first teacher was Urgell, and later Pasco. b) I stop painting from 1910 to 1912 - from this date I devote myself entirely to painting and attend certain academies etc. in Barcelona and spend my holidays in Montrois. I attended the academies until 1914 and from then on I would work alone. c) arrived in Paris for the first time in March 1919, and it was from this date that I worked sometimes in Barcelona, sometimes in Montrois, sometimes in Paris. d) although most of the reproductions will not have a title, you should not neglect to put one to those you quote in your article and to the most representative ones to better understand it. e) these paintings were made in the winter and spring of 1933. f) I also think it is better that you delete this passage. As you see all the corrections are very necessary and very important, I ask you to do the impossible to there in time'). Miro also asks his correspondent if they have decided to go ahead with an exhibition, and to let him know the exact date of the opening as soon as they know it, and further enquiring if invitations will be sent, in which case Miro will provide some addresses, additionally writing 'J'ai reflechi a ce que votre femme me demande d'apporter de nouveaux tableaux. Il me semble que cette nouvelle serie faudrait la montrer ensemble, ce serait une erreur que d'en exposer quelques specimens au prealable. Ce qui serait peut-etre tres bien, ce que, du moment ou "Cahiers d'Art" est consacre a toute mon oeuvre, vous exposiez aussi, dans une piece a part quelques toiles anciennes. En etant fait simultanement a l'apparition de "Cahiers d'Art" cela n'aura nullement l'air d'une retrospective, qu'il faut a tout prix eviter.......ca restera tres intime et n'aura pas l'air pretentieux d'une exposition rue de la Boetie. Et suivrait en meme temps la trajectoire qui se termine en 1933' (Translation: 'I thought about your wife asking me to bring new paintings. It seems to me that this new series should be shown together, it would be a mistake to exhibit a few specimens beforehand. What would perhaps be very good, since “Cahiers d'Art” is devoted to all my work, you also exhibit, in a separate room, a few old paintings. By being done simultaneously with the appearance of “Cahiers d'Art” it will in no way seem like a retrospective, which must be avoided at all costs….it will remain very intimate and will not have the pretentious air of an exhibition on rue de la Boetie. And at the same time it would follow the trajectory which ends in 1933'). Miro concludes by asking if Zervos has seen Pierre Matisse, explaining 'Je lui ai ecrit deux lettres en reponse a la sienne ou'il me faisait part de l'accord avec [Henri] Matisse et il ne m'a point repondu. Je lui demandais s'il m'autorisait a ecrire a Matisse pour lui demander de s'entendre avec lui pour les mensualites de maniere a ce que ce fut Pierre qui ces versat en toute sa totalite. Je crois que du moment ou Pierre est, pour ainsi dire, le marchand officiel, pourrait trouver des moyens pour regler les mensualites…..' (Translation: 'I wrote him two letters in response to his where he informed me of the agreement with [Henri] Matisse and he did not answer me. I asked him if he would authorise me to write to Matisse to ask him to come to an agreement with him for the monthly payments so that it was Pierre who would pay them in full. I believe that since Pierre is, so to speak, the official merchant, he could find ways to settle the monthly payments….'). A letter of fine content. Some very light, extremely minor age wear, VGChristian Zervos (1889-1970) Greek-French art historian, critic, collector, writer and publisher who founded the magazine Cahiers d'art and also ran an art gallery.Pierre Matisse (1900-1989) French-American art dealer, the youngest child of Henri Matisse. The Pierre Matisse Gallery was opened in New York in 1931 and represented many European artists including Miro, Marc Chagall, Alberto Giacometti and Jean Dubuffet amongst others.

DERAIN ANDRE: (1880-1954) French artist, painter and sculptor, a co-founder of Fauvism with Henri Matisse. A.L.S., A Derain, one page, 4to, n.p., n.d. (‘Jeudi’), to a friend, in French. Derain states that it was with great pleasure that he received his friend’s news, continuing ‘J'aurai bien voulu m'entretenir des evenements avec vous mais j'ai quitte Paris il y fait trop froid. Je reste a la campagne’ (Translation: ‘I would have liked to discuss the events with you, but I left Paris as it is too cold. I stay in the countryside’) although adding that he thinks he will be back in Paris at the end of the next week, and will let his friend know, further remarking ‘Je previens vos amis les peintres americains je pense les convoquer pour la semaine prochaine egalement. Je vous avertirai donc des que je resterai quelques jours’ (Translation: ‘I’m warning your friends, the American painters, I’m thinking of calling them for next week as well. So, I will let you know that I will be staying for a few days’). Some light creasing, otherwise VG

TANGUY YVES: (1900-1955) French surrealist painter. A good A.L.S., Yves Tanguy, two pages, 4to, Woodbury, Connecticut, 20th June 1947, to [Alain] Gheerbrant, in French. Tanguy bemoans the fact that he only received his correspondent’s letter that morning and that it has taken eighteen days to arrive via air mail and continues to inform Gheerbrant that ‘Je n'ai pas sous la main l'eau-forte que vous me demandez pour Benjamin mais je puis la faire - je vais la faire de toute facon. Vous avez l'air presse et je ne peux guere vous la garantir avant une quinzaine de jours (par avion vous pourrez l'avoir vers le 10 juillet au plus tard)’ (Translation: ‘I don’t have on hand the etching that you asked for for Benjamin, but I can do it – I’m going to do it anyway. You seem to be in a hurry and I can hardly guarantee it before a fortnight (by plane you will be able to have it around 10th July at the latest)’), further adding that Pierre Matisse had left last Saturday, and also referring to Andre Breton and Jacqueline Lamba, ‘Autre chose: Mrs David Hare, ex Madame Breton me demande d'urgence d'envoyer quelque chose pour une vente au benefice du meme Benjamin Peret. En temps normaux j'aurais fait une gouache pour cela mais je travaille comme un damne a faire precisement une serie de gouaches precisement, pour une possible exposition a Paris, alors j'avais pense que vous pourriez vous desaisir de ces documents de l'ex Vrille au benefice de l'actuel Peret? Et si vous voulez bien avoir la patience d'attendre un peu que je sois moins surmene je vous demanderai de bien vouloir accepter une autre gouache en compensation de toute la peine que vous voulez bien vous donner pour moi et pour nous. Si cela vous convient, voulez-vous remettre a Breton ces petites choses en question. Je vais d'ailleurs ecrire a Breton bien que je sois terrifie de le faire car je n'ai jamais ecrit depuis son depart! Je plaide coupable, dites-le lui’ (Translation: ‘Another thing: Mrs David Hare, ex Madame Breton, urgently asks me to send something for a sale for the benefit of the same Benjamin Peret. Normally I would have made a gouache for this but I am working like hell to make a series of gouaches precisely, for a possible exhibition in Paris, so I thought that you could part with these documents from the ex Vrille for the benefit of the current Peret? And if you would like to have the patience to wait a little until I am less overworked, I would ask you to accept another gouache as compensation for all the trouble you are willing to give yourself for me and for us. If that suits you, would you like to ask Breton these little things in question. I’m going to write to Breton even though I’m terrified to do so because I’ve never written since he left! I plead guilty, tell him'). A letter of fine content. Some feint, consistent ink bleeding to the page, causing significant show-through to the verso. VG Alain Gheerbrant (1920-2013) French writer, editor, poet and explorer, the first avant-garde publisher who founded the publishing house K Editeur. Benjamin Peret (1899-1959) French poet and Dadaist, a founder and central member of the French Surrealist movement. Andre Breton (1896-1966) French writer and poet, the co-founder, leader and principal theorist of surrealism. Breton’s second wife, from 1934-43, was Jacqueline Lamba (1910-1993) French painter and surrealist artist.

GIDE ANDRÉ: (1869-1951) French Author, Nobel Prize winner for Literature, 1947. An interesting A.L.S, `André Gide´, two pages, 8vo, pink paper, Cuverville, 5th November 1923, to Llona, in French. Gide annotates his address to the upper left corner and refers to the English version of his well-known Caves du Vatican, stating in part `Madame Bussy s´inquiète - et je m´inquiète avec elle - de ne pouvoir recevoir les épreuves des Caves pour Broom (mais ne m´avez-vous pas dit qu´il interrompait de nouveau sa publication?) ("Madame Bussy is worried - and I am worried as well - about not being able to receive the proofs from the Caves for Broom (but didn't you tell me that he was once again interrupting his publication?) and further tries to find a way to sort the issue, saying `N´avez vous point quelque ami là-bas qui consentirait à les revoir à sa place? En tout cas, ce qu´on accepte pour une publication en revue n´est plus tolerable pour le volume, qui doit être correct, car c´est d´après lui qu´on vous jugera. Faites-vous strict et exigeant je vous en prie. Oui, dites qu´on exige des épreuves..´ ("Don't you have any friend there who would agree to check them on her behalf? In any case, what is accepted for a journal publication is no longer acceptable for the volume, which must be correct, because it is according to it that you will be judged. Be strict and demanding please. Yes, say that we require the proofs..") Very small overall age wear and creasing, otherwise G Dorothy Bussy, was a writer, author of the controversial novel Olivia. She was married to Simon Bussy, painter, friend of Matisse and Gide. Dorothy was also an English translator, close to the Bloomsbury Group.

Ten assorted art and illustrated titles, including four Philip Hofer Edward Lear limited edition booklets, comprising 'Calico Pie', 1952, (500), 'The Duck and the Kangaroo', 1956, (500), 'A Drawing Book Alphabet', 1954, (1000), Edward Lear', 1962, (960), each illustrated throughout, each original wraps; David Hockney: 'The Blue Guitar. Etchings by David Hockney. Who was Inspired by Wallace Stevens. Who was Inspired by Pablo Picasso', Petersburg Press, 1977, 2 colour plates as called for, original boards, d/w; Pete Morgan: 'One Greek Alphabet', Ceolfrith Press, 1980, signed & inscribed by Morgan on half title, orig. card wraps, dust wrapper; two Albert Skira published titles 1940's 'Anthologie du Livre Illustré par les Peintres et Sculpteurs de l'Ecole de Paris', [1946], ills. by Pierre Bonnard, Georges Braque, Marc Chagall, Raoul Dufy, Henri Matisse, Pablo Picasso etc., 'Editions Albert Skira - Vingt Ans D'Activité', 1948, ills. by Henri Matisse, André Derain, Pablo Picasso, Marc Chagall etc, of which some tipped in colour plates, orig. pictorial wraps (2nd title with front cover by Matisse); plus another French title with ills. by Raoul Domenjoz; plus 'London a la Carte', Habitat, 1967, 2nd edition, 30 facsimile menus from leading London restaurants of the period, housed loose as issued in original pictorial portfolio (10)

Max Papart (France, 1911-1994) "Agitation Civilisatirice" Collage on Canvas. Signed lower left. Inscribed and titled verso. Sight Size: 31 x 31 in. Overall Framed Size: 32.25 x 32.25 in. Influenced by such rich and varied sources as Cranach, Delacroix, Matisse, and Klee and inspired by his friend Jacques Prevert, Max Papart did work intended to open a window into a world that provokes as much thought as pleasure. Since his first one-man show in 1946, he had over 300 museum and gallery exhibitions around the globe, and is the subject of dozens of books and catalogues.

MAN RAY (EMANUEL RADNITZKY)1890 Philadelphia - 1976 ParisTitel: Lee Miller. Datierung: Ca. 1930. Technik: Gelatinesilberabzug (Vintage). Montierung: Auf leichtem Karton kaschiert. Maße: 11,5 x 8,5cm. Bezeichnung: Künstlerstempel verso auf dem Rückkarton. Rahmen: Passepartout. Wir danken Frau Eva Meyer-Zerbib, Man Ray Association Paris, für die freundliche, wissenschaftliche Unterstützung.- Intimes und sinnliches Portrait seiner Geliebten und Muse Lee Miller - Lee Miller war Schauspielerin und Model und wurde bekannt durch ihre eindrücklichen Fotografien als Kriegskorrespondentin im 2. Weltkrieg - Seltener und gut erhaltener Vintage- Abzug aus der Zeit um 1930 Provenienz:- Privatsammlung Nordrhein-WestfalenDer Amerikaner Man Ray ist wohl einer der bedeutendsten Fotografen des 20. Jahrhunderts. Vermutlich im Rahmen seiner ersten Einzelausstellung lernt Man Ray Marcel Duchamp kennen. Nachhaltig beeindruckt von der Begegnung freunden sich die beiden an und wenige Jahre später folgt er Duchamp nach Paris. Der erhoffte Durchbruch als Maler bleibt jedoch aus und so beginnt Man Ray ab 1922 mit der Portraitfotografie. Er portraitiert in dieser Zeit zahlreiche Größen wie Braque, Picasso und Matisse. Die vorliegende Arbeit zeigt die Amerikanerin Lee Miller, die Man Ray im Rahmen der Modefotografie zunächst als Model kennenlernt. Sie wird seine Schülerin und geht eine Liebesbeziehung mit ihm ein. Die Beziehung hält aber nur kurz. Die anfängliche Faszination Man Rays von der selbstbewussten, unabhängigen und intelligenten Amerikanerin schlägt schnell um in eine destruktive Obsession, die in Form von zunehmend sexualisierten Sujets auch beginnt, sich in Man Rays Oeuvre niederzuschlagen. 1932 trennt sich das Paar und Miller geht zurück in die Vereinigten Staaten. Gegen Ende des Zweiten Weltkriegs beginnt sie für die US-Army als Militärkorrespondentin zu arbeiten und wird als Kriegsfotografin unter anderem durch die Dokumentation der Befreiung der Konzentrationslager Buchenwald und Dachau weltberühmt. Aufsehen erregte auch ein gestelltes Foto ihres Kollegen und kurzzeitigen Lebensgefährten David E. Scherman, welches Lee Miller in der Badewanne von Hitlers Privatwohnung in München zeigt. Voraussichtliche Versandkosten für dieses Los: Absprache nach der Auktion.Erläuterungen zum Katalog

COPLEY, WILLIAM NELSON1919 New York - 1996 Key WestTitel: Scottish Ms.Datierung: 1974. Technik: Acryl auf Leinwand. Maße: 117 x 89cm. Bezeichnung: Signiert und datiert unten rechts: CPLY 74. Rahmen/Sockel: Atelierleiste. Provenienz:- CPLY Art Trust, 1976 (Aufkleber, direkt vom Künstler)- William N. Copley Estate- Paul Kasmin Gallery, New York (Aufkleber)- Sammlung Prof. Dr. Thomas Olbricht, Essen (2010 vom Vorgenannten erworben)Ausstellungen:- Paul Kasmin Gallery, New York 2010- me Collectors Room, Berlin 2011Literatur:- Ausst.-Kat. William N. Copley, X-Rated, Paul Kasmin Gallery, New York 2010, S. 121, Abb.- Charakteristisch erotisch-humorvolle Arbeit aus dem Hauptwerk des Künstlers- Unverwechselbare Farbigkeit als Beleg für Copleys Vorreiterrolle in der Pop Art- William N. Copley gilt als Bindeglied zwischen Pop Art und SurrealismusWilliam Copley, der auch unter CPLY firmierte, begann seine Karriere als Galerist und stelle Größen des Surrealismus aus. Unter den von ihm vertretenen Künstlern finden sich Namen wie René Magritte, Max Ernst oder Man Ray, die er auch als Sammler unterstütze. Heute unvorstellbar, gelang es ihm aber nicht, die Künstler erfolgreich zu vermarkten. Der Künstler Copley wird selbst oft als Vertreter des Surrealismus und als Vorläufer der Pop-Art bezeichnet. Sein Stil ist jedoch zu einzigartig, um ihn einer bestimmten Künstlergruppierung zuordnen zu können. Mit seiner unverwechselbaren Ausdrucksweise - zeichnerisch und comichaft - porträtiert er amerikanische Stereotypen und zitiert Kunst auf parodierende Weise. Thematisch beschäftigt sich das ikonische Werk des amerikanischen Provokateurs und Pop-Art-Surrealisten häufig mit dem sexuellen Begehren und der weiblichen Lust.Die hier angebotene großformatige und farbkräftige Arbeit zeigt eine junge blonde Frau, die bis auf ihre Kniestrümpfe komplett entblößt ist und dem Betrachter mit ihren gespreizten Beinen lustvoll den Blick auf ihren behaarten Intimbereich offenbart. Der wohlgeformte Körper der Frau nimmt dabei den ganzen Bildraum ein. Die linke Hand der Frau liegt auf ihren nackten Brüsten. Ihr Kopf ist nur im Anschnitt dargestellt, sodass die Identität der Frau im Verborgenen bleibt. Lediglich das von einem Pfeil durchbohrte Herz-Tattoo auf dem Gesäß unterscheidet die junge Frau von anderen und verleiht ihr ein persönliches Erkennungsmerkmal. Es steht symbolisch für Liebe und Leidenschaft und wird in Kombination mit dem Pfeil oft auch als Warnung vor emotionalen Verletzungen verstanden. Das großmaschige Karomuster der Kniestrümpfe spiegelt sich im Hintergrund und in der Bettwäsche wider. Dieses markante Webmuster der Stoffe scheint in Verbindung mit dem Bildtitel "Scottish Ms." Auskunft über die Herkunft der jungen Frau geben zu wollen.Damit zählt das Gemälde zu einer Reihe von berühmten Werken von William N. Copley, die ab Mitte der 1960er Jahre entstehen und Stereotypen sowie triviale Motive wie unter anderem Pin-Up-Mädchen zeigen, welche Copley teils mit Staatssymbolen, wie z.B. Länderflaggen, kombiniert und so subtil ironisiert.Inspiriert von surrealistischen Gemälden und Walt-Disney Zeichentrickfilmen überzeugt die dargestellte Arbeit "Scottish Ms.", aber vor allem in ihrer unverwechselbaren und einzigartigen Bildsprache. Copleys Werke scheinen flach wie Ausschnitte, aber das Zusammenspiel der Muster in starken Farbkombinationen erzeugt eine meisterhafte Illusion von Volumen und Tiefe ähnlich wie bei den Gemälden von Künstlern wie Henri Matisse. Dem Werk von William N. Copley wurde in den letzten Jahren verstärkt Beachtung geschenkt, z.B. im Zuge einer umfassenden Retrospektive in der Menil Collection in Houston und der Fondazione Prada in Mailand oder wie 2018/19 in einer großen Ausstellung im Institute of Contemporary Art in Miami. Voraussichtliche Versandkosten für dieses Los: Absprache nach der Auktion.Erläuterungen zum Katalog

A large collection of costume jewellery,to include a copper hinged foliate bangle, by Matisse Renoir, a base metal oval paste vitreous enamel brooch, a base metal vitreous enamel bead necklace, a French jet necklace, a purple glass bead necklace, a garnet bead necklace, and a large quantity of costume jewellery to include brooches, stick pins, earrings, quartz watches, etc.,together with a small group of silver,to include a silver circular Viking longship brooch, stamped '830S AH', a silver and red glass bead satellite necklace, a silver opalescent glass floral pendant, suspended by a silver curb link chain, and earrings, brooches, findings etc., all tested as silversilver - 58.04gCondition ReportMarks and scratches.Tarnish.As found.

Reg Butler, British 1913-1981 - Nude, 1970; charcoal on paper, signed and dated lower right 'Reg Butler 70', 64 x 83.5 cm (ARR) Provenance: Drue Heinz (1915-2018); private collection Note: Drue Heinz was the publisher of 'The Paris Review' from 1993-2007 and patron of the arts, sitting on the board for the Royal Academy of Arts, London and the Metropolitan Museum of Art, New York. Her collection was sold at Christie's in 2019 and included major works by Henri Matisse, Pierre Bonnard and Amedeo Modigliani. British artists included Graham Sutherland and John Craxton. 

Jean Dufy,  French 1888-1964 -  Les Battages;  oil on canvas, signed lower right 'Jean Dufy', 49.8 x 64.9 cm (ARR)  Provenance:  Christie's, London, Impressionist and Modern Paintings, Drawings and Sculpture, 7th December 1973, lot 317b (illus.);  Peter and Iris Hughes, purchased from the above and thence by descent  Note:  This work is accompanied by a signed photo-certificate no.4901 from M. Jacques Bailly dated 11th September 2023. The painting will be included in his forthcoming catalogue raisonné on Jean Dufy.  The original owner of the work Iris Hughes had an important British collection of Post-Impressionist art, including Pierre Bonnard, Walter Sickert and Maurice Utrillo, and was the daughter of Sir and Lady Maximillian Michaelis, who donated a large part of their collection to the South African National Gallery.  This beautiful work by Jean Dufy is the third work sold by Roseberys from this collection, following the successful sale of a Georges Rouault and Claude Venard in September 2023. The present work is a brilliant example of the artist’s joyful style that he developed in parallel with his brother, Raoul Dufy.  Jean Dufy had the first exhibition of his work at the celebrated Galerie Berthe Weill, Paris, in 1914. This gallery had presented the first exhibitions of many of the most important Fauve artists, including Henri Matisse, Albert Marquet and Emilie Charmy.  

Georges Rouault, French 1871-1958 -Paysage anime, 1905; watercolour, gouache and pastel on paper, signed and dated lower left 'G Rouault 1905', 54 x 65 cm (ARR) Provenance: Sotheby's, London, 24th March 2004, lot 10; Peter Feuchtwanger, Munich & London, by whom acquired at the above sale and thence by descent to the present owner; Christie’s, London, Impressionist and Modern Works on Paper & Day Sale, 19th June 2019, lot 191 (unsold); Literature: Lionello Venturi, 'Georges Rouault', Paris, 1948, no.23 (illus.);  B. Dorival & I. Rouault, 'Rouault, L'oeuvre peint, vol. I', Monte Carlo, 1988, no.375 Note: this early work demonstrates the artist's development of his unique style, imbuing the landscape with a mystical, almost religious feeling through his expressive handling of the watercolour and deep use of blue. Depicting a lone figure in a landscape with two birds sweeping through the sky, Rouault acknowledges the influence of Van Gogh on his work, in particular his 'Wheatfield with Crows', 1890 (Van Gogh Museum). This work is just one of the sixteen landscapes the artist painted between 1902 and 1909. 1905 was an important year for Rouault, exhibiting alongside his contemporaries Henri Matisse, Charles Camoin and Henri Manguin at the Salon d'Automne in Paris, where this group of artists was first called the Fauves. Rouault's works from 1905-06 are often seen as a climax of his early work in their expressive quality, paving the way to his almost iconographic later style. This would be highly influential on younger artists, in particular in Germany, in its liberation of colour and form and its transcendental qualities. 

Verve Vol. VII, Nr. 27/28. Paris, Revue Verve 1952. Enthält 8 frühe Lithographien von Marc Chagall mit Paris-Motiven. Enthält neben den Orig.-Lithographien von M. Chagall eine doppelblattgroße Orig.-Farblithographie von J. Miró. EINBAND: Illustrierter Orig.-Pappband. 36 : 27 cm. - ILLUSTRATION: Mit 8 Orig.-Lithographien (3 farb., 1 doppelblattgr.) von M. Chagall und 1 doppelblattgr. Orig.-Lithographie von J. Miró sowie 21 meist farbigen Lithographien nach G. Braque, H. Matisse, H. Laurens, A. Giacometti, A. Masson, F. Léger, J. Miró, F. Borès und M. Gromaire und weiteren tlw. montierten Abbildungen und Tafeln. - ZUSTAND: Auf Anfrage. - LITERATUR: Mourlot (Chagall) 80-87 und (Miró) 121. - Cramer (Chagall) 23 und (Miró) 25. Dabei: Verve. Vol. I, Number 3. Mit 4 Farblithographien nach M. Chagall, J. Miró, Rattner und P. Klee (The four seasons). Paris 1938. Orig.-Broschur. 35,5 : 26,5 cm. With 8 early orig. lithographs (3 in colors, 1 double-page) by M. Chagall and 1 double-page orig. lithograph by J. Miró, as well as 21 lithographs, most in colors after G. Braque, H. Matisse, H. Laurens, A. Giacometti, A. Masson, F. Léger, J. Miró, F. Borès and M. Gromaire, as well as further illustrations, some mounted. Illustr. orig. boards. - Fine copy. - 1 addition. Dieses Objekt wird regelbesteuert angeboten (R).

Attributed to Elmyr de Hory after Henri Matisse (1869-1964), pen and ink, lady and vase of flowers, bears signature and dated 4/55, 38 x 53cm

A QUANTITY OF PAINTINGS AND PRINTS ETC, to include a Sidney James Beer watercolour, signed and titled 'Clovelly' bottom right, depicting boats in the harbour at low tide - some foxing, approximate size 34cm x 24cm, an unsigned oil on canvas depicting a cottage beside a river, approximate size 22cm x 30cm, a coastal landscape signed and dated Rafiqi '74, approximate size 40cm x 75cm, unframed amateur oils on board, Gilbert Browne limited edition mezzotint 'Upper Moriston', assorted prints including Matisse, William Heaton Cooper, Canaletto etc, together with lenticular religious prints etc (box and loose)

HENRI MATISSE, Jeune Fille A La Robe Blanche, off set lithograph , signed in the plate, French vintage Montparnasse frame, 21.5cm x 26cm.

HENRI MATISSE, Danseuse Assise Sur Une Table, off set Lithograph, signed in the plate, French vintage Montparnasse frame, 20cm x 27.5cm.

Alekos Fassianos. (1935 Athen - 2022 ebd.). o.T. (Schlafender Jüngling). Um 1984.Farbstiftzeichnung auf festem Velin. 28,3 x 38,3 cm. Signiert. - Papier unmerklich gegilbt, die beiden oberen Ecken ganz leicht angestoßen. Verso punktuelle, leichte Fingerspuren und kleine Montierungsreste. Insgesamt sehr gut. Frische, zärtliche Zeichnung in leuchtenden Farben. Alekos Fassainos war einer der bekanntesten zeitgenössischen Künstler Griechenlands und näherte sich auf poetische Weise dem reichen kulturellen Erbe des Landes. Sein Werk war häufig von mythologischen Darstellungen der Antike seiner Heimat beeinflusst und ermöglicht einen unmittelbaren Zugang durch die vereinfachten Darstellungen der klar konturierten Figuren. So entstanden Arbeiten, die von einer frischen, modernen Naivität zeugen und in Teilen an die Formensprache von Matisse, Picasso oder Cocteaus erinnern. Coloured pencil drawing on strong wove paper. Signed. - Paper hardly noticeable yellowed, both upper corners very slightly bumped. Slight traces of finger marks and small traces from mounting on the verso. At all very good. Fresh, tender drawing in bright colours. - Alekos Fassainos was one of Greece's best-known contemporary artists and had a poetic approach to the rich cultural heritage of the country. His work was often influenced by mythological representations of the antiquity of his homeland and allows immediate access through the simplified depictions of the clearly contoured figures. This resulted in works that bear witness to a fresh, modern naivety and are in parts reminiscent of the formal language of Matisse, Picasso or Cocteau.

Klassische Moderne Gerhard von Haniel (1888 Elsaß-Lothringen - 1955 München)Stillleben mit Bananen. 1940er Jahre. Öl auf Leinwand. 54,5 x 60 cm. Gerahmt. Verso mit Etiketten. - Punktuell altersbedingtes, feines Craquelé. Insgesamt gut. Die Farben frisch. Stillleben in Manier der Klassischen Moderne und in vitaler, pastoser Farbigkeit. Provenienz: Privatbesitz Nordrhein-Westfalen - Sotheby`s November 1999: Rolf Deyhle Collection 20th Century Art, Los 66.- Sammlung Rolf Deyhle. - Von den Impressionisten geprägt, widmete sich Gerhard von Haniel hauptsächlich den Gattungen der Landschaftsmalerei, Stillleben und Portraits. Er war kurzzeitig Schüler von Lovis Corinth und erhielt entscheidende Impulse durch Henri Matisse während seines Aufenthaltes in Paris 1928 - 1925, die ihn sehr stark von der Manier der Impressionisten und Klassischen Moderne beeinflussten. Von Haniels Personalstil zeichnete sich dabei stets durch eine farbfreudige Palette aus, die neben der Motivik gleichberechtigter Stimmungsträger ist. Oil on canvas. Framed. With labels on the verso. - Isolated fine craquelure due to age. All in all good. Colours fresh. Still life in the manner of classical modernism and in vital, impasto colours. -Provenance: Private property, North Rhine-Westphalia - Sotheby`s November 1999: Rolf Deyhle Collection 20th Century Art, lot 66 - Rolf Deyhle Collection. - Influenced by the Impressionists, Gerhard von Haniel devoted himself mainly to the genres of landscape painting, still lifes and portraits. He was briefly a pupil of Lovis Corinth and received decisive impulses from Henri Matisse during his stay in Paris from 1928 to 1925, which strongly influenced him in the manner of the Impressionists and Classical Modernism. Von Haniel's personal style was always characterised by a colourful palette that was an equal bearer of mood alongside the motifs.

nach Henri Matisse (1869 Le Cateau - 1954 Nizza)Madame de Pompadour au Pavillon de Marsan. 1951/1980. Farblithografie auf leichtem Velin. Im Stein signiert und datiert. 84 x 64 cm (89,5 x 70 cm). Punktuell auf Unterlage und unter Passepartout montiert. - An den Kanten wenige, kaum merkliche Anstoßungen. Vereinzelt leichte Flecken und Druckspuren am Rand. Insgesamt gut. Hervorragender, farbfrischer Druck mit schmalem Rand. Vorlage für die Farblithographie war ein Ausstellungsplakat von 1951, für das wiederum ein Scherenschnitt Matisse' verwendet wurde. Colour litograph on light wove paper. On light wove paper . Signed and dated in the stone. Spo-mounted to underlying mat and under mat. - A few, hardly noticeable bumps at the edges. Isolated light stains and print marks at the margins. All in all good. Excellent impression, fresh in colour, with narrow margins. - In good condition. - The model for the colour lithograph was an exhibition poster from 1951 for which in turn a papercut by Matisse was used.

Miró. Recent paintings. Pierre Matisse. New York 1953. Mit vier Lithographien von Joan Miró, eine der beiden farbigen auf dem Umschlag und eine der beiden einfarbigen signiert, die andere doppelblattgroß, sowie zahlreichen teils farbigen Abbildungen. Lose Doppelblätter in Originalumschlag.Exemplar 55 von 100 der Vorzugsausgabe mit der signierten vierten Lithographie (Gesamtauflage 1350). - Auch der Auflagenvermerk vom Künstler signiert. - Auf Vélin d’Arches. - Ausstellungskatalog der Galerie Pierre Matisse. - Sehr selten und in privater Leinenkassette sehr gut erhalten.31,5 : 24,5 cm. [32] Seiten, 1 Lithographie. - Druckbedingte Abklatsche (offsets) der Abbildungen auf die Textseiten.Cramer 28. - Mourlot 138-141

Miró ›Cartones‹ 1958-1965. October - November - 1965. Pierre Matisse Gallery. New York 1965. Mit drei Lithographien von Joan Miró, davon eine als Umschlag und zwei farbig, davon eine signiert, die andere doppelblattgroß sowie acht farbig lithographierten Tafeln und zahlreichen Abbildungen. Lose Doppelblätter in Originalumschlag. In privater gelber Leinenkassette mit rot-goldenem Lederrückenschild.Exemplar XVIII von 75 römisch nummerierten der Vorzugsausgabe mit der zweiten und signierten Farblithographie (Gesamtauflage 1275). - Druckvermerk vom Künstler signiert und nummeriert. - Auf Vélin d’Arches. - Ausstellungskatalog der New Yorker Galerie zu den berühmten »Cartones«. - Tadellos erhalten.32 : 22,5 cm. [40] Seiten, 2 Lithographien, 8 Farbtafeln.Cramer 103. - Mourlot 382-384

Christian Peschke (Säckingen 1946). Akt im Wind. Acryl/Hartfaser. 101 x 81 cm. L. u. sign. C. Peschke. - Gutachten: Zertifikat des Künstlers, 24.09.07 - Maler und Bildhauer, tätig in Südtirol. Bilder, zumeist auf Holz, in der Tradition bedeutender Künstler der klassischen Moderne wie Picasso, Braque und Matisse, zeigen im Mittelpunkt häufig den weiblichen Körper. P. hatte Ausstellungen in Deutschland, Frankreich und Italien.

Christian Peschke (Säckingen 1946). Die weiße Reiterin. Acryl/Holz. 120 x 100 cm. L. u. sign. C. Peschke. - Gutachten: Zertifikat des Künstlers, 21.03.07 - Maler und Bildhauer, tätig in Südtirol. Bilder, zumeist auf Holz, in der Tradition bedeutender Künstler der klassischen Moderne wie Picasso, Braque und Matisse, zeigen im Mittelpunkt häufig den weiblichen Körper. P. hatte Ausstellungen in Deutschland, Frankreich und Italien.

Henri Matisse (1869-1954) Lithographic plate signed print Berggruen & Cie Paris 1953 published in 1959 lithography by Fernand Mourlot France. Frame size approx 19 x 15 inches. COLLECT ONLY

MATISSE, Henri, "Zwei Frauen", Heliogravure, 25,5 x 35, 1958, läs., R.

HENRI-GEORGES ADAM* (Paris 1904 - 1967 Perros-Guirec)Die tote Katze, 1927Tusche, aquarelliert/Papier, 25,7 × 21,5 cmsigniert Adam, datiert 27betitelt „le chat mort“SCHÄTZPREIS °€ 2000 - 4000STARTPREIS °€ 2000Der französische Hochschullehrer, Maler, Grafiker, Bildhauer und Wandteppich-Entwerfer Henri-Georges Adam wird gemeinhin der École de Paris zugerechnet. Ab1926 wirkte er als Zeichenlehrer bei der Stadt Paris. Bald fertigte er satirische Zeichnungen und politische Karikaturen. Waldemar George verglich seinen zynischen Spottgeist mit jenem von Georges Rouault. In den Dreißigerjahren schuf Adam Kuferstiche und Radierungen. In einem expressionstischen Kupferstich-Zyklus setzte er sich mit dem Krieg, spieziell den spanischen Bürgerkrieg, auseinander. Adam trat 1936 der „Association des Écrivains at Artistes Révolutionnaires (AEAR: Henri Barbusse, Jean Bernier, Andre Breton – bis 1933, Claude Cahun/Lucy Schwob, Max Ernst, Maurice Estève, André Gide, Jean Giono, Francis Jourdain, Max Lingner, Alfred Menassier, Marcel Moore/Zusanne Malherbe, Léon Moussinac, Charlotte Perriand, Édouard Pignon, Arpad Szenes, Paul Vaillant-Couturier, Charles Vildrac). Er verkehrte in den Kreisen surrealistischer Künstler wie André Breton, Louis Aragon und Paul Éluard und nahm mit Pablo Picasso, Henri Matisse, Georges Rouault, Raoul Dufy, Fernand Léger, Marc Chagall, Chaïm Soutine, Ossip Zadkine, Roger Bissière und Édouard Pignon an einer Gruppenausstellung im Théâtre de l’Alhambra teil.1942 begann Adam mit der Bildhauerei. 1943 war er zusammen mit Gaston Diehl, Léon Gischia, Jean Le Moal, Alfred Manessier, Edouard Pignon und Gustave Singier einer der Gründer des Salon de Mai; er schuf Dekors, Kostüme, Masken und zwei Statuen mit einer Höhe von vier Metern für eine Aufführung von „Les Mouches“ von Jean-Paul Sartre. Adam war mit Pablo Picasso befreundet, der ihm seine Werkstatt zur Verfügung stellte.1947 begann Adam mit der Schaffung schwarz-weißer Tapisserien Bildteppiche, für die er eine eigene Technik entwickelte. 1952 fand eine erste Retrospektive seines Gesamtwerks in Paris statt. Eine weitere folgte 1955 im Amsterdamer Stedelijk Museum. Adam stattete die französische Botschaft in Washington mit Tapisserien aus, arbeitete für das Hauptgebäude der UNESCO in Paris und für die Air France in New York. In den Sechzigerjahren schuf er etliche monumentale Skulpturen für den öffentlichen Raum. Nach einem Monument für den Unbekannten politischen Gefangenen im folgte „Le Signal“, auf dem Vorplatz des Museums von Le Havre. Adam wurde Professor für Kupferstich und anschließend Leitender Professor der Skulpturen-Werkstatt der École nationale supérieure des beaux-arts de Paris. 1959 war er Teilnehmer der documenta 2 in Kassel. Eine weitere Retrospektive fand 1966 im Musée National d’Art Moderne von Paris statt.Bitte beachten: Der Kaufpreis besteht aus Meistbot zuzüglich des Aufgeldes, der Umsatzsteuer sowie gegebenenfalls der Folgerechtsabgabe. Bei Normalbesteuerung (mit ° gekennzeichnet) kommt auf das Meistbot ein Aufgeld in der Höhe von 24% hinzu. Auf die Summe von Meistbot und Aufgeld kommt die gesetzliche Umsatzsteuer von 13%, bei Fotografien 20% hinzu. Bei Differenzbesteuerung beträgt das Aufgeld 28%. Die Umsatzsteuer ist bei der Differenzbesteuerung inkludiert.

PAULA MODERSOHN-BECKER UMKREIS Kinder mit LampionsÖl/Karton, 62,5 × 53 cmSCHÄTZPREIS °€ 800 - 1600STARTPREIS °€ 800Die deutsche Malerin Paula Modersohn-Becker, geborene Minna Hermine Paula Becker, war eine bedeutende Vertreterin des frühen Expressionismus. Ersten Kunstunterricht erhielt sie an der von Elíseo Abelardo Calderón und Bernard E. Ward gegründeten St. John’s Wood Art School in London. In Bremen erhielt sie privaten Malunterricht bei Bernhard Wiegandt. 1898 spendierte ihr Onkel Wulf von Bültzingslöwen ihr zur Belohnung für ihren erfolgreichen Studienabschluss am Lehrerinnenseminar eine Reise nach Norwegen; beide lernten dort die Malerei von Edvard Munch kennen.1893 sah sie in der Kunsthalle Bremen erstmals Bilder des Worpsweder Künstlerkreises, von Otto Modersohn, Fritz Mackensen, Fritz Overbeck, Hand am Ende und Heinrich Vogler. Modersohn wurde später Beckers Ehemann. In Berlin belegte sie einen Kurs an der Zeichen- und Malschule des Vereins der Berliner Künstlerinnen, bei Jacob Alberts und Curt Stoeving. 1896 begann sie eine eineinhalbjährige Ausbildung: Porträtmalerei bei Jacob Alberts und Martin Körte, Aktmalerei bei Ernst Friedrich Hausmann, Landschaftsmalerei bei Ludwig Dettmann. Während dieser Zeit traf sie sich öfter mit Rainer Maria Rilke, den sie später porträtierte, und der ihre Kunst bewunderte. Ein Jahrzehnt zuvor hatte Kätze Kollwitz an der sogenannten „Damenakademie“ des Vereins der Berliner Künstlerinnen studiert. 1897 wurde Becker in die Malklasse von Jeanna Bauck an der Damenakademie aufgenommen. Bauck weckte in ihr den Wunsch, nach Paris zu gehen. 1899 lernte sie Carl Vinnen und Carl Hauptmann in Berlin kennen. Während ihrer Berliner Jahre verbrachte Becker viel Zeit zum Zeichnen in Museen. Ähnlich wie die Nazarener zuvor schätzte sie vor allem die Künstler der deutschen und italienischen Renaissance wie Albrecht Dürer, Lucas Cranach, Hans Holbein d. Ä., Tizian, Botticelli und Leonardo da Vinci. Becker verbrachte widerholt viel Zeit in der Künstlerkolonie Worpswede und in Paris. Die Künstler von Worpswede bemühten sich, ähnlich wie die von Théodore Rousseau gegründete Schule von Barbizon, um eine neues Naturverständnis. Ab etwa 1898 entwarf sie im Auftrag des Kölner Schokoladeproduzenten Ludwig Stollwerck zusammen mit Otto Modersohn, Fritz Overbeck und Heinrich Vogeler Stollwerck-Bilder. In Paris war sie u. a. mit Auguste Rodin bekannt und studierte Paula Becker an der Académie Colarossi bei Courtois, Collin und Louis-Auguste Girardot. In Paris besuchte Becker Ottilie Reylaender, Schülerin und Johann Hinrich Fehrs und Fritz Mackensen. Eine weitere Freundin war Clara Westhoff. Das Ehepaar Modersohn-Becker besuchte Carls Hauptmann und lernte dort den Soziologen Werner Sombart kennen. In Dresden machten sie die Bekanntschaft von Otto Mueller. Angeregt durch eine im Salon des Indépendants gezeigte Plastik, besuchte Becker den Bildhauer Bernhard Hoetger in seinem Pariser Atelier, was einen bleibenden Eindruck bei ihr und in ihrer Malerei hinterließ. Infolge ihres zweiten Paris-Aufenthalts um 1900 herum gewannen Monumentalität und Strenge in Komposition und Form in Beckers Werk an Bedeutung, was auf eine intensive Auseinandersetzung mit Paul Gaugin, Henri Matisse und Paul Cézanne verweist. Ferner fällt die stilistische Nähe ihrer Kinderbildnissen zu den Gemälden des jungen Picasso aus der Blauen und Rosa Periode auf. In den Porträts von 1906 und 1907 zeigen sich Elemente des Kubismus.Bitte beachten: Der Kaufpreis besteht aus Meistbot zuzüglich des Aufgeldes, der Umsatzsteuer sowie gegebenenfalls der Folgerechtsabgabe. Bei Normalbesteuerung (mit ° gekennzeichnet) kommt auf das Meistbot ein Aufgeld in der Höhe von 24% hinzu. Auf die Summe von Meistbot und Aufgeld kommt die gesetzliche Umsatzsteuer von 13%, bei Fotografien 20% hinzu. Bei Differenzbesteuerung beträgt das Aufgeld 28%. Die Umsatzsteuer ist bei der Differenzbesteuerung inkludiert.

Straßner, Ernst. (Stillleben). Aquarellmalerei / Mischtechnik auf Papier. Signiert und datiert unten rechts "E. Straßner [19]58". Blattgröße 59 x 41 cm. Rahmengröße 82 x 65 cm (Querformat). (90) * Zum Künstler Ernst Straßner (1905 - 1991), vgl. dazu R. Nahrwold, Ernst Straßner, Braunschweig 1991 [Braunschweiger Werkstücke Bd. 82.]. Straßners Gesamtwerk gliedert sich wie folgt: In seiner Studienzeit 1924 - 1932 verbinden sich die Gattungen Stillleben und Portrait nach der naturalistischen Gegenstandsaufnahme wie bei seinen Vorbildern Thoma und Leibl. In den Jahren 1933 - 1945 haben Landschaftsbilder und Portraits den Vorzug, die vorwiegend in Ölmalerei mit impressionistischer Tendenz ausgeführt werden. In der Braunschweiger Zeit von 1956 - 1970 überwiegt in der Farbigkeit seiner Bilder der Kolorismus seiner Vorbilder Matisse, Purmann und Bonnard. Ab 1971 herrscht das koloristische Valeur seines Vorbildes Cézanne vor. Das Stillleben in hellen und leuchtenden Farben zeigt einen eine Schüssel mit Früchten und eine kleine Vase mit Blumen, eingerahmt von einer Vase und einem Krug als Dekoration, vor abstrakt wirkendem Hintergrund. Zustand: Mit altersbedingten unauffälligen Schab- und Kratzspuren, etwas angestaubt. Rückseitig mit Klebe- und Montageresten. Der schlichte Rahmen ist defekt bzw. beschädigt. Schöne und farbenfrohe Darstellung.

Quality Costume Jewellery, comprising a metal and enamel decorative collar and matching earrings, and a Matisse vintage American red copper collar.

After Henri Matisse,French 1869-1954,Teeny,1938/1959;linocut on wove,30.3 x 22.7 cm,(unframed)

Duncan Grant (British, 1885-1978)Dancers oil on canvas71.2 x 91.6 cm. (28 x 36 in.)Painted in 1912Footnotes:ProvenanceAcquired from the 1912 exhibition by Hilton Young (later Lord Kennet of the Dene), thence by descent to the present ownerPrivate Collection, U.K.ExhibitedLondon, Grafton Galleries, Second Post-Impressionist Exhibition, 5 October-31 December 1912, cat.no.81London, Whitechapel Art Gallery, Twentieth Century Art, 8 May-20 June 1914, cat.no.310London, The Wallace Collection, organised by the British Council Fine Arts Committee for the Venice Biennale, May-June 1940, cat.no.155London, Barbican Art Gallery, Modern Art in Britain 1910-1914, 20 February-26 May 1997, cat.no.103 (as The dancers)LiteratureAnna Gruetzner Robins, Modern Art in Britain 1910-1914, Merrell, London, 1997, pp.173-174, cat.no.103 (col.ill.)Richard Shone, The Art of Bloomsbury, Tate, London, 2002, p.69, fig.67 (ill.b&w)Throughout Duncan Grant's life as a painter, he repeatedly turned to images of dancers. The present work and its companion version (Tate, c.1910-11) are his first major attempts at the theme. Not all his images were by any means as stately as this one. He painted Spanish dancers, classical ballet scenes, figures from the Commedia dell'arte, acrobatic Chinese dancers and even a ragged girl dancing in Fitzroy Street. He himself was an ace performer at parties, even on occasion partnering Lydia Lopokova, the great Russian dancer. And from the early 1920s until the mid-1930s, he designed costumes and sets for ballets in London choreographed by masters such as Léonide Massine and Frederick Ashton. Even in his last years he eagerly attended performances by the dance companies of Martha Graham and of Merce Cunningham on their visits to London. Dance was never far from his thoughts.In 1904-05 and again in mid-1907 Grant visited Siena and was greatly struck by the frescos of Ambrogio Lorenzetti in the Palazzo Pubblico. In particular, the circle of dancing women in flowing skirts in the foreground of the 'Allegory of Good Government' was to remain a touchstone of rhythmical beauty for decades to come. They inform the group of dancers in the mural Grant carried out in 1910 for Maynard Keynes in his study in King's College, Cambridge, but we cannot forget that Grant was also a keen admirer of the work of Burne-Jones; he appears to have known the painting The Mill (Victoria and Albert Museum) showing three young women moving in a slow circle - a reflection of the Three Graces in a dreamlike, Home Counties landscape. That Grant was a highly eclectic painter has long been recognised and we can see in Dancers elements of William Blake, echoes of Raphael and Poussin and, in the Tate version particularly, strong hints of Gauguin whose work Grant was coming to know in 1910. This is especially evident in the painting's heightened colour which, however, is more subdued here than in the Tate's painting. There is a quality of mood in Gauguin - in, for example Three Tahitians (National Galleries of Scotland) - with which Grant's work is imbued. Gauguin described the islanders as having something 'solemn and religious in the rhythm of their pose, in their strange immobility'. This is certainly true of Grant's figures seen against the rising, symphonic green/yellow background. We can see Grant here as a brilliant visitor to the Symbolist movement. Some commentators have denigrated Grant's Dancers when compared to Matisse's La Danse which was also included in the Second Post-Impressionist Exhibition. A version of this was in Matisse's studio when Grant visited the artist in 1911. Although he was greatly impressed by it, it was too soon for so radical a painting to have had an immediate impact on Grant's own work. It should be noted, however, that Grant's six stately figures dance on a hilltop just as the more energetic five figures in the Matisse are seen against a deep blue sky above a section of green earth. But other visitors to the Post-Impressionist Exhibition singled out Dancers for praise, including Rupert Brooke in a rare exhibition review in which he is mostly rather critical of his old friend's work.Grant quite often made two and sometimes three versions of a particular composition. For example, The Queen of Sheba and the Lemon Gatherers (both in the Tate) exist in more than one version, the former from the same year, 1912, the latter from 1910 and, stylistically different, from c.1919. There is no record as to why Dancers was repeated with more than a year between them. It is probable that Grant was satisfied with the image and wished to take it further in a more advanced style (the women are more angular, the brushstrokes more free, the contours broken along the bodies of each figure). Both versions were quickly acquired which would certainly have helped Grant's precarious financial situation.Dancers was purchased from the Second Post-Impressionist Exhibition held in 1912-13 at the Grafton Galleries, London, by Hilton Young, later 1st Baron Kennet (1879-1960). As a child, Young had become friendly with Sir Leslie Stephen's son, Thoby, and through him became intimate with his sisters Vanessa and Virginia. He was enamoured with the latter but his marriage proposal was rejected. He continued, however, as a visitor to the famous early Bloomsbury gatherings in Gordon Square. It was then that he came to know Duncan Grant and to appreciate his work; there was even talk of his sitting to Grant for a portrait but nothing came of it. Young owned a cottage near Marlborough which he rented to Lytton Strachey in 1912. Strachey found peace there to begin work on his Eminent Victorians but complained in letters to friends of the rather dreary conservative taste of the interiors. Perhaps Young got wind of this and purchased the Dancers as an answer to such criticisms. The first version of the painting was owned by Sir Edward Marsh (who bequeathed it to the Tate Gallery in 1953); the present version is much less known and has remained until now with Hilton Young's descendants.We are grateful to Richard Shone for compiling this catalogue entry.This lot is subject to the following lot symbols: ARAR Goods subject to Artists Resale Right Additional Premium.For further information on this lot please visit Bonhams.com

Ian Davenport (British, born 1966)Puddle Painting: Jazz signed, titled and dated 'I. Davenport/2010/Puddle Painting: Jazz' (verso)acrylic on stainless steel147 x 123.3 cm. (57 7/8 x 48 1/2 in.)(unframed)Footnotes:ProvenanceWith Waddington Custot, London, 15 October 2010, where acquired by the present ownerPrivate Collection, U.K.Ian Davenport's gloriously vibrant Puddle Painting: Jazz is a fantastic example of his signature and instantly recognisable style of poured paintings, where the colours have been allowed to pool and collect towards the lower edge. Davenport plays with both chance and order in these puddle paintings, using heavy duty syringes to pour acrylic paint down stainless steel panels, in meticulously ordered lines, but then tilting and shifting the panel as the paint flows towards the bottom, creating wayward swirls which are entirely spontaneous. A joyful riot of colour, here technicolour stripes of magenta, blue, bright green and orange, as well as an array of others, have been poured on a black background, creating a colour scheme of high contrast and rich intensity. The present work is inspired by Matisse's 1947 book Jazz, which is widely considered to be one of the most important illustrated books of the modern period. The book, which is made up of twenty brightly coloured illustrations which Matisse created by using cut and pasted paper, take as their subject the theatre and circus. The title, which hints at a musical subject matter, was likely chosen to allude to the experimental and improvisational nature of the compositions. Here, Davenport has chosen colours which reflect the highly saturated tones of these inspiring prints, creating an ingenious chromatic homage to Matisse which is nevertheless distinctly in his own signature style. As he has noted: 'There is a certain amount of research that goes into the paintings. Often the colours are taken from another source, this might be a landscape or an old master painting, for example Monet is a big influence, as is Turner.' (Ian Davenport, interview with Artimage, 2018). Davenport has continued to explore this focus on the subtleties of different colour schemes, including significantly in the beautiful Giardini Colourfall which was on display at The Swatch Pavilion for the duration of the Venice Biennale in 2017, which was inspired by the palette of masterpieces by Gustav Klimt, Claude Monet and Pietro Perugino. Puddle Painting: Jazz is illustrative of how the artist's practice has changed with time, and illustrates the transition from the earlier poured paintings where the pigment flowed in straight lines vertically down the length of each piece. As in the present work, this experimentation with elements of chance has continued in subsequent pieces where the pigment is allowed to escape the confines of the panel itself, and cascade and collect in exuberant pools which add a three-dimensional, sculptural aspect.We are grateful to the Artist's Studio for their assistance in cataloguing this lot.This lot is subject to the following lot symbols: ARAR Goods subject to Artists Resale Right Additional Premium.For further information on this lot please visit Bonhams.com

Yiannis Tsarouchis (Greek, 1910-1989)Jeune homme couché technique mixte sur papier47 x 98cm (18 1/2 x 38 9/16in).Peint vers 1937.mixed media on paperFootnotes:ProvenanceAcquired by the father of the present owner from Tatiana Gritsi-Milliex in 1964.Conveying monumentality, corporeal presence and sculpturesque clarity, this striking nude captures the vitality and pulse of life. 'In no other painter's work, the human body is presented with such integrity, purity and open-mindedness than in the work of Tsarouchis. As a result, his pictures are transformed into a truthful language of a never-ending spiritual quest.'1 Painted in 1937, the work showcases the artist's realist approach, as well as a tendency to elaborate on stylistic elements from Matisse. Its surface texture, broad, overlapping planes of colour, shallow compositional structure, silent inflexibility and sweeping brushstrokes, immediately capture the eye and recall the teachings of the French master (Compare Matisse's The dream, 1935, Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris; and Large reclining nude, also known as The pink nude, 1935, Baltimore Museum of Art). Moreover, the simplified contours, flat patterning, and search for balance between figure and field are characteristic of Matisse's art in the mid-1930s when he made many paintings and drawings of the nude. Radically abbreviated and daringly bold in style2, this picture of a male body—Tsarouchis's signature image—conveys a world of pure form where line, shape and colour have acquired a life of their own, pushing the figure to the boundaries of the canvas and by extension towards the limits of representation. 1 T. Niarchos, 'A Natural Phaenomenon' [in Greek], in Yannis Tsarouchis, It's Good to Confess, Kastaniotis editions, Athens 1986, p. 293.2 'I asked this model to sit for me at my studio to paint him in a way that differed from that of the Athens School of Fine Arts.' Yannis Tsarouchis Painting, Comments [in Greek], Yannis Tsarouchis Foundation, Athens 1990, p. iv.This lot is subject to the following lot symbols: ARAR Goods subject to Artists Resale Right Additional Premium.For further information on this lot please visit Bonhams.com

EPHEMERA, art print selection, inc. Shelter Prints, Henry Moore, 3 different, all circa 1940; Henri Matisse, all overmounted with white card, 12 x 16 overall, EX, 4

Henri Matisse ( 1869-1954)-graphic, colour litography on paper , signed in the stone and dated 1953 addition Murlot Paris in passepartout . 20X20 cm

HENRI MATISSE, Jeune Femme Assise, off set lithograph, signed in the plate, vintage French Montparnasse frame, 21 x 27cm. (Subject to ARR - see Buyers Conditions)

HENRI MATISSE, Jeune femme assise avec fleur, Off set lithograph, signed in the plate, Vintage French frame, 19 x 27cm. (Subject to ARR - see Buyers Conditions)

HENRI MATISSE, Jeune femme jaune chaise, Off set lithograph signed in the plate, Vintage French frame, 22 x 26.5cm. (Subject to ARR - see Buyers Conditions)

HENRI MATISSE, collotype, Femme K2, Suite: Themes & variations 1943, printed by Martin Fabiani, 25 x 33cm. (Subject to ARR - see Buyers Conditions)

Henri Matisse (1869-1954) after.La Tristesse du Roi, from Verve Vol. IX, Nos. 35-36Lithograph printed in colours, 1958, a proof without the vertical centrefold, on Arches wove paper, published by Tériade Éditeur, Paris, with full margins, sheet 365 x 530mm (14 3/8 x 20 7/8in)