JOSEP GUINOVART (Barcelona, 1927 - 2007)."Corrompido".Acrylic, pencil and collage on painted wooden box.Signed at the bottom, titled on the back.Size: 33 x 23 cm; 57 x 47 cm (frame).Guinovart's landscape suggestions are usually inspired by arid orographies such as those of the desert. Here, the strata and crevices of this aridity are captured with incisions, collage and a palette of earthy tones.Josep Guinovart trained at the Escuela de Maestros Pintores, at the Escuela de Artes y Oficios and in the classes of the FAD. He had his first solo exhibition at the Syra galleries in Barcelona in 1948. He soon acquired a solid prestige, collaborated with Dau al Set and took part in the October, Jazz and Eleven Salons. In the 1950s he lived in Paris, where he became deeply acquainted with the work of Cézanne and Matisse, who, together with Miró and Gaudí, were his most important influences. In 1955, together with Aleu, Cuixart, Muxart, Mercadé, Tàpies and Tharrats, he formed the Taüll group, which brought together the avant-garde artists of the time. He also took part in the Sao Paulo, Alexandria and Venice Biennials. His prizes include the City of Barcelona, the National Plastic Arts Prize and the Generalitat's Plastic Arts Prize. He is represented in the Museums of Modern Art in Barcelona, Madrid and Mexico City, the Museum of Open Air Sculpture in Santa Cruz de Tenerife, the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, the Museo de Bellas Artes in Bilbao, the Museo San Telmo in San Sebastián, the Museo Eusebio Sempere in Alicante, the Museo de Navarra in Tafalla, the Casa de las Américas in Havana, the Bocchum Museum in Germany, the Museo de Bellas Artes in Long Island, New York, and the Museo Patio Herreriano in Valladolid.
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ALBERT RÀFOLS CASAMADA (Barcelona, 1923-2009).Seria Herzegovina.1987Mixed media on paper.Signed and dated in the lower right-hand corner.Provenance: Private collection.Measurements: 43 x 59 cm; 51 x 66 cm.After a brief figurative period, the 1950s gave way to a more schematic and structured conception of reality, with a clearly abstractionist bias, which he would cultivate throughout the rest of his life. During the 1980s and as his work progressed, it became increasingly closer to plastic poetry, filled with sensations and emotions, which can be observed in signs that veiledly refer us to everyday objects. Likewise, there is a clear protagonism of colour, which now fills the scenes, creating delicate and enveloping atmospheres.A painter, teacher, writer and graphic artist, Ràfols Casamada enjoys great international prestige today. He started out in the world of drawing and painting with his father, Albert Ràfols Cullerés. In 1942 he began studying architecture, although he soon abandoned it to devote himself to the plastic arts. His father's post-impressionist influence and his particular cézannism mark the works presented in his first exhibition, held in 1946 at the Pictòria galleries in Barcelona, where he exhibited with the group Els Vuit. Subsequently, he gradually developed a poetic abstraction, amorphous in its configuration, free and intelligent, the fruit of a slow gestation and based on the atmospheres, themes, objects and graphics of everyday life. Ràfols Casamada worked with these fragments of reality, of life, in a process of disfigurement, playing with connotations, plastic values and the visual richness of the possible different readings, in an attempt to fix the transience of reality. In 1950 he obtained a grant to travel to France, and settled in Paris until 1954. There he became acquainted with post-Cubist figurative painting, as well as with the work of Picasso, Matisse, Braque and Miró, among others. These influences were combined in his painting with that of American abstract expressionism, which was developing at the same time. When he finally returned to Barcelona he embarked on his own artistic path, with a style characterised by compositional elegance, based on orthogonal structures combined with an emotive and luminous chromaticism. After showing an interesting relationship, in the sixties and seventies, with neo-Dada and new realism, his work has focused on purely pictorial values: fields of colour in expressive harmony on which gestural charcoal lines stand out. He has received many awards, such as the National Plastic Arts Award from the Ministry of Culture in 1980, the Creu de Sant Jordi in 1982 and the CEOE Prize for the Arts in 1991. In 1985 he was named Knight of the Order of Arts and Letters of France, and is an honorary member of the Royal Academy of Fine Arts of San Fernando in Madrid. In 2003 the Generalitat awarded him the National Visual Arts Prize of Catalonia, and in 2009, just two months before his death, Grup 62 paid tribute to him at the Museu Nacional d'Art de Catalunya. His work can be found in the most important museums around the world: the Reina Sofía in Madrid, the Guggenheim and MOMA in New York, the Museum of Modern Art in Los Angeles, the Picasso Museum in France, the Georges Pompidou in Paris and the British Museum and Tate Gallery in London, among many others.
ALBERT RÀFOLS CASAMADA (Barcelona, 1923 - 2009)."Gargal", 1986.Watercolour, pencil and crayon on paper.Signed and dated in the lower left corner.With Joan Prats Gallery stamp on the back.Provenance: Private collection.Measurements: 32.5 x 69 cm; 48.5 x 78 cm (frame).After a brief figurative period, the 1950s gave way to a more schematic and structured conception of reality, with a clearly abstractionist slant, which he would cultivate throughout the rest of his life. During the 1980s and as his work progressed, it became increasingly closer to plastic poetry, filled with sensations and emotions, which can be observed in signs that veiledly refer us to everyday objects. Likewise, there is a clear protagonism of colour, which now fills the scenes, creating delicate and enveloping atmospheres.A painter, teacher, writer and graphic artist, Ràfols Casamada enjoys great international prestige today. He started out in the world of drawing and painting with his father, Albert Ràfols Cullerés. In 1942 he began studying architecture, although he soon abandoned it to devote himself to the plastic arts. His father's post-impressionist influence and his particular cézannism mark the works presented in his first exhibition, held in 1946 at the Pictòria galleries in Barcelona, where he exhibited with the group Els Vuit. Subsequently, he gradually developed a poetic abstraction, amorphous in its configuration, free and intelligent, the fruit of a slow gestation and based on the atmospheres, themes, objects and graphics of everyday life. Ràfols Casamada worked with these fragments of reality, of life, in a process of disfigurement, playing with connotations, plastic values and the visual richness of the possible different readings, in an attempt to fix the transience of reality. In 1950 he obtained a grant to travel to France, and settled in Paris until 1954. There he became acquainted with post-Cubist figurative painting, as well as with the work of Picasso, Matisse, Braque and Miró, among others. These influences were combined in his painting with that of American abstract expressionism, which was developing at the same time. When he finally returned to Barcelona he embarked on his own artistic path, with a style characterised by compositional elegance, based on orthogonal structures combined with an emotive and luminous chromaticism. After showing an interesting relationship, in the sixties and seventies, with neo-Dada and new realism, his work has focused on purely pictorial values: fields of colour in expressive harmony on which gestural charcoal lines stand out. He has received many awards, such as the National Plastic Arts Award from the Ministry of Culture in 1980, the Creu de Sant Jordi in 1982 and the CEOE Prize for the Arts in 1991. In 1985 he was named Knight of the Order of Arts and Letters of France, and is an honorary member of the Royal Academy of Fine Arts of San Fernando in Madrid. In 2003 the Generalitat awarded him the National Visual Arts Prize of Catalonia, and in 2009, just two months before his death, Grup 62 paid tribute to him at the Museu Nacional d'Art de Catalunya. His work can be found in the most important museums around the world: the Reina Sofía in Madrid, the Guggenheim and MOMA in New York, the Museum of Modern Art in Los Angeles, the Picasso Museum in France, the Georges Pompidou in Paris and the British Museum and Tate Gallery in London, among many others.
ALBERT RÀFOLS CASAMADA (Barcelona, 1923-2009)."Yucatán 3", 1987.Mixed media on Kraft paper adhered to cardboard.Signed and dated in the lower right-hand corner.Provenance: Private collection.Measurements: 22 x 32 cm; 33 x 48 cm.After a brief figurative period, the 1950s gave way to a more schematic and structured conception of reality, with a clearly abstractionist bias, which he would cultivate throughout the rest of his life. During the 1980s and as his work progressed, it became increasingly closer to plastic poetry, filled with sensations and emotions, which can be observed in signs that veiledly refer us to everyday objects. Likewise, there is a clear protagonism of colour, which now fills the scenes, creating delicate and enveloping atmospheres.A painter, teacher, writer and graphic artist, Ràfols Casamada enjoys great international prestige today. He started out in the world of drawing and painting with his father, Albert Ràfols Cullerés. In 1942 he began studying architecture, although he soon abandoned it to devote himself to the plastic arts. His father's post-impressionist influence and his particular cézannism mark the works presented in his first exhibition, held in 1946 at the Pictòria galleries in Barcelona, where he exhibited with the group Els Vuit. Subsequently, he gradually developed a poetic abstraction, amorphous in its configuration, free and intelligent, the fruit of a slow gestation and based on the atmospheres, themes, objects and graphics of everyday life. Ràfols Casamada worked with these fragments of reality, of life, in a process of disfigurement, playing with connotations, plastic values and the visual richness of the possible different readings, in an attempt to fix the transience of reality. In 1950 he obtained a grant to travel to France, and settled in Paris until 1954. There he became acquainted with post-Cubist figurative painting, as well as with the work of Picasso, Matisse, Braque and Miró, among others. These influences were combined in his painting with that of American abstract expressionism, which was developing at the same time. When he finally returned to Barcelona he embarked on his own artistic path, with a style characterised by compositional elegance, based on orthogonal structures combined with an emotive and luminous chromaticism. After showing an interesting relationship, in the sixties and seventies, with neo-Dada and new realism, his work has focused on purely pictorial values: fields of colour in expressive harmony on which gestural charcoal lines stand out. He has received many awards, such as the National Plastic Arts Award from the Ministry of Culture in 1980, the Creu de Sant Jordi in 1982 and the CEOE Prize for the Arts in 1991. In 1985 he was named Knight of the Order of Arts and Letters of France, and is an honorary member of the Royal Academy of Fine Arts of San Fernando in Madrid. In 2003 the Generalitat awarded him the National Visual Arts Prize of Catalonia, and in 2009, just two months before his death, Grup 62 paid tribute to him at the Museu Nacional d'Art de Catalunya. His work can be found in the most important museums around the world: the Reina Sofía in Madrid, the Guggenheim and MOMA in New York, the Museum of Modern Art in Los Angeles, the Picasso Museum in France, the Georges Pompidou in Paris and the British Museum and Tate Gallery in London, among many others.
ALBERT RÀFOLS CASAMADA (Barcelona, 1923-2009)."Tangonacht", 1994.Mixed media and collage on Japan paper.Signed and dated in the lower right corner. Signed, dated and titled on the back.Provenance: Private collection.Measurements: 56 x 76 cm.After a brief figurative period, the 1950s gave way to a more schematic and structured conception of reality, with a clearly abstractionist slant, which he would cultivate throughout the rest of his life. During the 1990s, until the end of his career, his production is interpreted as a study of his own work. His compositions, stable and calm, show a structural purity taken to the extreme in which symmetry, order and balance configure the use of space dominated by geometry and the complementarity of colours.A painter, teacher, writer and graphic artist, Ràfols Casamada enjoys great international prestige today. He started out in the world of drawing and painting with his father, Albert Ràfols Cullerés. In 1942 he began studying architecture, although he soon abandoned it to devote himself to the plastic arts. His father's post-impressionist influence and his particular cézannism mark the works presented in his first exhibition, held in 1946 at the Pictòria galleries in Barcelona, where he exhibited with the group Els Vuit. Subsequently, he gradually developed a poetic abstraction, amorphous in its configuration, free and intelligent, the fruit of a slow gestation and based on atmospheres, themes, objects or graphics from everyday life. Ràfols Casamada worked with these fragments of reality, of life, in a process of disfigurement, playing with connotations, plastic values and the visual richness of the possible different readings, in an attempt to fix the transience of reality. In 1950 he obtained a grant to travel to France, and settled in Paris until 1954. There he became acquainted with post-Cubist figurative painting, as well as with the work of Picasso, Matisse, Braque and Miró, among others. These influences were combined in his painting with that of American abstract expressionism, which was developing at the same time. When he finally returned to Barcelona he embarked on his own artistic path, with a style characterised by compositional elegance, based on orthogonal structures combined with an emotive and luminous chromaticism. After showing an interesting relationship, in the sixties and seventies, with neo-Dada and new realism, his work has focused on purely pictorial values: fields of colour in expressive harmony on which gestural charcoal lines stand out. He has received many prizes, such as the National Plastic Arts Award from the Ministry of Culture in 1980, the Creu de Sant Jordi in 1982 and the CEOE Prize for the Arts in 1991. In 1985 he was named Knight of the Order of Arts and Letters of France, and is an honorary member of the Royal Academy of Fine Arts of San Fernando in Madrid. In 2003 the Generalitat awarded him the National Visual Arts Prize of Catalonia, and in 2009, just two months before his death, Grup 62 paid tribute to him at the Museu Nacional d'Art de Catalunya. His work can be found in the most important museums around the world: the Reina Sofía in Madrid, the Guggenheim and MOMA in New York, the Museum of Modern Art in Los Angeles, the Picasso Museum in France, the Georges Pompidou in Paris and the British Museum and Tate Gallery in London, among many others.
ALBERT RÀFOLS CASAMADA (Barcelona, 1923 - 2009)."Lluna plena, 2000.Mixed media (watercolour, charcoal and coloured pencil) on paper glued to cardboard.Signed and dated in the lower right-hand corner.Provenance: Private collection.Size: 15 x 21 cm; 19.5 x 29 cm (frame).After a brief figurative period, the 50's gave way to a more schematic and structured conception of reality, with a clearly abstractionist bias, which he would cultivate throughout the rest of his life. During the 1990s, until the end of his career, his production is interpreted as a study of his own work. His compositions, stable and calm, show a structural purity taken to the extreme in which symmetry, order and balance configure the use of space dominated by geometry and the complementarity of colours.A painter, teacher, writer and graphic artist, Ràfols Casamada enjoys great international prestige today. He started out in the world of drawing and painting with his father, Albert Ràfols Cullerés. In 1942 he began studying architecture, although he soon abandoned it to devote himself to the plastic arts. His father's post-impressionist influence and his particular cézannism mark the works presented in his first exhibition, held in 1946 at the Pictòria galleries in Barcelona, where he exhibited with the group Els Vuit. Subsequently, he gradually developed a poetic abstraction, amorphous in its configuration, free and intelligent, the fruit of a slow gestation and based on the atmospheres, themes, objects and graphics of everyday life. Ràfols Casamada worked with these fragments of reality, of life, in a process of disfigurement, playing with connotations, plastic values and the visual richness of the possible different readings, in an attempt to fix the transience of reality. In 1950 he obtained a grant to travel to France, and settled in Paris until 1954. There he became acquainted with post-Cubist figurative painting, as well as with the work of Picasso, Matisse, Braque and Miró, among others. These influences were combined in his painting with that of American abstract expressionism, which was developing at the same time. When he finally returned to Barcelona he embarked on his own artistic path, with a style characterised by compositional elegance, based on orthogonal structures combined with an emotive and luminous chromaticism. After showing an interesting relationship, in the sixties and seventies, with neo-Dada and new realism, his work has focused on purely pictorial values: fields of colour in expressive harmony on which gestural charcoal lines stand out. He has received many awards, such as the National Plastic Arts Award from the Ministry of Culture in 1980, the Creu de Sant Jordi in 1982 and the CEOE Prize for the Arts in 1991. In 1985 he was named Knight of the Order of Arts and Letters of France, and is an honorary member of the Royal Academy of Fine Arts of San Fernando in Madrid. In 2003 the Generalitat awarded him the National Visual Arts Prize of Catalonia, and in 2009, just two months before his death, Grup 62 paid tribute to him at the Museu Nacional d'Art de Catalunya. His work can be found in the most important museums around the world: the Reina Sofía in Madrid, the Guggenheim and MOMA in New York, the Museum of Modern Art in Los Angeles, the Picasso Museum in France, the Georges Pompidou in Paris and the British Museum and Tate Gallery in London, among many others.
ALBERT RÀFOLS CASAMADA (Barcelona, 1923 - 2009).Composition, 2000.Watercolour, coloured pencils and pastel on paper with poetry glued to cardboard. Framed with passe-partout.Signed and dated in the lower left corner.Provenance: Private collection.Size: 17 x 21 cm.After a brief figurative period, the 50's gave way to a more schematic and structured conception of reality, with a clearly abstractionist bias, which he would cultivate throughout the rest of his life. During the 1990s until the end of his career, his production is interpreted as a study of his own work. His compositions, stable and calm, show a structural purity taken to the extreme in which symmetry, order and balance configure the use of space dominated by geometry and the complementarity of colours.A painter, teacher, writer and graphic artist, Ràfols Casamada enjoys great international prestige today. He started out in the world of drawing and painting with his father, Albert Ràfols Cullerés. In 1942 he began studying architecture, although he soon abandoned it to devote himself to the plastic arts. His father's post-impressionist influence and his particular cézannism marked the works presented in his first exhibition, held in 1946 at the Pictòria galleries in Barcelona, where he exhibited with the group Els Vuit. Subsequently, he gradually developed a poetic abstraction, amorphous in its configuration, free and intelligent, the fruit of a slow gestation and based on atmospheres, themes, objects or graphics from everyday life. Ràfols Casamada worked with these fragments of reality, of life, in a process of disfigurement, playing with connotations, plastic values and the visual richness of the possible different readings, in an attempt to fix the transience of reality. In 1950 he obtained a grant to travel to France, and settled in Paris until 1954. There he became acquainted with post-Cubist figurative painting, as well as with the work of Picasso, Matisse, Braque and Miró, among others. These influences were combined in his painting with that of American abstract expressionism, which was developing at the same time. When he finally returned to Barcelona he embarked on his own artistic path, with a style characterised by compositional elegance, based on orthogonal structures combined with an emotive and luminous chromaticism. After showing an interesting relationship, in the sixties and seventies, with neo-Dada and new realism, his work has focused on purely pictorial values: fields of colour in expressive harmony on which gestural charcoal lines stand out. He has received many prizes, such as the National Plastic Arts Award from the Ministry of Culture in 1980, the Creu de Sant Jordi in 1982 and the CEOE Prize for the Arts in 1991. In 1985 he was named Knight of the Order of Arts and Letters of France, and is an honorary member of the Royal Academy of Fine Arts of San Fernando in Madrid. In 2003 the Generalitat awarded him the National Visual Arts Prize of Catalonia, and in 2009, just two months before his death, Grup 62 paid tribute to him at the Museu Nacional d'Art de Catalunya. His work can be found in the most important museums around the world: the Reina Sofía in Madrid, the Guggenheim and MOMA in New York, the Museum of Modern Art in Los Angeles, the Picasso Museum in France, the Georges Pompidou in Paris and the British Museum and Tate Gallery in London, among many others.
Henri Matisse – A high quality folio of facsimile prints of the late works of French artist Henri Matisse. Entitled ‘Jazz’, this collection represents a faithful reproduction of one of the artist’s last works and is accompanied by a special book which features a translation of Matisse’s original text, and two new essays. Authored by Francesco Poli and Corrado Mingardi, and published by Thames and Hudson in 2013, condition is almost ‘as new’ with only minor marks to the case.
Portfolio, Arthur Penn third year art student special study dated 1970 entitled 'Themes & forms' Lots of abstract & figural paintings, drawings, sketches, clippings, photos and typed text with references and quotes to/from Picasso, Matisse, Moore, Kandinsky, etc. Approx overall size 20 x 14 ½ inches Unframed.
Henri Matisse (1869-1954) Lithographic print, plate signed, (French) (translates as) 'Exhibition posters produced for 25 years by the Mourlot printing house and presented on the occasion of its centenary at the Kleber Gallery Paris 1952-1953'. Published in 1958 lithography by Fernand Mourlot France. Frame size approx 23 x 19 inches.
Collection of 4 x lithographic prints (3 x Mourlot published in 1959) Pablo Picasso (1881-1973) Congres Des Peuples Pour La Paix Vienna 1952, Henri Matisse (1869-1954) Jazz Exposition Pierre Beres Paris 1947, Georges Braque (1882-1963) Galerie Adrien Maeght 1958, Marc Chagall (1887-1985) modernist/figural/animals etc published 1977. All mounted but unframed, approx overall sizes 20 x 16 inches.
A collection of art reference books. Books are: The paintings of LS Lowry oils & watercolours, Essential Monet, Derek Balmer – A Singular Vision, The Faber Gallery Gauuin (second collection), Picasso & the great painters, Atlantic Edge West Cornwall, Picasso Taschen (plastic wrapped sealed), The World of Picasso, Picasso Hans L.C Jaffe, Mary Fedden – Portland Gallery, R.I.P New York Soray Can Memorials, Patrick Heron – early & late garden paintings, Picasso Ingo F Walther Taschen, The Tate – A History – Frances Spalding, Picasso The Arts Council 1960 (damp staining), Crimes of Passion – Street Art Bristol, Charity on Camera in Edwardian Bristol, Futurism & Dadaism – Jose Pierre, The Fundamentals of Figure Drawings, Maus – A Survivors Tale – Art Spiegelman, Musse Picasso – Visitors Guide, Picasso’s Picassos, The Photo Book – Phaidon, The Silent Studio, Mary Fedden – A Retrospective, Clevedon Photographic Memories, Composition, William Blake – Kataleen Raine, 10000 of Art, Van Gogh – Josephine Cutts & James Smith, Augustus John Drawings, Impressions of the 20th Century, Metropolitan seminars in Art, Stencil Graffiti Tristan Manco, Street Logos Tristan Manco, The Life & Works of Andy Warhol. Also included are Adventures with Shapes, Chichester 10 Portrait of a Decade, Matisse Erotic Sketches, Sketches in Pen & Ink, Anatomy Figure Drawing Handbook, The Royal College of Art – Christopher Frayling, Van Gogh A.M Hammacher, Barbara Hepworth, Barbara Hepworth Sculpture Garden, Positivesverses by Thom Gunn, Henry Moore Penguin Books, The Virgin Mary through the eyes of painters, Tutankhamen – Christiane Desroches-Noblecourt, Barnens Konstbook, Leonardo 80 colour plates – dolphin art book, Barbara Hepworth – Centenary, Munch Grange Books, Passion for Paint the life and work of Barrington Tabb (signed), Kurt Jackson – paintings of Cornwall & the Scillies, Gasworks to Gallery – the story of Tate St Ives, Essential Klimt, Bristol Impressionists, The Peggy Guggenheim Collection, Essential William Morris, Simon Schama’s Power of Art, The Story of Art E.H Gombrich, Titian Norbert Wolf, Gauguin , Pablo Picasso Four Themes, Bacon Luigi Ficacci – Taschen, British Watercolour & Drawings Jessica Feather, Klee Will Grohmann, Stanley Spencer an English Vision, Diana in Art, The Banksy Q, Kandinsky – Taschen, Hopper – Taschen, Schiele – Taschen, Japanese Colour Prints, Henry Moore’s Sheep Sketches book, Holbein to Hockney from the Royal Collection, Frida Kahlo Diego Rivera & Mexican Modernism, In the Shadows of no Towers – Art Spiegelman, Home Sweet Home – Banksy, Ben Nicholson Norbert Lynton, Henri Matisse Cut-Outs – Taschen.
ALBERT RÀFOLS CASAMADA (Barcelona, 1923 - 2009).Untitled, 1990.Ink on silk paper.Signed and dated in the lower right corner.Provenance: Private collection.Size: 90 x 60 cm; 109 x 79 cm (frame).After a brief figurative period, the 50's gave way to a more schematic and structured conception of reality, with a clearly abstractionist bias, which he would cultivate throughout the rest of his life. During the 1990s, until the end of his career, his production is interpreted as a study of his own work. His compositions, stable and calm, show a structural purity taken to the extreme in which symmetry, order and balance configure the use of space dominated by geometry and the complementarity of colours.A painter, teacher, writer and graphic artist, Ràfols Casamada enjoys great international prestige today. He started out in the world of drawing and painting with his father, Albert Ràfols Cullerés. In 1942 he began studying architecture, although he soon abandoned it to devote himself to the plastic arts. His father's post-impressionist influence and his particular cézannism mark the works presented in his first exhibition, held in 1946 at the Pictòria galleries in Barcelona, where he exhibited with the group Els Vuit. Subsequently, he gradually developed a poetic abstraction, amorphous in its configuration, free and intelligent, the fruit of a slow gestation and based on atmospheres, themes, objects or graphics from everyday life. Ràfols Casamada worked with these fragments of reality, of life, in a process of disfigurement, playing with connotations, plastic values and the visual richness of the possible different readings, in an attempt to fix the transience of reality. In 1950 he obtained a grant to travel to France, and settled in Paris until 1954. There he became acquainted with post-Cubist figurative painting, as well as with the work of Picasso, Matisse, Braque and Miró, among others. These influences were combined in his painting with that of American abstract expressionism, which was developing at the same time. When he finally returned to Barcelona he embarked on his own artistic path, with a style characterised by compositional elegance, based on orthogonal structures combined with an emotive and luminous chromaticism. After showing an interesting relationship, in the sixties and seventies, with neo-Dada and new realism, his work has focused on purely pictorial values: fields of colour in expressive harmony on which gestural charcoal lines stand out. He has received many prizes, such as the National Plastic Arts Award from the Ministry of Culture in 1980, the Creu de Sant Jordi in 1982 and the CEOE Prize for the Arts in 1991. In 1985 he was named Knight of the Order of Arts and Letters of France, and is an honorary member of the Royal Academy of Fine Arts of San Fernando in Madrid. In 2003 the Generalitat awarded him the National Visual Arts Prize of Catalonia, and in 2009, just two months before his death, Grup 62 paid tribute to him at the Museu Nacional d'Art de Catalunya. His work can be found in the most important museums around the world: the Reina Sofía in Madrid, the Guggenheim and MOMA in New York, the Museum of Modern Art in Los Angeles, the Picasso Museum in France, the Georges Pompidou in Paris and the British Museum and Tate Gallery in London, among many others.
ALBERT RÀFOLS CASAMADA (Barcelona, 1923-2009).White series-5."Red Penya" 1984.Mixed media and on paper.Signed and dated in the lower left corner. Signed, titled and dated on the back.Provenance: Private collection.Measurements: 64 x 49 cm.After a brief figurative period, the 1950s gave way to a more schematic and structured conception of reality, with a clearly abstractionist bias, which he would cultivate throughout the rest of his life. During the 1980s and as his work progressed, it became increasingly closer to plastic poetry, filled with sensations and emotions, which can be observed in signs that veiledly refer us to everyday objects. Likewise, there is a clear protagonism of colour, which now fills the scenes, creating delicate and enveloping atmospheres.A painter, teacher, writer and graphic artist, Ràfols Casamada enjoys great international prestige today. He started out in the world of drawing and painting with his father, Albert Ràfols Cullerés. In 1942 he began studying architecture, although he soon abandoned it to devote himself to the plastic arts. His father's post-impressionist influence and his particular cézannism mark the works presented in his first exhibition, held in 1946 at the Pictòria galleries in Barcelona, where he exhibited with the group Els Vuit. Subsequently, he gradually developed a poetic abstraction, amorphous in its configuration, free and intelligent, the fruit of a slow gestation and based on atmospheres, themes, objects or graphics from everyday life. Ràfols Casamada worked with these fragments of reality, of life, in a process of disfigurement, playing with connotations, plastic values and the visual richness of the possible different readings, in an attempt to fix the transience of reality. In 1950 he obtained a grant to travel to France, and settled in Paris until 1954. There he became acquainted with post-Cubist figurative painting, as well as with the work of Picasso, Matisse, Braque and Miró, among others. These influences were combined in his painting with that of American abstract expressionism, which was developing at the same time. When he finally returned to Barcelona he embarked on his own artistic path, with a style characterised by compositional elegance, based on orthogonal structures combined with an emotive and luminous chromaticism. After showing an interesting relationship, in the sixties and seventies, with neo-Dada and new realism, his work has focused on purely pictorial values: fields of colour in expressive harmony on which gestural charcoal lines stand out. He has received many awards, such as the National Plastic Arts Award from the Ministry of Culture in 1980, the Creu de Sant Jordi in 1982 and the CEOE Prize for the Arts in 1991. In 1985 he was named Knight of the Order of Arts and Letters of France, and is an honorary member of the Royal Academy of Fine Arts of San Fernando in Madrid. In 2003 the Generalitat awarded him the National Visual Arts Prize of Catalonia, and in 2009, just two months before his death, Grup 62 paid tribute to him at the Museu Nacional d'Art de Catalunya. His work can be found in the most important museums around the world: the Reina Sofía in Madrid, the Guggenheim and MOMA in New York, the Museum of Modern Art in Los Angeles, the Picasso Museum in France, the Georges Pompidou in Paris and the British Museum and the Tate Gallery in London, among many others.
MAURICE DE VLAMINCK , PARIS, 1876 - RUEIL-LA-GADELIÈRE, 1952 Varied Bouquet Oil on canvas 65 x 55 cm Underneath its apparent simplicity, this bouquet of flowers offers us a manifesto of Vlaminck's painting. Everything here speaks to us of his touch, his style, his palette... the background with its still fauvist colours on which these flowers stand out with more impasto touches, already announces the transition of his style. The table at an angle, where the vase rests, offers a semblance of depth, but the disappearance of its contours in the coloured variations of the wall abolishes any notion of plan. In defiance of all optical laws, the shadow cast by the bouquet invades the table but remains curiously contained by its raised edge, as if it were liquid. The vase, slightly off-centre, brings its white roundness to the composition and in return receives the circular application of a white reflection, the only touch of bright light. The flowers with their sharp colours also show the liveliness of the painter's touch. The gladioli with their red petals dart their agitated stems above the wallflowers with their bright yellow and vermilion dappled patches... This floral fireworks contrasts with the serenity of the background, whose more diluted colours, inherited from his Fauvist period, evoke a landscape bathed in the light of dawn. Between still life and landscape, Vlaminck seems to want to blur the lines.Maurice de Vlaminck (1876-1952) was a self-taught painter of Belgian origin. He became known, as early as 1905, for his participation in the Salon d'automne, which caused a scandal. With his friends Derain, Matisse and Dufy, he initiated a new style described by critics as 'Fauvist' and characterised by bright, pure colours applied in large areas without direct reference to the painted object. Although the movement hardly lasted beyond the 1910s, it nevertheless left its mark on all of Vlaminck's work. From 1907 onwards, he discovered the work of Cézanne, which was to be his second great revelation and would have a great influence on his landscape compositions. On the other hand, his aversion for Picasso and cubism, will oppose him during the second world war to the Spanish master and to an avant-garde of which he had been an active member. Vlaminck's painting is generous and spontaneous. On the borderline of the figurative, his style, with broadly brushed strokes and saturated colours, owes as much to the work of Van Gogh, for his taste for impasto, as to that of Cézanne, for his daring spatial constructions. Certificate: Wildenstein Institute Signatur: Signed lower right 'Vlaminck'
ALBERT MARQUET , BORDEAUX, 1875 - PARIS, 1947Avenue de VersaillesOil on canvas 65 x 81 cmA vast perspective crosses the painting at an angle, inviting us to walk up the course of this avenue and to search in vain for its end. Indeed, the latter seems to disappear completely into the canvas in a fade where forms and colours gradually lose their substance. The facture is tenuous, the filigree silhouettes of the buildings that line the only visible side of this avenue are only perceptible through their windows and their grey gables. The façades are as light as the ground... The only coloured spots are the orange roofs and the yellow ochre foliage of the trees, which are already thinning out, it is autumn. The touch is very present, the pavement is no more than a more or less strong yellow line. The great economy of means with which Marquet renders this autumnal Parisian evening is characteristic of his sensitive and delicate manner. Already the shadows of the buildings on the left, invisible, lengthen, streaking the avenue with dark stripes. The painter probably dyes himself on the floor of one of his buildings to capture these last hours of the afternoon Albert Marquet (1875-1947) was a French landscape painter. In 1905, he participated in the 'Fauves' exhibition with his friends Matisse and Derain. Sensitive to the rendering of colours according to the variations of light, he painted numerous series of the same subject according to the hours of the day, the seasons and the climate. Thus he chose Paris as his favourite subject. The views of Paris date from this 'Fauvist' period, where the refined composition bears witness to his chromatic research. The colour constructs the space. After the First World War, he travelled to the Maghreb discovering the light of North Africa, but also to Belgium and Holland with a taste for ports and seascapes. He met Signac with whom he enjoyed painting. In 1939, he settled on the banks of the Seine in La Frette, to paint at leisure the river he loved so much. From this last retreat date a number of views of the Seine, testifying to his talent for representing water in its various occurrences, dense or transparent, thanks to a very sensitive appreciation of light reflections.Work listed in Jean-Claude Martinet & Guy Wildenstein's Catalogue raisonné de l'oeuvre d'Albert Marquet, Wildenstein Institute, Paris, 2001.Certificate: Wildenstein Institute Signatur: Signed lower right
Mourlot - - Prints from the Mourlot Press. Exhibition sponsored by the French Embassy. Circulated by the Traveling Exhibition Service of the National Collection of Fine Arts Smithonian Institution 1964-1965. Mit 20 Lithographien, meist farbig und blattgross, eine davon auf dem Umschlag. Paris, Mourlot, 1964. Farbig illustrierte Original-Broschur (minimal gebräunt). Eines von 200 nummerierten Exemplaren auf Vélin de Rives für Künstler, Mitarbeiter und Freunde des Verlags (GA 2200). - Mit Lithographien von Chagall (Mourlot 415), Picasso (Mourlot 400), Miró (Mourlot 332/333), Beaudin, Estève, Matisse, Cocteau, Calder, Giacometti, Glarner, Jenkins, u. a. - Mit dieser wichtigen Ausstellung würdigte der französische Staat die Arbeit und Bedeutung eines der wichtigsten Drucker-Verleger des 20. Jahrhunderts. - Teils etwas braunfleckig. Graphiken farbsatt. Gutes Exemplar. With 20 lithographs, mostly in colour and sheet size, one of them on the cover. Numbered copy - On wove paper (papier vélin) by Rives. - With lithographs by Chagall (Mourlot 415), Picasso (Mourlot 400), Miró (Mourlot 332/333), Beaudin, Estève, Matisse, Cocteau, Calder, Giacometti, Glarner, Jenkins and others - With this important exhibition the French state honoured the work and importance of one of the most important printer-publishers of the 20th century.
Henri Matisse (nach). (1869 Le Cateau - 1954 Nizza). Jazz. Mit 20 (15 doppelblattgroße) Farblithographien in Pochoirtechnik sowie lithographische Künstlerhandschrift. (Faksimile-Nachdruck von Mourlot). Am Ende: Dominique Szymusiak. "A propos du Jazz de Matisse". (Paris), Arcueil Cedex, Editions Anthèse, 2004. 146 S., 3 Bll., III S. Folio. Lose Bögen. OUmschlag in OLwd.-Mappe mit schwarzgepr. RTitel. im OLwd.-Schuber. Eins von 1500 Exemplaren auf Lana Royal 250. - Vgl. Duthuit/Garnaud 22. - Brillanter Druck bei Idem-Mourlot unter der Leitung von Claude Draeger u. Mario Ferreri. Matisses Buch Jazz ist ein ikonisches Werk der Buchkunst, das aus zwanzig Illustrationen sowie Texten von Henri Matisse besteht. Es basiert auf Scherenschnitten und ist eines der wichtigsten Künstlerbücher des 20. Jahrhunderts. Das Buch ist der Höhepunkt für Matisse' Technik der "papiers découpés". One of 1500 copies. With 20 (15 double page) coloured lithographs and lithographic artist's manuscript. - Loose leaves in orig. wrappers in orig. cloth folder with black stamped title to spine in orig. cloth slip-case. Matisse's book Jazz is an iconic work of book art consisting of twenty illustrations and texts by Henri Matisse. It is based on silhouettes and is one of the most important artist's books of the 20th century. The book is the culmination of Matisse's technique of "papiers découpés".
Stéphane Mallarmé. L'après-midi d'un Faune. Eines Faunen Nachmittag. Deutsche Nachdichtung von Edwin Maria Landau avec cinq eaux-fortes de Maurice Barraud. Mit 6 (5 ganzseitigen signierten) Original-Radierungen von Maurice Barraud. Zürich, Chiron-Presse, 1948. 28 nn. Bll. Folio. OKart.- Umschlag in Orig.-Halbpergamentdecke in Orig.-Papp-Schuber (Schuber leicht stockfleckig, Umschlag gebräunt). Eins von XXV Exemplaren (GA 178) Hors Commerce, Druckvermerk signiert von "Edwin Maria Landau". - Nicht bei Dutel - Die gratigen erotischen Radierungen im Stile von Matisse. - Schöner, großzügiger Druck auf Bütten. With 6 (5 full-page signed) original etchings by Maurice Barraud. Original cardboard cover in original half vellum cover. - One of XXV copies (GA 178) of Hors Commerce, imprint signed by "Edwin Maria Landau". - - The burr erotic etchings in the style of Matisse. - Beautiful, rich print on laid paper.
Henri Matisse - - Tristan Tzara. Le signe de vie. Mit 1 OLithographie und 6 Illustrationen von Matisse. Paris, Bordas, 1946. 56 S., 3 Bl. Gr.-8°. OBroschur mit OSchutzumschlag. Carteret IV 383. - Erste Ausgabe. Eines von 200 nummer. Exemplaren auf Rives BFK mit Wasserzeichen Bordas, von Tristan Tzara und Henri Matisse signiert (GA 540). - Im Frontispiz eine OLithographie von Matisse mit Bleistift signiert. Kolophon von Tristan Tzara mit Tinte signiert. - Teils unaufgeschnitten. Special edition - Handsigned by Matisse. - With 6 illustrations and 1 original lithograph by Henri Matisse signed in pencil. - First edition, one of the 300 numbered copies on Rives BFK with watermark Bordas, signed in ink by Tristan Tzara on the colophon and by Matisse in pencil. - Partly uncut, clean and beautiful copy.
Henri Matisse, French, 1869-1954, Untitled, from Poesies, 1932; etching in black and white on Japanese wove, inscribed page 35 in pencil on the reverse, edition of 145, sheet: 33 x 25 cm, (framed) (ARR) Note: Poesies was published by Stephane Mallarme featuring 29 etchings by Matisse, of which this piece is page 35Provenance: Alan Cristea Gallery, LondonPlease refer to department for condition report
Henri Matisse, French, 1869-1954, Onze variantes (1), from Pasiphae, 1981; linocut in black and white on wove, numbered 79/100 in pencil, with the HM blindstamp, sheet: 32 x 25 cm, (unframed) (ARR)Note:The linocut plate was made by Matisse in his life time but this edition was issued by the heirs of Matisse in 1981Literature: Catalogue raisonne des ouvrages illustres, Claude Duthuit, Paris 1988Provenance: Alan Cristea Gallery, London Please refer to department for condition report
Henri Matisse, French 1869-1954, Un meuglement different des autres, no.4, from Pasiphaé,1981; linocut in black and white on wove, numbered 79/100 in pencil, with the HM blindstamp, sheet 32 x 25 cm (unframed) (ARR)Note: The linocut plate was made by Matisse in his life time but this edition was issued by the heirs of Matisse in 1981. Printed by Fequet et Baudier, ParisLiterature: Catalogue raisonne des ouvrages illustres, Claude Duthuit, Paris 1988, no.54Provenance: Alan Cristea Gallery, London W1Please refer to department for condition report
Books: ArtA selection of Sir Terence Conran's books relating to art, artists and art history, approximately 130 vols., including: ELDEFIELD (JOHN), The Drawings of Henri Matisse, 1984-- MAILER (Norman), Portrait of Picasso as a Young Man, 1995-- GLAZEBROOK (Mark), David Hockney: Paintings, prints and drawings 1960-1970, 1970-- RITCHIE (Andrew Carnduff), Sculpture of the Twentieth Century, 1952, etc.,This lot is subject to the following lot symbols: • TP• Zero rated for VAT, no VAT will be added to the Hammer Price or the Buyer's Premium.TP Lot will be moved to an offsite storage location (Cadogan Tate, Auction House Services, 241 Acton Lane, London NW10 7NP, UK) and will only be available for collection from this location at the date stated in the catalogue. Please note transfer and storage charges will apply to any lots not collected after 14 calendar days from the auction date.For further information on this lot please visit Bonhams.com
Matisse (Henri). Dessins de Henri-Matisse. Paris: Cahiers d'Art, [1936], 36 tipped-in monochrome plates, introductory printed texts by Christian Zervos and Tristan Tzara, loosely contained in original publisher's paper overwrapper, frayed and with a little loss to extremities, 4to (33 x 25 cm, 13 x 10 ins)QTY: (1)
Henri Matisse (1869-1954)Formes, from Jazz (Duthuit Books 22) Pochoir in colours, 1947, on Arches wove paper, a proof aside from the portfolio edition of 100 (there is also a book edition of 250 with the vertical fold), published by Tériade Éditeur, Paris, the full sheet, with deckle edges at left and rightSheet 420 x 655mm. (16 1/2 x 25 5/8in.)Footnotes:ProvenanceGifted by the publisher Tériade to the family of the current owner.This lot is subject to the following lot symbols: * AR* VAT on imported items at a preferential rate of 5% on Hammer Price and the prevailing rate on Buyer's Premium.AR Goods subject to Artists Resale Right Additional Premium.For further information on this lot please visit Bonhams.com
Henri Matisse (1869-1954)Le Tobogan, from Jazz (Duthuit Books 22) Pochoir in colours, 1947, on Arches wove paper, a proof aside from the portfolio edition of 100 (there is also a book edition of 250 with the vertical fold), published by Tériade Éditeur, Paris, the full sheet, with deckle edges at left and rightSheet 420 x 652mm. (16 1/2 x 25 5/8in.)Footnotes:ProvenanceGifted by the publisher Tériade to the family of the current owner.This lot is subject to the following lot symbols: * AR* VAT on imported items at a preferential rate of 5% on Hammer Price and the prevailing rate on Buyer's Premium.AR Goods subject to Artists Resale Right Additional Premium.For further information on this lot please visit Bonhams.com
Henri Matisse (1869-1954)Enterrement de Pierrot, from Jazz (Duthuit Books 22) Pochoir in colours, 1947, on wove paper, a proof aside from the portfolio edition of 100 (there is also a book edition of 250 with the vertical fold), published by Tériade Éditeur, Paris, the full sheet, a deckle edge at left and rightSheet 420 x 655mm. (16 1/2 x 25 5/8in.)Footnotes:ProvenanceGifted by the publisher Tériade to the family of the current owner.This lot is subject to the following lot symbols: * AR* VAT on imported items at a preferential rate of 5% on Hammer Price and the prevailing rate on Buyer's Premium.AR Goods subject to Artists Resale Right Additional Premium.For further information on this lot please visit Bonhams.com
Henri Matisse (1869-1954)Le Loup, from Jazz (Duthuit Books 22) Pochoir in colours, 1947, on Arches wove paper, a proof aside from the portfolio edition of 100 (there is also a book edition of 250 with the vertical fold), published by Tériade Éditeur, Paris, the full sheet, deckle edges at left and rightSheet 420 x 655mm. (16 1/2 x 25 5/8in.)Footnotes:ProvenanceGifted by the publisher Tériade to the family of the current owner.This lot is subject to the following lot symbols: * AR* VAT on imported items at a preferential rate of 5% on Hammer Price and the prevailing rate on Buyer's Premium.AR Goods subject to Artists Resale Right Additional Premium.For further information on this lot please visit Bonhams.com
James Lawrence Isherwood (British, 1917- 1989) after Matisse Female nudeoil on boardsigned and dated '7049 x 39cm***CONDITION REPORT***Good untouched condition, foliate gold scroll frame.PLEASE NOTE:- Prospective buyers are strongly advised to examine personally any goods in which they are interested BEFORE the auction takes place. Whilst every care is taken in the accuracy of condition reports, Gorringes provide no other guarantee to the buyer other than in relation to forgeries. Many items are of an age or nature which precludes their being in perfect condition and some descriptions in the catalogue or given by way of condition report make reference to damage and/or restoration. We provide this information for guidance only and will not be held responsible for oversights concerning defects or restoration, nor does a reference to a particular defect imply the absence of any others. Prospective purchasers must accept these reports as genuine efforts by Gorringes or must take other steps to verify condition of lots. If you are unable to open the image file attached to this report, please let us know as soon as possible and we will re-send your images on a separate e-mail.
Gabriele Münter 1877 Berlin - 1962 Murnau Mädchen und Fischer mit Booten. Wohl um 1915. Öl auf Malpappe. Verso mit dem Nachlassstempel, mit einem Aufkleber mit der gestempelten Nummer 1257 sowie mehreren handschriftlichen Vermerken. 38 x 46 cm (14,9 x 18,1 in). • Während des Skandinavienaufenthalts Münters entstehen einige ihrer bedeutendsten Werke. • Erstmals auf dem internationalen Auktionsmarkt angebote (Quelle: artprice.com). PROVENIENZ: Galerie Rosenbach 1973, Kat.-Nr. 344 (hier betitelt 'Am Flußufer') Privatsammlung Baden-Württemberg. AUSSTELLUNG: Westdeutsche Kunstmesse 17.-25.3.1973, Galerie Vömel, Nr. 8 m. Abb. (hier betitelt: 'Am Bootshafen'). Münter trifft in Stockholm auf den Kreis der schwedischen Avantgarde um Sigrid Hjertén, die von Matisse beeinflusst mit einem Dekorativismus in kühlen Farben experimentieren. Sie entwickelt in dieser Zeit einen völlig neuen Stil, der stark von den Einflüssen ihrer schwedischen Malerkollegen geprägt ist. Die starke Farbigkeit und die festen Formen der Zeit des 'Blauen Reiter' weichen nun einer Gestaltung in pastelligen Farben, einem fast amorphen Formengut und einer Entdichtung der Komposition. In diesem Umfeld entstehen wichtige Werke Gabriele Münters, wie z.B. Narvik Haven, das sich heute als Leihgabe der Sparebankstiftelsen DNB im Nationalmuseum in Oslo befindet. Fernab von Murnau und der alpenländischen Landschaft findet sie hier eine völlig andere Umgebung und andere Lichtverhältnisse vor. Es gelingt der Künstlerin dieses Licht des Nordens und die Weite der Landschaft stimmungsvoll einzufangen. Wo genau diese Szene entstanden ist, läßt sich nicht sagen, doch ist die Nähe des Meeres in der athmosphärischen Schilderung zu spüren. [EH] Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 17.35 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONGabriele Münter 1877 Berlin - 1962 Murnau Mädchen und Fischer mit Booten. Wohl um 1915. Oil on cardboard. Verso with the estate stamp, with an adhesive label with the stamped number 1257 and several hand-written inscriptions. 38 x 46 cm (14.9 x 18.1 in). • Some of her most important works were made during Münter's time in Scandinavia. • For the first time on the international auction market (source: artprice.com). PROVENANCE: Galerie Rosenbach 1973, cat. no. 344 (titled 'Am Flußufer') Private collection Baden-Württemberg. EXHIBITION: Westdeutsche Kunstmesse March 17 - 25, 1973, Galerie Vömel, no. 8 with illu. (here titled: 'Am Bootshafen'). In Stockholm, Münter met the circle of the Swedish avant-garde around Sigrid Hjertén, who, influenced by Matisse, were experimenting with decorativism in cool colors. During this time she developed a completely new style that was strongly influenced by her Swedish fellow painters. The strong colors and the solid forms of the time of the 'Blauer Reiter' now gave way to pastel colors, an almost amorphous form and a deconsolidation of the composition. Important works by Gabriele Münter were created in this environment, among them Narvik Haven, which today is on loan at the National Museum in Oslo from the Sparebankstiftelsen DNB. Far away from Murnau and the alpine landscape, she found a completely different environment and different lighting conditions in Scandinavia. The artist succeeds in capturing this light of the north and the vastness of the landscape in an atmospheric way. Exactly where this scene was created cannot be said, but the proximity to the sea can be felt in the atmospheric depiction. [EH] Called up: December 10, 2022 - ca. 17.35 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Mappenwerk / Portfolio 5. Jahresmappe der Künstlergruppe 'Brücke', gewidmet Ernst Ludwig Kirchner. 1910. Mappe mit zwei (Farb-)Holzschnitten und einer Radierung von Ernst Ludwig Kirchner sowie dem Umschlag mit einem Holzschnitt von Erich Heckel. Papier (Umschlag): 42 x 55,1 cm (16,5 x 21,6 in). Enthalten sind: Erich Heckel. 'Kniende Akte - Umschlag 'Brücke'-Mappe Ernst Ludwig Kirchner'. 1910. Ebner/Gabelmann 435 H. Söhn HDO 215-1. Im Druckstock monogrammiert. Auf gelbem Velin (Doppelbogen). 29,8 x 39,9 cm (11,7 15,7 in). Papier: 42 x 55,1 cm (16,5 x 21,7 in). Ernst Ludwig Kirchner. 'Tänzerin mit gehobenem Rock'. 1909. Holzschnitt. Gercken 376. Söhn HDO 215-3. Signiert. Auf festem Velin. 25 x 33,9 cm (9,8 x 13,3). Papier: 40 x 54 cm (15,7 x 21,3 in). Ernst Ludwig Kirchner. 'Mit Schilf werfende Badende'. 1909. Farbholzschnitt. Gercken 375. Söhn HDO 215-2. Signiert. Auf festem Velin. 19,9 x 29,2 cm (7,8 x 11,5 in). Papier: 40,2 x 53,9 cm (15,8 x 21,2 in). Ernst Ludwig Kirchner. 'Drei Badende am Moritzburger See'. 1909. Radierung. Gercken 377. Söhn HDO 215-4. Signiert. Auf festem Velin. 17,8 x 20,5 cm (7 x 8,1 in). Papier: 40,1 x 53,7 cm (15,8 x 21,1 in). Vollständige 5. Jahresmappe. [AM] Die jeweiligen Blätter werden auf Wunsch zunächst einzeln und im Anschluss als gesamtes Mappenwerk aufgerufen. • Ausdrucksstarke und facettenreiche Zusammenstellung dreier Blätter von Ernst Ludwig Kirchner mit einem aufwendig gestalteten Umschlag von Erich Heckel. • Mensch und Bewegung, Tanzen und Baden – diese Motivelemente stehen im Zentrum der drei Arbeiten Kirchners. • Weitere vollständige Exemplare dieses seltenen Mappenwerks befinden sich u. a. in der Staatlichen Graphischen Sammlung, München, dem County Museum of Art, Los Angeles, und dem Sprengel Museum, Hannover. PROVENIENZ: Sammlung Hermann Gerlinger, Würzburg (mit dem Sammlerstempel Lugt 6032). AUSSTELLUNG: Schleswig-Holsteinisches Landesmuseum Schloss Gottorf, Schleswig (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 1995-2001). Kunstmuseum Moritzburg, Halle an der Saale (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 2001-2017). Expressiv! Die Künstler der Brücke. Die Sammlung Hermann Gerlinger, Albertina, Wien, 1.6.-26.8.2007, Kat.-Nr. 133 u. 134 (m. Farbabb.). Buchheim Museum, Bernried (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 2017-2022). LITERATUR: Hans Bolliger, E. W. Kornfeld, Ausstellung Künstlergruppe Brücke. Jahresmappen 1906-1912, Bern 1958, S. 18-19, Nr. 17-20 (anderes Exemplar). Heinz Spielmann (Hrsg.), Die Maler der Brücke. Sammlung Hermann Gerlinger, Stuttgart 1995, S. 111-112, SHG-Nr. 64-67. Hermann Gerlinger, Katja Schneider (Hrsg.), Die Maler der Brücke. Bestandskatalog Sammlung Hermann Gerlinger, Halle (Saale) 2005, S. 175, SHG-Nr. 392; S. 307-308, SHG-Nr. 695-697. 1910 ist die Jahresgabe Kirchner gewidmet und der Umschlag von Heckel gestaltet. Das Jahr 1910 ist der Kulminationspunkt der kollektiven Arbeit der 'Brücke': Die gemeinsame Arbeit im Freien, an den Moritzburger Seen ist ein künstlerischer Befreiungsakt. In der Berliner Auseinandersetzung um Secession und Neue Secession spielen die 'Brücke'-Künstler sogleich eine gewichtige Rolle. Und die Namen von 68 passiven Mitgliedern kann Kirchner in Täfelchen schneiden und im 'Brücke'-Katalog der Dresdener Galerie Arnold präsentieren. (Los 432) In der wohl Anfang 1910 zusammengestellten Jahresmappe Kirchners mit dem Umschlagblatt von Heckel teilt sich das neue Selbstbewusstsein der beiden Künstler mit. Die Jahresmappe 1910 übertrifft alle vorangegangenen in ihrer Dynamik und in der Neuartigkeit der Motive. Hier exemplifiziert sich der expressionistische 'Brücke'-Stil auf seiner Höhe, ebenbürtig mit der Bewegung der französischen 'Fauves', deren Hauptvertreter Matisse 1909 eigens zu seiner ersten deutschen Einzelausstellung bei Paul Cassirer in Berlin erschienen ist. Wie auf einer Bühne kauern auf Heckels Umschlag zwei hin- und herzerrende Frauenakte, das leuchtenden Gelb des Papiers wirkt wie helles Scheinwerferlicht auf die Szene. Die Gruppe in dem Dreifarben-Holzschnitt 'Mit Schilf werfende Badende' zeichnet Kirchner als von zivilisatorischen Zwängen befreite 'Wilde'. Mit elementaren Ausdruckszeichen vereinfacht, versinken die vier in ihrer pulsierenden Dynamik kurz erstarrten Figuren in das sie umgebende tiefe Grün des Sees und seiner Ufer. Aus dem Bild zu stürzen scheint die 'Tänzerin mit gehobenem Rock'. Auf der Tanz- und Kabarettbühne erlebt die Gesellschaft noch am ehesten jene unmittelbaren und unverfälschten Ausdrucksqualitäten, wie sie die Künstler im Atelier und in der Natur damals suchen. Tanz und Taumel, die kühn gelängten Arme, die frappierende Aufsicht auf die Figur, die rasanten diagonalen Achsen zeigen das Medium Holzschnitt in großartiger Qualität. Gegenüber dieser Heftigkeit reduziert Kirchner im dritten Blatt der Mappe, der Radierung 'Drei Badende am Moritzburger See', die Szene auf wenige, skizzenhafte Linien und kreiert dennoch eine kolossale Präsenz. [MvL] Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 16.54 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.
Hermann Max Pechstein 1881 Zwickau - 1955 Berlin Das gelbe Tuch. 1909. Tuschfeder und farbige Kreiden. Rechts unten monogrammiert. Auf chamoisfarbenem Velin. 15,1 x 19,1 cm (5,9 x 7,5 in), blattgroß. Vorbereitende Zeichnung zu Pechsteins noch im selben Jahr entstandenen, gleichnamigen, heute verschollenen Gemälde (siehe Aya Soika, Max Pechstein. Das Werkverzeichnis der Ölgemälde, Bd. 1 (1905-1918), München 2011, Kat.-Nr. 1909/47). [CH]. • Das gleichnamige, noch im selben Jahr entstandene Gemälde gilt heute als verschollen (Soika 1909/47). • In dieser vorbereitenden Zeichnung legt Pechstein bereits die Gesamtkomposition sowie Haltung und Farbigkeit der Figuren fest. • Im Entstehungsjahr gelingt Pechstein mit seiner Beteiligung an der Frühjahrsausstellung der Berliner Secession der künstlerische Durchbruch. • Farbige Zeichnungen in dieser Qualität sind auf dem internationalen Auktionsmarkt von allergrößter Seltenheit. PROVENIENZ: Sammlung Hermann Gerlinger, Würzburg (mit dem Sammlerstempel Lugt 6032, seit 1971: Tenner). AUSSTELLUNG: Schleswig-Holsteinisches Landesmuseum, Schloss Gottorf, Schleswig (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 1995-2001). Kunstmuseum Moritzburg, Halle an der Saale (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 2001-2017). Die Brücke in Dresden 1905-1911, Dresdner Schloss, Galerie Neue Meister, Staatliche Kunstsammlungen Dresden, 20.10.2001-6.1.2002, Kat.-Nr. 185 (m. Abb., S. 175). Expressiv! Die Künstler der Brücke. Die Sammlung Hermann Gerlinger, Albertina, Wien, 1.6.-26.8.2007, Kat.-Nr. 213, S. 322f. (m. Abb.). Buchheim Museum, Bernried (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 2017-2022). Brückenschlag: Gerlinger – Buchheim!, Buchheim Museum, Bernried, 28.10.2017-25.2.2018, S. 168f. (m. Abb.). LITERATUR: Antiquariat Dr. Helmut Tenner, Heidelberg, 83. Auktion, Gemälde, Aquarelle, Zeichnungen, Graphik des 15. bis 20. Jahrhunderts, 20.2.1971, Los 739 (m. d. Titel 'Weibliche Akte am Strand', m. Abb.). Heinz Spielmann (Hrsg.), Sammlung Hermann Gerlinger, Stuttgart 1995, S. 241f., SHG-Nr. 344 (m. Abb.). Beate Thurow (Hrsg.), Ausst.-Kat. Max Pechstein. Das ferne Paradies (Gemälde, Zeichnungen, Druckgraphik), Städtisches Kunstmuseum Spendhaus, Reutlingen, Ostfildern-Ruit 1995, S. 15 (m. Abb.). Hermann Gerlinger, Katja Schneider (Hrsg.), Die Maler der Brücke. Bestandskatalog Sammlung Hermann Gerlinger, Halle 2005, S. 386, SHG-Nr. 850 (m. Abb.). Brückenschlag: Gerlinger - Buchheim!, Museumsführer durch die 'Brücke'-Sammlungen von Hermann Gerlinger und Lothar-Günther Buchheim, Bernried 2017, S. 168f. (m. Abb., S. 169). 1908 verbringt der Künstler zunächst drei Monate in Italien, bevor er sich im Dezember für einen neunmonatigen Aufenthalt nach Paris begibt. Hier sieht er die Kunst der 'Fauves', u. a. die Arbeiten von Henri Matisse, sowie Werke von Paul Cézanne, die ihn nachhaltig beeindrucken. Kurz darauf zieht er als erster 'Brücke'-Künstler von Dresden nach Berlin, wo er seine spätere Ehefrau Charlotte 'Lotte' Kaprolat kennenlernt, die ihm in den kommenden Jahren häufig Modell stehen wird. Lotte ist auch das Modell, wie der Künstler später in seinen 'Erinnerungen' bestätigt, für das 1909 entstandene und heute verschollene Gemälde 'Das gelbe Tuch' (Soika, 1909/47). Die hier angebotene Darstellung und insbesondere die linke Figurengruppe diente ohne Zweifel als vorbereitende Zeichnung. Das Gemälde war eines der Hauptwerke der damaligen Schaffensperiode Pechsteins. In seinen 'Erinnerungen' schreibt er rückblickend: ''Das Gelbe Tuch', die 'Gelben Tulpen' und die Landschaft wurden für die Sezession angenommen. Als erster unter meinen 'Brücke'-Kameraden hatte ich dieses Ziel erreicht.' (Pechstein, in: Leopold Reidemeister (Hrsg.), Erinnerungen. Max Pechstein, München 1963, S. 33). Gleichzeitig weist unsere farbstarke Zeichnung große Ähnlichkeiten zu den Gemälden 'Nach dem Bade' (Soika 1909/46, verschollen) und 'Zwei Mädchen' (Soika 1909/48, Germanisches Nationalmuseum, Nürnberg) auf, denn sie greift in gleichen Teilen sowohl die Pose des ihre Arme über dem Kopf verschränkenden weiblichen Halbakts im Nürnberger Gemälde als auch den Bildaufbau der am Wasser verweilenden, liegenden und stehenden weiblichen Akte aus 'Nach dem Bade' auf. In diesem Punkt erinnert sie in gewisser Weise auch an Cézannes 'Les Grandes Baigneuses' (1906, Philadelphia Museum of Art), doch der 'Brücke'-Künstler nähert sich seinem schon damals gesetzten künstlerischen Ziel, 'Mensch und Natur in eins zu erfassen', in mutiger, eindeutig expressionistischer Manier (ebd., S. 50). Schon die Zeichnung mit ihren leuchtenden Farben, einem kräftigen Gelb, frischen Grün und ungewöhnlichen Violett, weist ihn als selbstbewussten Künstler aus, der die althergebrachte akademische Farbenlehre bereits mit großen Schritten hinter sich gelassen hat. Anlässlich der zweiten kollektiven 'Brücke'-Ausstellung in Dresden wird 1909 wohl über das bereits erwähnte, motivisch eng verwandte Gemälde 'Nach dem Bade' berichtet: 'Pechstein ist mit einem großen Publikumsschrecken vertreten [..]. Er ist noch kräftiger, zugreifender als Kirchner, vor allem in der Farbigkeit.' (Paul Fechter, 6.9., zit. nach Soika, Bd. 1, S. 201). Über das von unserer Zeichnung vorbereitete Gemälde 'Das gelbe Tuch' schreibt der Kunsthistoriker Max Osborn einige Jahre später rückblickend: 'An das 'Gelbe Tuch' aber traute man sich noch nicht heran. Die wilde Fleischlichkeit der beiden stehenden Frauen, fabelhaft modelliert, von energischen Konturen umrissen, schien das Äußerste an sinnlicher Ungeniertheit [..] zu wagen' (1922, zit. nach: Soika, Bd. 1, S. 202). Motivisch wird sich Pechstein Zeit seines Lebens sehr intensiv mit dem weiblichen Akt in der Landschaft und der Verbindung von Mensch und Natur auseinandersetzen. Noch im Entstehungsjahr unserer Zeichnung folgt im August der erste gemeinsame Aufenthalt mit Kirchner und Heckel an den Moritzburger Teichen. Den Frühsommer verbringt Pechstein zudem erstmals in Nidden an der Ostsee, wohin er auch in den darauffolgenden Jahren immer wieder zurückkehren wird. Fernab der Großstadt findet er nicht nur einen ersehnten Rückzugsort, sondern auch die Möglichkeit des intensiven Naturerlebens, das er sowohl im Privaten als auch in seiner Kunst stets gesucht und idealisiert hatte. [CH] Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 18.19 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.
Karl Schmidt-Rottluff 1884 Rottluff bei Chemnitz - 1976 Berlin Der rote Stuhl. 1951. Öl auf Leinwand. Grohmann S. 233/306. Rechts unten signiert. Verso auf dem Keilrahmen erneut signiert, betitelt und mit der Werknummer '516' sowie 'gewachst' bezeichnet. 101 x 76,2 cm (39,7 x 30 in). [AR]. • Der Künstler gewährt mit dem Gemälde 'Der rote Stuhl' einen privaten Blick ins Atelier. • In Farbigkeit, Perspektive und Bildausschnitt außergewöhnlich modern. • Teil der bedeutenden Privatsammlung Berthold und Else Beitz. • Erstmals auf dem internationalen Kunstmarkt angeboten. • Bereits zu Lebzeiten des Künstlers vielfach ausgestellt. Das Werk ist im Archiv der Karl und Emy Schmidt-Rottluff Stiftung, Berlin, dokumentiert. PROVENIENZ: Sammlung Berthold und Else Beitz (direkt vom Künstler). Privatsammlung Norddeutschland (durch Erbschaft von Vorgenanntem). AUSSTELLUNG: Karl Schmidt-Rottluff, Kestner Gesellschaft, Hannover, 8.4.-11.5.1952, Kat.-Nr. 36. Karl Schmidt-Rottluff. Neue Werke - Gemälde, Tuschblätter, Graphik, Galerie Ferdinand Möller, Köln, Mai 1953, Kat.-Nr. 5 (m. Abb., verso auf dem Keilrahmen mit dem Etikett). Karl Schmidt-Rottluff zum 70. Geburtstag. Gemälde, Aquarelle, Zeichnungen, Graphik, Skulpturen, Kunsthalle zu Kiel, Kiel, 20.6.-25.7.1954, Kat.-Nr. 56. Karl Schmidt-Rottluff zum 70. Geburtstag, Schloss Charlottenburg, Berlin, 20.9.-10.10.1954, Kat.-Nr. 92. Fränkische Galerie, Nürnberg, 1954, Kat.-Nr. 74. Städtische Galerie, Duisburg, 1955, Kat.-Nr. 47. 'Ich glaube, die meisten Bilder handeln von Vorgängen; ich wollte immer das Sein aufweisen und das stille Leben der Dinge.' Karl Schmidt-Rottluff, 1960, zit. nach: Hans Kinkel, Das stille Leben der Dinge, in: Gunther Thiem (Hrsg.), Schmidt-Rottluff. Retrospektive, München 1989, S. 69-70. Karl Schmidt-Rottluff und die Nachkriegszeit Die Zeit nach Ende des Zweiten Weltkriegs ist für Karl Schmidt-Rottluff, dessen Berliner Atelier 1943 bei einem Bombenangriff zerstört wird, von großen Unwägbarkeiten geprägt. In einem Brief an den Künstler Curt Stoermer schreibt er im Jahr 1945: „Es verblieb nur ein unvorstellbares Chaos, das einigermaßen zu beseitigen die letzten Kräfte kostete. Wir gehörten zwar zu den Überlebenden, aber viel ist sonst nicht übrig.“ (zit. nach: Gunther Thiem (Hrsg.), Schmidt-Rottluff. Retrospektive, München 1989, S. 100). Zusammen mit seiner Frau Emy Schmidt-Rottluff lebt er zunächst mittellos in seinem Elternaus in Rottluff bei Chemnitz, wo die nötigsten Dinge des Lebens nur schwer zu beschaffen sind, ganz zu schweigen von Malutensilien. Die Situation verbessert sich erst wieder, als der Künstler eine Professur an der Hochschule für Bildende Künste in Charlottenburg annimmt und 1946 nach Berlin zurückkehrt. Obwohl er durch seine Lehrtätigkeit stark eingebunden ist, arbeitet er schon bald an neuen Werken, in denen er motivisch an seine expressionistische Phase anknüpft. Mit zunehmendem Alter beginnt er sich jedoch immer mehr auf seine direkte Umgebung und sein persönliches Umfeld zu konzentrieren. Figurendarstellungen werden seltener, an ihre Stelle treten insbesondere Stillleben und Interieurs. Auch „Der rote Stuhl“ aus dem Jahr 1951 lässt sich diesen Arbeiten zuordnen, die uns private Einblicke in das Leben des Künstlers gewähren. Zudem kehrt die Reinheit und Kraft der Farben mit großer Intensität auf die Leinwand zurück. Im Gegensatz zu seinen früheren Arbeiten sind diese nun allerdings differenzierter und strukturieren in großen Flächen die außergewöhnlich modern wirkenden Bildkompositionen. Das Atelier im „Blauen Haus“ im Taunus In der Nachkriegszeit beginnt der Künstler, dessen Werk schon seit der 'Brücke'-Zeit von fremden Orten inspiriert ist, wieder vermehrt zu verreisen. Bereits 1932 hatte er sich zum ersten Mal im Taunus bei Hanna Bekker vom Rath aufgehalten und kehrt nach dem Krieg wieder regelmäßig dorthin zurück. Die Malerin und Sammlerin wird über die Jahre zu einer engen Freundin des Ehepaars Schmidt-Rottluff. Sie bewohnt in Hofheim ein mehrstöckiges Haus, das wegen seiner auffälligen Bemalung auch das „Blaue Haus“ genannt wird. Schon während der NS-Zeit entwickelt es sich zu einem Rückzugsort für Künstlerinnen und Künstler, die dort zurückgezogen leben und arbeiten können. Das Haus ist von einem großen Garten umgeben und beherbergt im Obergeschoss ein Atelier mit Nordfenstern. Es ist anzunehmen, dass auch unser Gemälde „Der rote Stuhl“ hier entsteht, denn es zeigt starke Parallelen zu einem Selbstporträt des Künstlers aus dem Jahr 1951 mit dem Titel „Im Atelier“ (Abb.). In beiden Arbeiten ist am rechten Bildrand eine große Staffelei zu sehen, in der Art, wie sie im „Blauen Haus“ zu finden war. Auch das auffällige Fenster im Hintergrund verweist auf die Räumlichkeiten von Hanna Bekker vom Rath im Taunus, die als große Förderin der Moderne gilt. Einige Arbeiten aus ihrer Sammlung befinden sich heute im Städel Museum in Frankfurt am Main, darunter eine Holzskulptur von Karl Schmidt-Rottluff und ein Gemälde von Alexej von Jawlensky. Der Stuhl als Motiv in der Kunst In der Geschichte der Malerei ist der Stuhl in all seinen Formen und Farben kein seltenes Motiv. Insbesondere in Interieurs und auf Porträts lässt er sich immer wieder finden. Zumeist nimmt das Möbelstück dabei allerdings nur eine Nebenrolle ein, dient als Sitzgelegenheit für die Porträtierten oder ist zufälliger Bestandteil einer historischen Inneneinrichtung. Nur wenige Künstler haben dem Stuhl ihre volle Aufmerksamkeit gewidmet, darunter jedoch große Namen der Kunstgeschichte, wie etwa Vincent van Gogh (1888), Henri Matisse (1918) oder Roy Lichtenstein (1997). Ins Zentrum der Darstellung gerückt, werden die Stühle in ihren Werken zum Hauptmotiv, die ganze Aufmerksamkeit liegt zunächst auf ihrer statischen Natur. Oftmals sind sie jedoch vielmehr als Platzhalter zu verstehen, wie etwa bei Vincent van Gogh, der seinen Freund Paul Gauguin nicht explizit darstellt, mit dem Titel „Gauguins Stuhl“ jedoch subtil seine Anwesenheit impliziert. Auch die Pfirsiche bei Henri Matisse vermitteln den Eindruck, als würde jeden Moment das nur vorübergehend abgestellte Obst wieder aufgegriffen werden. Ob Roy Lichtensteins Stuhl, in die typischen Striche und Punkte der Pop-Art zerlegt, einer Person standhalten würde, ist hingegen fraglich. Karl Schmidt-Rottluffs roter Korbstuhl im Vorraum des Ateliers mit der erwartungsvollen Staffelei im Hintergrund wirkt hingegen wie eine Einladung, Platz zu nehmen und den Künstler bei der Entstehung seiner Kunst zu beobachten. Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 18.59 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.
Margarethe Moll 1884 Mühlhausen/Elsass - 1977 München Liegende (Liegender weiblicher Torso). 1949. Bronze mit brauner Patina. Auf der Unterseite signiert. Eines von 6 Exemplaren. 9,7 x 39,5 x 6,5 cm (3,8 x 15,5 x 2,5 in). [AM]. • Marg Moll ist die einzige deutsche Bildhauerschülerin von Henri Matisse in Paris. • Noch vor Käthe Kollwitz, Emy Roeder und Renée Sintenis beginnt sie ihre bildhauerische Tätigkeit. • Zadkine, Léger, Archipenko und Brancusi gehören zu den künstlerischen Wegbegleitern Molls. • Die als Vorlage dienende Holzskulptur der „Liegenden“ entwirft die Künstlerin 1949 während ihres mehrjährigen Aufenthalts in England. • Unter dem Titel „Gemischtes Doppel. Die Molls und die Purrmanns – Zwei Künstlerpaare der Moderne“ plant das Museum Wiesbaden derzeit für Herbst 2023 (13.10.2023–18.2.2024) eine umfangreiche Werkschau mit Arbeiten der Künstlerin. • Lebzeitguss. PROVENIENZ: Aus dem Nachlass der Künstlerin. Privatsammlung Norddeutschland. LITERATUR: Werner Filmer, Marg Moll. Eine deutsche Bildhauerin 1884-1977, München 2017, Abb. S. 115. Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 18.07 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONMargarethe Moll 1884 Mühlhausen/Elsass - 1977 München Liegende (Liegender weiblicher Torso). 1949. Bronze with brown patina. Signed on the underside. From an edition of 6 copies. 9.7 x 39.5 x 6.5 cm (3.8 x 15.5 x 2.5 in). [AM]. • Marg Moll was the only German sculpting student of Henri Matisse in Paris. • She began her sculpting career even before Käthe Kollwitz, Emy Roeder and Renée Sintenis. • Zadkine, Léger, Archipenko and Brancusi were among Moll's fellow artists. • Moll conceived the wooden sculpture 'Liegende“ in 1949 when she was living in England. • Titled 'Gemischtes Doppel. Die Molls und die Purrmanns – Zwei Künstlerpaare der Moderne“ the Museum Wiesbaden plans a comprehensive show with her works for the autumn of 2023 (October 13, 2023 – February 18, 2024). • Lifetime cast. PROVENANCE: From the artist's estate. Private collection Northern Germany. LITERATURE: Werner Filmer, Marg Moll. Eine deutsche Bildhauerin 1884-1977, Munich 2017, illu. p. 115. Called up: December 10, 2022 - ca. 18.07 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Ernst Ludwig Kirchner 1880 Aschaffenburg - 1938 Davos Cancan-Tänzerin. 1909. Farbige Kreide und Bleistift. Auf dünnem Velin. 13 x 9 cm (5,1 x 3,5 in), Blattgröße. [CH]. • Spontan-momenthafte, besonders dynamische Skizze aus der Dresdener 'Brücke'-Zeit. • Im Tanzcafé, Varieté, Theater und im Zirkus studiert Kirchner die schnellen Bewegungsabläufe und bannt sie in in mutigen Strichen aufs Papier. • Das gleiche Motiv findet sich im selben Jahr noch einmal auf einer bemalten Postkarte an Erich Heckel wieder, auf der Kirchner auch den Namen der französischen Tänzerin, Liane d'Eve, festhält. Wir danken Herrn Prof. Dr. Dr. Gerd Presler für die Hinweise und die Unterstützung bei der Bearbeitung dieses Werkes. PROVENIENZ: Sammlung Hermann Gerlinger, Würzburg (mit dem Sammlerstempel Lugt 6032). AUSSTELLUNG: Schleswig-Holsteinisches Landesmuseum, Schloss Gottorf, Schleswig (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 1995-2001). Frauen in Kunst und Leben der 'Brücke', Schleswig-Holsteinisches Landesmuseum Schloss Gottorf, Schleswig, 10.9.-5.11.2000, Kat.-Nr. 60 (m. Abb., S. 145). Kunstmuseum Moritzburg, Halle an der Saale (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 2001-2017). Buchheim Museum, Bernried (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 2017-2022). LITERATUR: Heinz Spielmann (Hrsg.), Die Maler der Brücke. Sammlung Hermann Gerlinger, Stuttgart 1995, S. 143, SHG-Nr. 124 (m. Abb.). Hermann Gerlinger, Katja Schneider (Hrsg.), Die Maler der Brücke. Bestandskatalog Sammlung Hermann Gerlinger, Halle (Saale) 2005, S. 302, SHG-Nr. 684 (m. Abb.). Zu der erwähnten Postkarte mit dem Motiv der Can-Can-Tänzerin: Roman Norbert Ketterer (Hrsg.), E. L. Kirchner, Postkarten und Briefe an Erich Heckel im Altonaer Museum in Hamburg, Köln 1984, Kat.-Nr. 17, S. 42f. u. 224. 'Kein Thema hat Kirchner – vor allem in den Skizzenbüchern – kontinuierlicher verfolgt.' Prof. Dr. Dr. Gerd Presler, Werkverzeichnisverfasser der Skizzenbücher Ernst Ludwig Kirchners über den Tanz als Motiv in Kirchners Œuvre, zit. nach: Ausst.-Kat. Kirchners Kosmos: Der Tanz, KirchnerHAUS Aschaffenburg, 21.9.-30.12.2018, S. 15. Wieder ist man gefangen von der Realistik durch das leichte, geradezu immaterielle Spiel der Linien, Schraffuren und Farbsetzungen. Kirchner sieht den Körper der Tänzerin in einem ausklingenden Höhepunkt der Bewegung, zeigt gleichsam ein Verharren zwischen Aufschwung und Ausklingen der Spannung, jener winzige Moment, in dem die Tanzbewegung eine Vollendung findet. Die Tänzerin verharrt einen kleinen, unmerklichen Augenblick und schwebt auf der Bühne, als stehe die Zeit still. Der Tanz, vor allem der erotische Tanz, fasziniert Kirchner. Körperliche Vitalität öffnet sich selbstergeben und zeigt sich unverfälscht ihrem Betrachter. In der temporeichen Bewegung des frivolen Cancans hebt sich ihr Rock und gibt den Blick frei auf die gerüschte Unterwäsche. Kirchner gibt uns das Gefühl, an seinem aufregenden Abend mit wirbelndem Tanz und aufreibender Musik teilzuhaben. Nicht nur mit dieser körnigen, spröden Farbkreidezeichnung würdigt Kirchner die Darbietung im Varieté. So entstehen Kreidezeichnungen von dieser oder jener Tänzerin im gleichen, schnellen Duktus, um nicht eine der choreografisch anspruchsvollen Posen zu verpassen. Wer ist die Tänzerin, die Kirchner wohl in den einschlägigen Etablissements Central-Theater und Victoria-Salon nahe dem Dresdner Altmarkt bewundert? [MvL] Im November 1909 tritt die Sängerin und Tänzerin Liane d'Eve aus Paris im Victoria-Salon in der Waisenhausstraße in Dresden auf. Kirchner besucht eine Vorstellung. Dabei entsteht die vorliegende Zeichnung. Auffälliges Kennzeichen: ein großkariertes Unter-Kostüm. Am 16. des Monats sendet Kirchner eine bemalte Postkarte, abgestempelt in Dresden/Altstadt am 16. 11.09 (Tuschfeder und farbige Kreiden, 14 x 8,9 cm) mit demselben Motiv an Erich Heckel, der zu diesem Zeitpunkt in Dangast/Varel/Oldenburg an der Nordsee arbeitet. Kirchner schreibt: 'Liane d' Eve etoile parisienne. Kolossal raffinierte Ausstattung. Comment cela vas-tu? chez [je] sais wie viel die Maler Pariser sind wie Matisse etc. Gruß D. Ernst'. Wie sehr Kirchner beeindruckt war von den Bewegungen der Cancan-Tänzerin zeigt auch eine Radierung, die Kirchner zu Beginn des Jahres 1910 schuf (Schiefler 113, Dube 93). [Prof. Dr. Dr. Gerd Presler] Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 18.15 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.
Mappenwerk / Portfolio 3. Jahresmappe der Künstlergruppe 'Brücke'. 1908. Mappe mit einem Holzschnitt von Erich Heckel und je einem Farbholzschnitt von Ernst Ludwig Kirchner und Hermann Max Pechstein. Papier: bis 55,1 x 40 cm (21,6 x 15,7 in). Enthalten sind: Erich Heckel. 'Segelboot (Schiff auf hohem Meer)'. 1907. Holzschnitt. Ebner/Gabelmann 168 H B (von B). Söhn HDO 213. Signiert, datiert und bezeichnet 'Dangast i. O.' sowie im Druckstock monogrammiert. Auf Velin. 16 x 21,9 cm (6,3 x 8,6 in). Papier: 55,1 x 40 cm (21,7 x 15,7 in). Ernst Ludwig Kirchner. 'Stillleben'. 1907. Farbholzschnitt. Gercken 180 B (von B). Söhn HDO 213-2. Signiert und datiert sowie im Unterrand bezeichnet u.a. 'Probedruck'. Auf Velin. 20 x 16,8 cm (7,9 x 6,6 in). Papier: 52,4 x 38,8 cm (20,6 x 15,3 in). Hermann Max Pechstein. 'Unsere Frau'. 1907. Farbholzschnitt. Krüger H 66 I (von II). Söhn HDO 213-3. Signiert, datiert und bezeichnet 'Paris'. Auf Velin. 22,8 x 12,4 cm (9 x 4,9 in). Papier: 47,1 x 32,2 cm (18,5 x 12,7 in). Vollständige 3. Jahresmappe. [AM] Die jeweiligen Blätter werden auf Wunsch zunächst einzeln und im Anschluss als gesamtes Mappenwerk aufgerufen. • Als 3. Jahresmappe in kleiner Stückzahl herausgegeben an die passiven Mitglieder der Künstlergruppe. • Das außergewöhnliche Mappenwerk zeugt vom Facetten- und Ausdrucksreichtum der Holzschnittarbeiten des Künstlerkreises. • Exemplare dieser Mappe werden nur selten auf dem internationalen Auktionsmarkt angeboten (Quelle: artprice.com). PROVENIENZ: Kirchner, 'Stillleben': Kunsthütte Chemnitz (bis 1937, verso mit dem Besitzstempel). Kirchner, 'Stillleben': Staatsbesitz (1937 durch Beschlagnahme vom Vorgenannten, EK-Nummer 10066, bis 1940). Kirchner, 'Stillleben': Galerie Ferdinand Möller, Berlin/Zermützel (1940 durch Tausch von Vorgenanntem erworben). Sammlung Hermann Gerlinger, Würzburg (mit dem Sammlerstempel Lugt 6032). AUSSTELLUNG: Schleswig-Holsteinisches Landesmuseum Schloss Gottorf, Schleswig (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 1995-2001). Kunstmuseum Moritzburg, Halle an der Saale (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 2001-2017). Buchheim Museum, Bernried (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 2017-2022). LITERATUR: www.geschkult.fu-berlin.de/e/db_entart_kunst/datenbank (EK-Nr.: 10066, nur Kirchner, 'Stillleben'). Hans Bolliger, E. W. Kornfeld, Ausstellung Künstlergruppe Brücke. Jahresmappen 1906-1912, Bern 1958, S. 15, Nr. 10.12 (anderes Exemplar). Heinz Spielmann (Hrsg.), Die Maler der Brücke. Sammlung Hermann Gerlinger, Stuttgart 1995, S. 106-107, SHG-Nr. 51-53. Hermann Gerlinger, Katja Schneider (Hrsg.), Die Maler der Brücke. Bestandskatalog Sammlung Hermann Gerlinger, Halle (Saale) 2005, S. 156, SHG-Nr. 349; S. 297, SHG-Nr. 672; S. 384, SHG-Nr. 846. Auch die Arbeiten der dritten Jahresgabe 1908 wurden noch ohne eigenes Deckblatt erstellt und konnten in der von Bleyl konzipierten Mappe ihren Platz finden. Um die Jahreswende 1907/08 hat sich die personelle Konstellation der Gruppe verändert, aber zugleich auch stabilisiert. Mit dem Ausscheiden von Nolde und Bleyl bilden Heckel, Kirchner, Schmidt-Rottluff und Pechstein nunmehr den Kern der Gruppe. Der ersten 'Brücke'-Mappe von 1906 mit Holzschnitten folgt 1908 eine zweite Jahresmappe mit Holzschnitten, ein deutliches Bekenntnis zu dieser Technik. Die Anleihen am Jugendstil und die schematische Technik des Flächenholzschnittes der ersten Mappe sind aufgegeben. Der Maserung folgend, schneidet Erich Heckel die Darstellung eines vom Wind getriebenen Segelboots. Die Bewegtheit von Wellen und Wolken wird durch die Struktur des Holzes vorgeprägt und diese unterstützt das dramatische Naturschauspiel. Ungewöhnlich für sein damaliges Œuvre ist Kirchners 'Stillleben' mit dem Blumenstrauß. Drei Holzplatten mit Rot, Grün und Gelb setzt Kirchner zu einem Motiv zusammen. Linien und Flächen der drei Druckstöcke sind mit dem Messer grob und dynamisch herausgeschnitten, die Konturen in verschiedenen Farben erscheinen im Druck bisweilen verdoppelt. Mit Grün beginnt Kirchner die Struktur zu legen, mit Rot das Motiv zu festigen und mit Gelb gibt er dem Motiv eine lasurartige Leichtigkeit. Kirchner zeigt mit diesem Farbholzschnitt, dass er auf der Höhe des malerischen Diskurses der Zeit steht. Pechsteins Beitrag zur Mappe, der Holzschnitt 'Unsere Frau', ist in Paris entstanden. Ausgezeichnet mit dem Sächsischen Staatspreis, reist er Ende 1907 zunächst nach Rom und ist ab Dezember für neun Monate in Paris. Die Einflussnahme der Pariser Kunstszene ist in dem Holzschnitt mit Mutter und Kind zwischen zwei Lebensbäumen evident: das Studium der 'Fauves' um Henri Matisse und André Derain wie auch die anhaltende Begeisterung für den 1903 auf der Marquesas-Insel Hiva Oa verstorbenen Paul Gauguin werden den Künstler nachhaltig prägen. [MvL] Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 16.51 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.
HENRI MATISSE1869 Le Cateau-Cambrésis - 1954 NizzaPLAKAT 'TRAVAIL NICE JOIE' (1947) Farblithografie auf Velin, nach einem Gemälde. DM 75,5 x 55,8 cm, SM 99 x 61 cm (R. 118,5 x 80,5. Unten rechts mit Tusche handsigniert sowie im Druck signiert und datiert '1947'. Verso: Auf der Rahmenrückseite von fremder Hand bez. Plakat der Union Méditerranéenne pour l'Art Moderne et de la Ville de Nice, Druck Mourlot, Paris. Leicht gebräunt, part. stockfleckig, min. besch., part. mit Knickspuren. Im Passepartout und hinter Glas gerahmt (ungeöffnet).
§ JOHN DUNCAN FERGUSSON R.B.A. (SCOTTISH 1874-1961) STABILITY Signed, inscribed and dated 1916 on the reverse, oil on boardDimensions:33cm x 25.5cm (13in x 10in)Provenance:Provenance: Sotheby's Gleneagles, Scottish and Sporting Pictures and Sculpture, 2 September 1998, lot 1491Exhibited: Connell Gallery, London, Painting and Sculpture by J. D. Fergusson, May 1918, no.21Note: Stability comes from a series of female heads that Fergusson painted in 1916, which includes works as diverse as Joan (Dundee Museums & Galleries, acc.no.25-1956) and Simplicity (Private Collection). From the beginning of his career, Fergusson had been mesmerised by female beauty, most strikingly realised in images of his partner Jean Maconochie in Edinburgh and thereafter of the American artist Anne Estelle Rice in pre-war Paris. After meeting his future wife, the dance pioneer Margaret Morris, in the French capital in 1913, she and her pupils provided a lifelong source of subject matter on the theme of the female form, particularly in motion.On the outbreak of World War One, Fergusson moved from the Cap d’Antibes to London, where Morris had established a dance school, theatre and social club on the King’s Road in Chelsea. A wide range of creative types were members of the latter, including the artist Percy Wyndham Lewis, the poet and writer Edith Sitwell and the musician Constant Lambert; when Charles Rennie Mackintosh and his wife Margaret Macdonald Mackintosh moved nearby, they were made Honorary Members. Fergusson thus settled into London’s avant-garde set with ease.Little work by Fergusson survives from the war years, but Stability reveals the impact living in Paris between 1907 and 1913 had on his practice. Whilst there, his work had undergone a dramatic change, from Edwardian sophistication to a cutting-edge technique, palette and aesthetic. He absorbed the contemporary progress made by artists including Henri Matisse and the Fauves, whose new work he saw at first-hand, and turned it into something uniquely his own. Indeed, Fergusson’s contribution to the modern movement was recognised in his election as a sociétaire of the progressive Salon d’Automne in 1909.The strict profile composition of Stability, the deliberate brushwork used to convey form and shadow, whilst adding rhythm throughout the surface, as well as the sculptural treatment of the sitter’s hair, brought Paris to London. It was one of thirty-two paintings and four sculptures shown in Fergusson’s solo exhibition at The Connell Gallery in the English capital in May 1918. Fergusson’s co-founder of the innovative Rhythm journal, John Middleton Murry, wrote its introduction. Two months later Fergusson was granted permission by the Admiralty ’to go to Portsmouth to gather impressions for painting a picture’.[1] The completion of the resultant paintings co-incided with the end of the conflict. Fergusson was to live in London for another eleven years before returning to Paris until the outbreak of World War Two. [1] Letter from Commodore Sir Douglas Brownrigg to J. D. Fergusson of 9 July 1918, Imperial War Museum Archive, file ref.216/6, no.27, quoted in Alice Strang et al, J. D. Fergusson, Edinburgh 2013, p.21.
Donald Sultan. (1951 North Carolina). Matisse Flowers and Vase. 1998. Farbserigraphie auf Bütten. 36 x 36 cm (41 x 41 cm). Monogrammiert und nummeriert. - In gutem Zustand. Der Abzug prachtvoll und sehr leuchtstark. Eines von 395 Exemplaren. - Hg. v. Marco Fine Art Atelier, Kalifornien (mit dem Blindstempel). Colour serigraph on laid paper. Monogrammed and numbered. - The print is magnificent and very luminous. - One of 395 copies. - Pub. by Marco Fine Art Atelier, California (with their blindstemp).
Niki de Saint Phalle. (1930 Neuilly-sur-Seine - 2002 San Diego). La danse (Hommage à Matisse). 1993. Farbserigraphie auf Velin. 50 x 65 cm (59,5 x 80,5 cm). Signiert und nummeriert. Unter Glas gerahmt. - Verso mit marginalen Fingerflecken. Insgesamt in sehr gutem Zustand. Prachtvoller Druck mit dem vollen Rand. Farbprächtige, samtige Arbeit. Eines von 150 Exemplaren. Colour silkscreen on paper. Signed and numbered. Framed under glass. - With marginal finger stains on verso. Overall in very good condition. Splendid print with the full margins. Richly coloured, velvety work. - One of 150 copies.
Henri Matisse (nach). (1869 Le Cateau - 1954 Nizza). Exposition d'Affiches (Plakat). 1952. Farblithographie auf Velin. 54 x 50 cm (64,5 x 50 cm). Signiert und datiert im Stein. Punktuell auf Unterlage und unter Passepartout montiert. - Am unteren Rand leicht lichtspurig. Prachtvoller kontrastreicher Druck. Mourlot 1959, 45. - Plakat vor der Schrift (avant la lettre). Colour lithograph on wove paper (papier vélin). Signed and dated in the stone. Spot mounted on backing and under passepartout. - Light traces at lower margin. Splendid print, rich in contrast. - Poster before the writing (avant la lettre).
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