JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelona, 1893 - Palma de Mallorca, 1983)."Centenary of the Centre Excursionista de Catalunya", 1976.Lithograph on Arches vellum, copy 50/100. Avant la lettre edition.Signed and justified by hand.Centre Excursionista de Catalunya, publisher, Barcelona.Artistic lithographs Damià Caus, printer, Barcelona.Size: 79 x 71 cm; 103 x 84 cm (frame).Joan Miró trained in Barcelona, and made his individual debut in 1918, in the Dalmau Galleries. In 1920 he moved to Paris and met Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara and the Dadaists. There, under the influence of the surrealist poets and painters, he gradually matured his style; he tried to transpose surrealist poetry into visual art, based on memory, fantasy and the irrational. His third exhibition in Paris in 1928 was his first great triumph: the Museum of Modern Art in New York acquired two of his works. He returned to Spain in 1941, and that same year the museum devoted a retrospective exhibition to him which was to be his definitive international consecration. Throughout his life he received numerous awards, such as the Grand Prizes at the Venice Biennale and the Guggenheim Foundation in Venice, the Carnegie Prize for Painting in Venice, the Gold Medals of the Generalitat de Catalunya and of the Fine Arts, and was awarded honorary doctorates by the universities of Harvard and Barcelona. His work can currently be seen at the Joan Miró Foundation in Barcelona, the Thyssen-Bornemisza Museum, the MoMA in New York, the Reina Sofía Museum in Madrid, the National Gallery in Washington, the MNAM in Paris and the Albright-Knox Art Gallery in Buffalo.Joan Miró trained in Barcelona and made his individual debut in 1918 at the Dalmau Galleries. In 1920 he moved to Paris and met Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara and the Dadaists. There, under the influence of the surrealist poets and painters, he gradually matured his style; he tried to transpose surrealist poetry into visual art, based on memory, fantasy and the irrational. His third exhibition in Paris in 1928 was his first great triumph: the Museum of Modern Art in New York acquired two of his works. He returned to Spain in 1941, and that same year the museum devoted a retrospective exhibition to him which was to be his definitive international consecration. Throughout his life he received numerous awards, such as the Grand Prizes at the Venice Biennale and the Guggenheim Foundation in Venice, the Carnegie Prize for Painting in Venice, the Gold Medals of the Generalitat de Catalunya and of the Fine Arts, and was awarded honorary doctorates by the universities of Harvard and Barcelona. His work can currently be seen at the Joan Miró Foundation in Barcelona, the Thyssen-Bornemisza Museum, the MoMA in New York, the Reina Sofía Museum in Madrid, the National Gallery in Washington, the MNAM in Paris and the Albright-Knox Art Gallery in Buffalo.
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JOAN MIRÓ I FERRÀ (Barcelona, 1893 - Palma de Mallorca, 1983)."Femme attrapant un oiseau", 1977.Pencil on paper.Attached ADOM certificate.Work reproduced in the Catalogue raisonné of the artist, p. 108.Measurements: 20.5 x 33 cm; 49 x 61 cm (frame).Femme attrapant un oiseau, or woman catching a bird, was a theme that the artist explored on several occasions, as can be seen in the work entitled "Femme dans la nuit; Femme attrapant un oiseau", painted in 1973, which belongs to the collection of the Joan Miró Foundation in Mallorca, and which was donated by the artist in 1981. In this particular case, the artist presents a rapid, sober stroke in colour, in which he creates a dreamy universe around the idea of woman. The multiplicity of organic lines define an image that can be admired from different perspectives, which in turn generate multiple discourses or evocations, where the body is suggested without becoming completely tactile.Joan Miró trained in Barcelona, between the Escola de la Lonja and the Galí Academy. As early as 1918 he held his first exhibition at the Galerías Dalmau in Barcelona. In 1920 he moved to Paris and met Picasso, Raynal, Max Jacob, Tzara and the Dadaists. There, under the influence of the surrealist poets and painters, his style matures; he tries to transpose surrealist poetry to the visual, based on memory, fantasy and the irrational. From this point onwards his style began to evolve, leading him to more ethereal works in which organic forms and figures were reduced to abstract dots, lines and patches of colour. In 1924 he signed the first Surrealist manifesto, although the evolution of his work, which is too complex, makes it impossible to ascribe him to any particular orthodoxy. His third exhibition in Paris in 1928 was his first great triumph: the Museum of Modern Art in New York acquired two of his works. He returned to Spain in 1941, and that same year the museum devoted a retrospective to him which was to be his definitive international consecration. During the 1950s he experimented with other artistic media, such as engraving, lithography and ceramics. From 1956 until his death in 1983, he lived in Palma de Mallorca in a sort of internal exile, while his international fame grew. Throughout his life he received numerous awards, such as the Grand Prizes at the Venice Biennale in 1954 and the Guggenheim Foundation in 1959, the Carnegie Prize for Painting in 1966, the Gold Medals of the Generalitat de Catalunya (1978) and of the Fine Arts (1980), and was named Doctor Honoris Causa by the universities of Harvard and Barcelona. His work can currently be seen at the Joan Miró Foundation in Barcelona, inaugurated in 1975, as well as in major contemporary art museums around the world, such as the Thyssen-Bornemisza, the MoMA in New York, the Reina Sofía Museum in Madrid, the National Gallery in Washington, the MNAM in Paris and the Albright-Knox Art Gallery in Buffalo.
ALBERT RÀFOLS CASAMADA (Barcelona, 1923 - 2009)."Collage (1)", 1962.Collage on cardboard.Provenance: Private collection.Work published and exhibited in "Rafols Casamada", IVAM Centre Julio González, p. 101.Sizes: 13.5 x 18 cm; 43 x 43 cm (frame).From 1963 onwards Ráfols Casamada incorporated the collage technique into his art, practising it from then until the end of his career. As the artist himself stated, his interest in collage was awakened by two exhibitions of the German artist Kurt Schwitters and Joan Miró, respectively, which he was able to visit in Paris. The newspaper clippings, bus tickets and other banal objects with which he constructed his collages were for Ràfols "Small traces of life full of poetry".painter, teacher, writer and graphic artist, Ràfols Casamada enjoys great international prestige today. He started out in the world of drawing and painting with his father, Albert Ràfols Cullerés. In 1942 he began studying architecture, although he soon abandoned it to devote himself to the plastic arts. His father's post-impressionist influence and his particular cézannism mark the works presented in his first exhibition, held in 1946 at the Pictòria galleries in Barcelona, where he exhibited with the group Els Vuit. Subsequently, he gradually developed a poetic abstraction, amorphous in its configuration, free and intelligent, the fruit of a slow gestation and based on the atmospheres, themes, objects and graphics of everyday life. Ràfols Casamada worked with these fragments of reality, of life, in a process of disfigurement, playing with connotations, plastic values and the visual richness of the possible different readings, in an attempt to fix the transience of reality. In 1950 he obtained a grant to travel to France, and settled in Paris until 1954. There he became acquainted with post-Cubist figurative painting, as well as with the work of Picasso, Matisse, Braque and Miró, among others. These influences were combined in his painting with that of American abstract expressionism, which was developing at the same time. When he finally returned to Barcelona he embarked on his own artistic path, with a style characterised by compositional elegance, based on orthogonal structures combined with an emotive and luminous chromaticism. After showing an interesting relationship, in the sixties and seventies, with neo-dada and new realism, his work has focused on purely pictorial values: fields of colour in expressive harmony on which gestural charcoal lines stand out. He has received many awards, such as the National Plastic Arts Award from the Ministry of Culture in 1980, the Creu de Sant Jordi in 1982 and the CEOE Prize for the Arts in 1991. In 1985 he was named Knight of the Order of Arts and Letters of France, and is an honorary member of the Royal Academy of Fine Arts of San Fernando in Madrid. In 2003 the Generalitat awarded him the National Visual Arts Prize of Catalonia, and in 2009, just two months before his death, Grup 62 paid tribute to him at the Museu Nacional d'Art de Catalunya. His work can be found in the most important museums around the world: the Reina Sofía in Madrid, the Guggenheim and MOMA in New York, the Museum of Modern Art in Los Angeles, the Picasso Museum in France, the Georges Pompidou in Paris and the British Museum and Tate Gallery in London, among many others.
Ngoye (Côte d'Ivoire, né en 1980)Sans titre, (série Faces)2021signé 'Ngoye' en bas à droitehuile sur toilesigned 'Ngoye' lower rightoil on canvas 100 x 100 cm.39 3/8 x 39 3/8 in.Footnotes:ProvenanceGalerie Melbye-KonanCollection privée, AllemagneNgoye (Kouamé Jean Ngoran), diplômé de l'École nationale des Beaux-Arts en 2006, est un des artistes les plus percutants de la nouvelle scène ivoirienne. Les thèmes principaux de ses compositions néo-expressionnistes, quasiment abstraites, sont les phénomènes psychologiques et les dégénérescences liées au respect arbitraire des mœurs et des comportements sociaux.Ngoye compte Vincent Van Gogh, Pablo Picasso et Francis Bacon parmi ses sources d'inspiration, épousant l'approche avant-gardiste du remodelage constant, de la déconstruction et de la réorganisation des éléments de ses toiles. Dans une démarche de révélation intime du moi intérieur des sujets qu'il représente, les visages ne sont souvent pas reconnaissables. Les figures masquées se fondent les unes dans les autres, formant un tout universel. L'esthétique des masques occupe Ngoye depuis le commencement de ses expérimentations artistiques. Dans ses œuvres, ils sont une expression de méfiance, la métaphore d'un isolement et de l'obstruction de ses propres émotions face au monde.'Ces masques que nous portons cachent ce qui se trouve derrière eux : notre véritable identité. Car nous vivons dans une certaine méfiance. Depuis mon enfance, j'ai vécu tellement de crises, cette douleur pendant les guerres, les épidémies et encore aujourd'hui pendant le Covid : des crises qui nous épuisent et nous stressent. C'est la raison pour laquelle j'ai voulu explorer le monde qui se cache derrière la façade. C'est pourquoi j'ai commencé à peindre des masques et des visages. Ma tâche en tant qu'artiste est de montrer cela, mais aussi de tourner mon regard vers l'intérieur et de me demander qui je suis et comment je m'adapte à l'environnement changeant : est-ce que je reste celui que je pense être ?' (Ngoye, 2021)Ses œuvres font partie de collections privées et publiques renommées en Côte d'Ivoire ainsi que dans d'importantes collections en Allemagne, en Italie et en France. The Ivorian artist Ngoye (Kouamé Jean Ngoran) graduated from the École Nationale des Beaux-Arts in 2006 and impresses with his lively neo-expressionist compositions. The main themes of his works are hidden psychosocial phenomena and human dynamics. Ngoye's works can be found in renowned private and public collections in the Ivory Coast as well as in international collections in Germany, Italy and France. He also won the 47th Art Prize of the Société de Distribution d'eau en Côte d'Ivoire (SODECI).Ngoye counts Vincent Van Gogh, Pablo Picasso and Francis Bacon among his sources of inspiration, and his art follows their approach of reshaping, deconstructing and rearranging painted objects and figures. In his portrait works, the painter analyses the inner state of mind of people, it is sometimes so different from what is worn on the outside. The people portrayed are no longer recognizable, their mask-like faces fading into each other, almost forming a unity. The motif of masks has occupied Ngoye for a long time. They are not least an expression of mistrust, an isolation of one's own emotions from a hostile outside world.'These masks we wear hide what is behind them: the true identity. Because we live in a certain mistrust. Since my childhood I have experienced so many crises, this pain during wars, epidemics and even today during Covid: crises that drain us and stress us. That is the reason for me to explore the world behind the façade. That's why I started painting masks and faces. My task as an artist is to show this, but also to turn my gaze inward and ask myself who I am and how I adapt to the changing environment: am I staying who I think I am ?' (Ngoye, 2021)For further information on this lot please visit Bonhams.com
Yannick Ackah (Côte d'Ivoire, né en 1992)Héritage2022signé et daté 'Yannick.A 22' en bas à droite technique mixte sur toilesigned and dated 'Yannick.A 22' lower right mixed technic on canvas 160 x 200 cm.63 x 78 3/4 in.Footnotes:ProvenanceGalerie Melbye-KonanPrivate Collection GermanyBibliographieYannick Ackah, Monographie, 2022, Melbye-Konan Publications, Pages: 80Yannick Ackah est un artiste contemporain reconnu, et actuellement l'un des jeunes artistes les plus suivis du continent. Ses œuvres, faisant ouvertement référence aux esthétiques africanisées de Picasso et de Basquiat, ont été récemment présentées lors de la foire d'art berlinoise Positions et à l'occasion de sa première exposition solo en septembre dernier à Hambourg, Allemagne.À première vue, ses œuvres suggèrent un enracinement profond dans les cultures visuelles et les imaginaires africains. Les formes humanoïdes suspendues dans la toile semblent vouloir orienter la contemplation vers des vérités ancestrales, dont la temporalité et l'individualité sont absentes.Ackah lui-même décrit sa relation avec celles-ci comme un mystère :'Ce que je vois dans les sculptures africaines, c'est la beauté, un défi, une histoire complète, un grand mystère que j'essaie de résoudre à travers mon travail avec des lignes, des coups de pinceau et aussi avec la couleur.' (Ackah, 2021)Divers matériaux tels que du papier, des articles de journaux et de magazines ou du tissu, qu'il assemble dans ses œuvres comme dans un collage, créent la structure typique de la surface de ses toiles. Ils contribuent à la tridimensionnalité et à la profondeur de ses œuvres, y intégrant des références à la culture pop, qu'il associe de manière ludique à des motifs traditionnels.Si vous vous laissez embarquer dans le récit fantasmagorique de ses peintures, vous percevrez une confrontation constante entre les thématiques omniscientes et universelles que sont la vie et de la mort, le jour et la nuit, le jeu rêveur et les abysses mentales. Autant de bases de réflexion constituant les fondations de 'la poésie d'une existence', comme le dit lui-même le jeune artiste. En 2020, Yannick Ackah termine ses études d'art à l'I.N.S.A.A.C (Institut National Supérieur des Arts et de l'Action Culturelle) à Abidjan (Côte d'Ivoire). Depuis, il a exposé à l'international et ses œuvres font partie de prestigieuses collections privées en France, en Allemagne, en Suisse, en Espagne, au Japon et aux États-Unis.Yannick Ackah is a recognized contemporary artist, and currently one of the most sought-after newcomer artists from Africa. His works have echoes of Picasso and Basquiat and were also immediately sold out at the Berlin Art Fair Positions and at his first Solo Show last September in Germany. At first glance, the works of this artist suggests his deep rootedness in the visual cultures of Africa. The engaging images seem to want to carry you away, in search of individual truth, but also the collective truth of a culture. For his compositions, Ackah draws inspiration from African sculptures and masks. The stylistic artistic reference to Picasso and his work is deliberately chosen, whereby Picasso's source of inspiration also leads back to African culture. Ackah himself describes his relationship to it as a mystery: 'What I see in African sculptures is beauty, a challenge, a complete story, a great mystery that I try to solve through my work with lines, brushstrokes and also with colour.' (Ackah, 2021) Various materials such as paper, newspaper and magazine articles or fabric, which he assembles in his works as in a collage, create the typical surface structure. They contribute to the three-dimensionality and depth of his works and add a dimension of everyday life and pop culture, which the artist playfully combines with traditional motifs.If you allow yourself to embark on this journey, you will often recognize a play of opposites: The dialectic of life and death, mental abysses and dreamy playfulness, day and night, in short 'the poetry of an existence', as the young artist himself states.But his own identity and the society in which he lives also play an undeniable role for Ackah. Socio-political themes such as racism and the deep wounds of colonialism as well as to the cultural appropriation can also be found in the works. In 2020 Yannick Ackah completed his art studies at I.N.S.A.A.C (Institut National Supérieur des Arts et de l'Action Culturelle) in Abidjan (Ivory Coast). Since then, he exhibited internationally and his works are part of prestigious private collections in France, Germany, Switzerland, Spain, Japon and the United States.For further information on this lot please visit Bonhams.com
Pablo Picasso, Spanish 1881–1973, Deux masques, 1963; each lithograph in black on wove, each dated, each published by Fernand Mourlot, each visible image: 31 x 23.7 cm, (framed) (ARR) (2) Note: this work has been cut in two and presented in two frames Please refer to department for condition report
After Pablo Picasso, Spanish, 1881-1973, Portrait imaginaire; lithograph on vellum Arches wove, numbered A 136/250 in pencil, printed in the plate 27.4./69./Picasso, paper embossed with Editions Cercle d'Art, lower left, sheet: 65 x 50.5 cm, (unframed) Note: this lot is accompanied by a Goldmark exhibition booklet Please refer to department for condition report
A silver Tiffany 'Loving Heart' pendant,designed by Paloma Picasso, with an openwork heart pendant suspended on a trace link chain with bolt ring clasp, marked 925, signed 'Paloma Picasso' and 'Tiffany & Co.', with original pouch, outer box and bag, 2.85gCondition ReportMinor surface marks/scratches/tarnish.Some wear to the chain links.Some scuffs to box and bag, and creases to bag.Pendant 16 x 11mm.Chain 415mm long.
PICASSO CERAMICS, PABLO1881 Malaga - 1973 MouginsTitel: Corrida on black ground. Datierung: 1953. Technik: Weißes Steingut, partiell farbig gefasst und glasiert. Maße: 32 x 39 x 4cm. Bezeichnung: Stempel auf der Unterseite: MADOURA PLEIN FEU und EDITION PICASSO. Zudem bezeichnet: Edition Picasso Madoura. Die Keramik erschien in einer Auflage von 500 Exemplaren.Provenienz: - Privatsammlung Rheinland-PfalzLiteratur: - Ramié, Alain: Picasso, Catalogue of the Edited Ceramic Works 1947-1971, Lyon 1988, WVZ.-Nr. 198, Abb.Erläuterungen zum Katalog
PICASSO CERAMICS, PABLO1881 Malaga - 1973 MouginsTitel: Faun's head. Datierung: 1948. Technik: Weißes Steingut, partiell farbig gefasst und glasiert. Maße: 39 x 32 x 5,5cm. Bezeichnung: Stempel auf der Unterseite: MADOURA PLEIN FEU und EDITION PICASSO. Hier zudem eingraviert: I 122 139/300. Exemplar: 139/300. Für dieses Werk liegt ein Echtheitszertifikat (Nr. WJ5994) von Alain Ramié, Vallauris, vom 6. April 1997 vor.Diesem Werk liegt eine Stofftasche mit Aufdruck "Madoura Vallauris Picasso" bei.Provenienz:- Privatsammlung Schleswig-HolsteinLiteratur:- Ramié, Alain: Picasso, Catalogue of the Edited Ceramic Works 1947-1971, Lyon 1988, WVZ.-Nr. 51, Abb. Erläuterungen zum Katalog
PICASSO CERAMICS, PABLO1881 Malaga - 1973 MouginsTitel: Bunch with apple. Datierung: 1956. Technik: Weißes Steingut, partiell farbig gefasst und glasiert. Maße: 24,5 x 24,5 x 3cm. Bezeichnung: Stempel auf der Unterseite: MADOURA PLEIN FEU und EMPREINTE ORIGINALE DE PICASSO. Sowie mit Aufkleber versehen: Pablo Picasso. Die Keramik erschien in einer Auflage von 400 Exemplaren.Provenienz:- Privatsammlung HessenLiteratur:- Ramié, Alain: Picasso - Catalogue of the Edited Ceramic Works, 1947-1971, Vallauris 1988, WVZ.-Nr. 307, Abb.Erläuterungen zum Katalog
INGRES JEAN-AUGUSTE: (1780-1867) French Painter. A Painter of History, and a renowned portraitist. Acknowledged as the leader of the Neoclassic school in France, he is a precursor of modern art, influencing Picasso, Matisse and other modernists. A.L.S., `J. Ingres´, one page, 8vo, Paris, 5th December 1855, in French. Ingres confesses the reason why he cannot paint his correspondent´s portrait, and states `Il est vrai que ma bonne volonté m´a entrainé au dela de la possibilité, lorsque je vous ai laisse entrevoir que je pourrais peut-être faire votre portrait dessiné; mais mes yeux déja tres fatigués se refusent de plus en plus a ce genre de travail et je me vois dans l´impossibilité de répondre a votre désir..´ ("I have to say that my good will carried me beyond the possibility when I made you believe that I could perhaps do your drawn portrait; but my eyes, already very tired, refuse more and more this kind of work and I find myself unable to respond to your desire") Very small overall minor creasing, with a water stain to the right bottom corner, not affecting the text or signature. G
PICASSO PABLO: (1881-1973) Spanish painter, a co-founder of the Cubist movement. A good signed and inscribed 6 x 4 postcard photograph by Picasso `Para mis amigos Pallarés, 1917 Picasso´ in Spanish ("To my friends Pallarés, 1917 Picasso") Signed and inscribed in bold brown ink to the verso of a postcard showing to the front Picasso´s early work Verre et Bouteille de Rhum (1914) ("Glass and Bottle of Rum"). Attractively framed and glazed beneath a 6 x 4 image of Picasso´s painting Verre et Bouteille de Rhum, identical to the image shown to the front of the postcard, to an overall of 14.5 x 17.5 (37 cm x 17.5 cm). With very slightly light ink, otherwise G to VG The present autograph provenance is from the Pallarés family collection.Manuel Pallares i Grau (1876-1974) met for the first time Pablo Picasso, five years younger, the first day they assisted to the School of Arts in Barcelona in 1895. Since that day and until Picasso´s death, they remained friends, a friendship which last 78 years. Pallarés worked as assistant to Picasso´s father, teacher at Llotja, and replaced him when he retired. From 1896 to 1899 they spent long periods together, studying and on holidays. Pablo would spend over eight consecutive months at Horta del Ebro, village where Pallarés´ family home was located, to recover from scarlet fever. Later in his life, and during few days journey of Pallarés visiting his friend Picasso, Pablo recalled how Pallarés saved him from falling and dying drowned in a mighty river, mentioning that he didn´t know how to swim at that time, and recalling that he said `I will never forget that you have saved my life"
PICASSO PABLO: (1881-1973) Spanish Painter. A.L.S., `Picasso´, one page, oblong 11 x 4 page (27.5 cm x 10.5 cm), n.p., 9th July 1962, to Ines Sassier, in French. Picasso, in his usual large and irregular writing, sends a kind message and asks his correspondent to forward a cheque to a notary on his behalf, stating `Ma chère Ines, voici le cheèue à porter chez Monsieur de Sariac. On vous embrasse tous les trois, votre Picasso´ ("My dear Ines, here is the cheque to be taken to Monsieur de Sariac. We kiss you all three, your Picasso") Picasso used to send every month a cheque in the same way to attend expenses of his children Claude and Paloma. VG
KHOKHLOVA OLGA: (1891-1955) Russian ballet dancer, the first wife of Pablo Picasso (from 1918-35) and one of his early artistic muses. A.L.S., Olga, to the verso of a sepia picture postcard of the altar within Belley Cathedral, n.p. (Belley), n.d. (1938?), to Man Ray, in French. Khokhlova states that they have received Man Ray's kind card, which was really very appreciated, and continues 'Nous sommes depuis 2 jours a Belley chez Gertrude Stein pour quelques jours et nous prenons apres la route pour la capitale ou nous esperons vous voir! de nous deux a vous deux' (Translation: 'We have been in Belley for 2 days at Gertrude Stein's home for a few days and we are then taking the road to the capital where we hope to see you! From the two of us to you two'). A charming letter with good association. VG Man Ray (1890-1976) American visual artist, a significant contributor to the Dada and Surrealist movements and a renowned pioneering fashion and portrait photographer. Gertrude Stein (1874-1946) American novelist, poet, playwright and art collector.
MAAR DORA: (1907-1997) French photographer, painter and poet, a romantic partner of Pablo Picasso (from 1935-43) and the subject of several of his portraits. A brief A.L.S., Dora, also signed ('Picasso') by her on behalf of Pablo Picasso, to the verso of a colour picture postcard depicting the harbour and boats at Cannes, n.p. (Cannes?), n.d. (late 1930s?), to Man Ray, in French. Maar states 'Voici un cadeau charmant' (Translation: 'Here is a charming gift') and appears to send a thousand kisses. Beneath Maar's letter appears a note signed by Rosemonde (possibly Rosemonde Wilms, the nom de plume of Rosemonde Gion de Romesnil whose portrait Man Ray had taken in 1935 for her book Reflexions d'une innocente) in French in which she thanks Man Ray for some photographs, in full, 'Merci des belles photos. Je croyais vous voir revenir. Tout le monde vous reclame' (Translation: 'Thank you for the beautiful photos. I thought I saw you coming back. Everyone calls for you'). One light surface crease, otherwise VG Man Ray (1890-1976) American visual artist, a significant contributor to the Dada and Surrealist movements and a renowned pioneering fashion and portrait photographer.
PICASSO & MAAR: PICASSO PABLO (1881-1973) Spanish painter, a co-founder of the Cubist movement & MAAR DORA (1907-1997) French photographer, painter and poet, a romantic partner of Pablo Picasso (from 1935-43) and the subject of several of his portraits. An excellent collective A.L.S. by both Picasso ('Picasso') and Maar ('Dora') individually, one page, 8vo, n.p., n.d. (c.1936/7), to Paul and Nusch Eluard, in French. The letter commences with text by Dora Maar, 'Cher Paul et Nusch, Les bonbons etaient bien bons. Vous allez bien? Merci, Dora' (Translation: 'Dear Paul and Nusch, The sweets were very good. Are you doing well? Thanks, Dora') and is immediately followed by Picasso's message, where words and images engender each other in a number of puns, 'Splin du quart de brie dans son slipin car l'une anonime a l'autre bat son plein la fete a plat de cote. Merci, Picasso' (Translation: 'Splin [spleen] from the quarter of brie in its slipin because one anonymous to the other is in full swing the party flat aside. Thanks, Picasso'). The letter further continues with a brief message signed by both Christian Zervosand his wife Yvonne, 'Merci pour les beaux poemes' (Translation: 'Thank you for the beautiful poems'), a further note signed by Juan Larrea and his wife Guite, 'Le plus retardataire des discoboles vous souhaite un retour veloce. Merci' (Translation: 'The most latecomer of the discobolians wishes you a speedy return. Thanks') and concludes with the signature and greeting of Luis Fernandez, 'Salud! Fernandez'. An exceptional letter, with a significant grouping of signatories (most related to the creation of Guernica), and excellent association. Some very light, extremely minor age wear, VG Paul Eluard (1895-1952) French poet, one of the founders of the Surrealist movement and a close friend of Picasso. Nusch Eluard (1906-1946) French performer, model and surrealist artist, wife of Paul Eluard from 1934 until her death in 1946. Nusch met her husband through Picasso and was the subject of several cubist portraits and sketches by the artist in the late 1930s, and is said to have had an affair with him. Christian Zervos (1889-1970) Greek-French art historian, critic, collector, writer and publisher who founded the magazine Cahiers d'art and also published a catalogue raisonne of the work of Picasso. Juan Larrea (1895-1980) Spanish essayist and poet. Luis Fernandez (1900-1973) Spanish painter, a friend of Picasso, who had a great influence on his work and with whom he collaborated on several projects including the stage curtain La Depouille du Minotaure en costume d'Arlequin in 1936. In the 1930s Paul Eluard travelled through Europe as an ambassador of the Surrealist movement and when in Spain in 1936 he learned of the Francoist counterrevolution against which he forcefully protested. In the following year the bombing of Guernica inspired Eluard to write the poem Victory of Guernica. During this turbulent time in Spain Eluard and Picasso became inseparable, the poet telling the painter 'you hold the flame between your fingers and paint like a fire'. The bombing of Guernica by Nazi Germany's warplanes, in support of General Francisco Franco's Nationalist forces, also had a profound impact on Juan Larrea. Immediately after hearing about the events of 26th April 1937, Larrea visited Picasso in his Paris studio and urged him to make the bombing the subject for the large mural the Spanish Republican government had commissioned him to create for the Spanish pavilion at the 1937 Paris World's Fair, which resulted in Picasso's anti-war painting Guernica. Regarded by many art critics as the most moving and powerful ant-war painting in history. Guernica was created using a matte house paint specially formulated at Picasso's request. Dora Maar documented its creation in photographs which, according to art historian John Richardson, 'helped Picasso to eschew colour and give the work the black-and-white immediacy of a photograph'
PICASSO PABLO: (1881-1973) Spanish painter, a co-founder of the Cubist movement. A good book signed and inscribed, incorporating an original drawing by Picasso, being a folio softcover edition of the catalogue issued to accompany an exhibition of Pablo Picasso's works of 1969-70 at the Palais des Papes from 1st May to 30th September 1970, held in conjunction with the 24th Festival d'Avignon and curated by Yvonne Zervos, published by Cahiers d'Art, Paris, 1970. The catalogue features an essay, in French, by Christian Zervos, and two colour plates, 165 monochrome plates of paintings and a further 45 of drawings. The presentation copy is inscribed by Picasso in pale blue crayon to the title page 'Pour Anita, Picasso' and also incorporates an original drawing of a bearded man forcefully staring ahead. Picasso has also drawn several playful wave-and-dot designs to the head and foot of the page, further adding the date, 10th July 1970, in his hand. Bound in the original paper wrappers with blue printed title and spine. Some light age wear and minor staining, predominantly to the covers and spine, and with a few ink annotations in an unidentified hand to the inside pages. About VG Yvonne Zervos (1905-1970) French gallery owner and wife of Christian Zervos with whom she was a co-director of Cahiers d'Art. An expert on Picasso, she organised the exhibition of over 200 works by the artist held in Avignon, the promotional poster for the event posthumously honouring Zervos by proclaiming that she conceived and developed the exhibition in tribute to Picasso. Christian Zervos (1889-1970) Greek-French art historian, critic, collector, writer & publisher who founded the magazine Cahiers d'Art and also published a catalogue raisonne on the work of Picasso.
PICASSO PABLO: (1881-1973) Spanish painter, a co-founder of the Cubist movement. An excellent vintage signed 3 x 4.5 (7 x 11.5 cm) photograph incorporating an original drawing by Picasso, the image depicting the artist in a full-length pose, wearing a pair of white shorts and sandals, standing second in-line alongside two unidentified ladies and a gentleman, and, at the back of the line, Picasso’s eldest child, Paulo Picasso can be seen. The five appear to be standing on a small outdoor stage in what appears to be a restaurant, with a number of empty tables and chairs in the background. Signed (‘Picasso’) in blue fountain pen ink with his surname only at the base of the image. To a clear area at the head of the image Picasso has added a charming, small ink drawing of a dove in flight. A rare and desirable signed photograph. Some very light surface creasing and minor age wear, about VG For Picasso the dove was both an important political symbol and a personal one, and in 1949 he created the lithograph Dove (‘La Colombe’) in an edition of 50 and 5 artist’s proofs. The image, of a white dove on a black background, is widely considered to be a symbol of peace and was used to illustrate a poster at the 1949 Paris Peace Congress. The dove illustrated in the lithograph was actually a Milanese pigeon which had been presented as a gift to Picasso by his friend and fellow artist Henri Matisse. Provenance: The photograph is accompanied by a Picasso Authentication certificate issued and signed by Claude Ruiz-Picasso dated at Geneva, 25th April 2022.
‘Picasso y yo’DALI SALVADOR: (1904-1989) Spanish surrealist artist. A highly attractive Autograph Statement Signed, Dali, (a large, artistically penned example), one page (stiff off-white card), oblong 4to, n.p., n.d., in Spanish. In bold black ink Dali has penned a brief statement, perhaps reflecting on whom he considers to having been the greatest artists of the 20th century, 'Picasso y yo, Dali'. Each of the letters have been stylishly penned by Dali, effectively creating a piece of art, and some light ink splatters from the nib of his pen only serve to add to the visual appeal. An extremely rare and exceptional example of Dali's autograph, linking the two legendary Spanish artists. Very slightly irregularly cut edges, otherwise VG
GILOT FRANÇOISE: (1921- ) French Painter. Best known for her relationship with Pablo Picasso with whom she had two children. Signed 7 x 5 photograph by Gilot, the image showing her standing in a half-length pose at a gallery. Signed in blue ink to a clear are of the image. VG Gilot´s professional career was eclipsed by her social celebrity alongside Picasso, but when she split from him, he discouraged galleries from buying her works and tried unsuccessfully to block her memoir Life with Picasso.
VERA ROCKLINE (Moskau 1896 - 1934 Paris)Im CaféKohle und Bleistift/Papier, 35,8 x 26,6 cmmonogrammiert VR, gestempelt Atelier Vera Rockline verso weitere Zeichnung Provenienz: Aguttes, Paris 2007; Internationale PrivatsammlungSCHÄTZPREIS °€ 1.000 - 2.000STARTPREIS € °€ 1.000Véra Rockline war eine russisch-französische post-impressionistische Malerin. Sie lernte zunächst im Atelier von Ilja Iwanowitsch Maschkow in Moskau. 1918 begann sie Ausbildung im Atelier von Alexandra Alexandrowna Exter in Kiew. Exter, bekannt mit Pablo Picasso and Guillaume Apollinaire, hatte großen Einfluss auf Rocklines frühen Stil. 1918 und 1919 beteiligte sie sich der der 14. Ausstellung der Moskauer Künstlervereinigung, 1922 an der russischen Sektion des Salon d'Automne und im Salon des Tuleries. Der Journalist und Kritiker Raymond Escholier lobte ihre Akte. Nach Anfängen unter dem Einfluss von Kubismus und Impressionismus fand Rockline zu ihrem eigenen Stil, "irgendwo zwischen Courbet und Renoir", laut "L’Art et les Artistes". Bewunderer und Förderer waren u. a. Paul Poiret und der Dichter Charles Vildrac. Die in Paris lebende russische Exilantin und Impressionistin Sinaida Jewgenjewna Serebrjakowa wurde ihr eine enge Freundin. Wiederentdeckung nicht zuletzt infolge einer Ausstellung 2002 in Montparnasse, “Elles de Montparnasse", wo ihre Werke zusammen mit Arbeiten von Tamara de Lempicka, Marie Laurencin, Chana Orloff Sonia Delaunay und Natalija Sergejewna Gontscharowa gezeigt wurden.Bitte beachten: Der Kaufpreis besteht aus Meistbot zuzüglich des Aufgeldes, der Umsatzsteuer sowie gegebenenfalls der Folgerechtsabgabe. Bei Normalbesteuerung (mit ° gekennzeichnet) kommt auf das Meistbot ein Aufgeld in der Höhe von 24% hinzu. Auf die Summe von Meistbot und Aufgeld kommt die gesetzliche Umsatzsteuer von 13%, bei Fotografien 20% hinzu. Bei Differenzbesteuerung beträgt das Aufgeld 28%. Die Umsatzsteuer ist bei der Differenzbesteuerung inkludiert.
HUGO SCHEIBER* (Budapest 1873 - 1950 Budapest)Selbstporträt mit ZigaretteMischtechnik/Papier, 44,5 x 40,5 cmsigniert Scheiber H Provenienz: Christie’s, London 2006; Internationale PrivatsammlungSCHÄTZPREIS °€ 2.000 - 3.000STARTPREIS € °€ 2.000Hugó Scheiber war ein ungarischer Maler der Moderne. Früh wandte er sich vom Impressionismus ab und dem Expressionismus zu. Er kamSzwischen 1919 und 1921 mit dem befreundeten Künstler Béla Kádár nach Wien. Über die ungarische Künstlerschaft in Wien, wozu unter anderem der befreundete Schriftsteller und Maler Lajos Kassák zählt, etablierte sich Scheiber im avantgardistischen Künstlerkreis. Über Kassák wurde Herwarth Walden auf Scheiber aufmerksam. Ab 1924 veröffentlichte Walden regelmäßig Arbeiten Scheibers in der Zeitschrift "Der Sturm" und listete ihn als Künstler in der Sturm-Galerie. Er hatte von 1924 bis 1930 neun Ausstellungen, u. a. mit Kádár, Adolf Küthe, László Moholy-Nagy, Oskar Nerlinger, Boriska Polgar, Kurt Schwitters und Arnold Topp. Scheibers Bilder wurden unter anderem 1926 auf der „International Exhibition of Modern Art“ der „Société Anonyme“ im Brooklyn Museum, New York, gezeigt. Zu den ungarischen Vertretern gehörten neben Scheiber seine Sturm-Kollegen László Moholy-Nagy, Béla Kádár und Peri. Andere namhafte Künstler waren Wassily Kandinsky, Franz Marc, Pablo Picasso, Johannes Itten, Marcel und Suzanne Duchamp. 1930 folgte eine Ausstellung beim Wiener Hagenbund sowie auf Einladung des Schriftstellers Filippo Tommaso Marinetti 1933 die Ausstellung Mostra Nazionale d’Arte in Rom. 1937 wurde in der Nazi-Aktion „Entartete Kunst“ Scheibers Zeichnung "Bildnis Dr. Luther" aus dem Museum Folkwang Essen beschlagnahmt und vernichtet. Scheiber wurde u. a. vom französischen Komponisten Paul Arma sehr geschätzt.Bitte beachten: Der Kaufpreis besteht aus Meistbot zuzüglich des Aufgeldes, der Umsatzsteuer sowie gegebenenfalls der Folgerechtsabgabe. Bei Normalbesteuerung (mit ° gekennzeichnet) kommt auf das Meistbot ein Aufgeld in der Höhe von 24% hinzu. Auf die Summe von Meistbot und Aufgeld kommt die gesetzliche Umsatzsteuer von 13%, bei Fotografien 20% hinzu. Bei Differenzbesteuerung beträgt das Aufgeld 28%. Die Umsatzsteuer ist bei der Differenzbesteuerung inkludiert.
JOSEF FLOCH* (Wien 1894 - 1977 New York)Mimi und Gitou (Mutter und Kind), 1928Öl/Leinwand, 73 x 50 cmabgebildet in Wkvz. Floch, Wien 2000, S. 150, Nr. 117Provenienz: Privatbesitz WienSCHÄTZPREIS € 20.000 - 30.000STARTPREIS € € 20.000 Der österreichisch-amerikanische Maler Josef Floch studierte 1913 bis 1918 bei Rudolf Bacher, Franz Rumpler und Hans Tichy an der Wiener Akademie der bildenden Künste. Studienreisen führten ihn nach Ägypten und Palästina und in die Niederlande, wo er das Werk Rembrandts und Vermeers studierte. 1922 bis 1938 war Floch Mitglied des Hagenbundes und beteiligte sich an dessen Ausstellungen. 1925/1926 übersiedelte er nach Paris; Ausstellungsbeteiligungen im Salon d’Automne, im Salon des Tuileries und in der Galerie von Berthe Weill (Pablo Picasso, Amedeo Modigliani). Floch war eng mit Willy Eisenschitz befreundet. 1941 emigrierte die Familie Floch nach New York, an Bord der berüchtigten Navemar. Auf dem Schiff befanden sich auch Ernst Lachs (später Mitarbeiter im Office of Strategic Seevices, OSS, und im amerikanischen Außenministerium), seine Frau Minna Lachs (Pädagogin und später in der österreichischen UNESCO-Kommission) und Sohn Thomas Lachs (später Direktor der Österreichischen Nationalbank). 1944 hatte Floch eine Ausstellung in der Associate American Artists Gallery und in der Folge in zahlreichen Museen. 1956 Kreuz der französischen Ehrenlegion, 1963 Chevalier de l’Ordre des Arts et Lettres. Flochs Anfänge lagen im Expressionismus; maßgeblich beeinflusst war er von Paul Cézanne und Van Gogh, Hans von Marées und den alten Niederländern. Stille, melancholische Figurenbilder, Landschaften, Interieurs und Porträts.Bitte beachten: Der Kaufpreis besteht aus Meistbot zuzüglich des Aufgeldes, der Umsatzsteuer sowie gegebenenfalls der Folgerechtsabgabe. Bei Normalbesteuerung (mit ° gekennzeichnet) kommt auf das Meistbot ein Aufgeld in der Höhe von 24% hinzu. Auf die Summe von Meistbot und Aufgeld kommt die gesetzliche Umsatzsteuer von 13%, bei Fotografien 20% hinzu. Bei Differenzbesteuerung beträgt das Aufgeld 28%. Die Umsatzsteuer ist bei der Differenzbesteuerung inkludiert.
EUGENE BERMAN* (Sankt Petersburg 1899 - 1972 Rom)Gewitter, 1928Öl/Leinwand, 81 x 100 cmsigniert E Berman, datiert 1928 verso beschriftet E Berman, Paris 1928, Maisons son l‘orage Provenienz: Sotheby's, Olympia 2006; Internationale PrivatsammlungSCHÄTZPREIS °€ 4.000 - 6.000STARTPREIS € °€ 4.000Eugène Berman war ein russisch-amerikanischer Maler und Bühnenbildner. Sein Werk wird oft als "neo-romantisch" bezeichnet. Sein Bruder war der russische Maler Leonide Berman. Seine künstlerischen Anfänge lagen in Deutschland, der Schweiz und in Frankreich. In St. Petersburg erhielt er 1914 - 1918 Kunstunterricht von dem Maler Pavel Naumov und dem Architekten Sergey Gruzenberg. Ab 1918 studierte er an der Académie Ranson unter der Leitung von Maurice Denis und Édouard Vuillard in Paris. Seine Malerei wurde weitgehend von Girogio de Chirico (Hauptvertreter der Pittura metafisica) und Pablo Picasso beeinflusst. Zwischen 1923 und 1927 stellte er in den Salons d'Automne und in den Tuilerien aus, insbesondere Porträts und Landschaften. 1935 Auswanderung in die USA, 1946 Guggenheim-Stipendium.Bitte beachten: Der Kaufpreis besteht aus Meistbot zuzüglich des Aufgeldes, der Umsatzsteuer sowie gegebenenfalls der Folgerechtsabgabe. Bei Normalbesteuerung (mit ° gekennzeichnet) kommt auf das Meistbot ein Aufgeld in der Höhe von 24% hinzu. Auf die Summe von Meistbot und Aufgeld kommt die gesetzliche Umsatzsteuer von 13%, bei Fotografien 20% hinzu. Bei Differenzbesteuerung beträgt das Aufgeld 28%. Die Umsatzsteuer ist bei der Differenzbesteuerung inkludiert.
André Suarès Hélène chez Archimède. Paris, Nouveau Cercle Parisien du Livre 1955. 'Ein Buch, das beinahe nie erschienen wäre' (Abraham Horodisch). 1 von 140 numerierten Exemplaren für den Pariser Bibliophilenclub. Schöner breitrandiger Druck auf chamoisfarbenem Papier. - Zur Zeit der Erschaffung von Balzacs Chef-d'oeuvre inconnu (1931) plante der Verleger Vollard schon Hélène chez Archimède , ebenfalls mit Illustrationen von Picasso. Diese Zusammenarbeit gelangte vorerst zu keinem Ergebnis; der Text erschien ohne Illustrationen im Jahre 1949, und erst 1955 wurden die von Aubert in Holz geschnittenen Zeichnungen in der vorliegenden Fassung veröffentlicht. EINBAND: Lose Bogen in Original-Umschlag und -Leinendecke, in Schuber. 44,5 : 33 cm. - ILLUSTRATION: Mit 22 Lithographien nach P. Picasso von G. Aubert. LITERATUR: Rauch 80. - Monod 10485. - Horodisch S. 24. - Arnold 2780. 1 of 140 numbered copies. Loose sheets in original wrapper and cloth boards, in slipcase. With 22 lithographs after P. Picasso by G. Aubert. - Slipcase with slight traces of use; else fine, clean and well-preserved copies. Dieses Objekt wird regelbesteuert angeboten (R).
Jaime Sabartés 'A los toros' mit Picasso. Monte-Carlo, A. Sauret 1961. Schöne Monographie, mit vier eigens für dieses Werk geschaffenen Lithographien von Picasso. EINBAND: Illustrierter Orig.-Leinenband in illustriertem Orig.-Pappschuber in Rot. 25,5 : 32,5 cm. - ILLUSTRATION: Mit 4 Orig.-Lithographien (davon 1 farbig) sowie 103 teils farbigen Abbildungen von Pablo Picasso. LITERATUR: Goeppert/Cramer 113. - Bloch, Livres 108. - Mourlot 346, 348-350. With 4 orig. lithographs (1 in color) and 103 illustrations by P. Picasso. Orig. cloth in orig. slipcase. Nice copy. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.
Pablo Picasso Memento mori Nature morte au Crâne. Farbige Aquatintaradierung und Carborundum. Signiert und numeriert. Um 1960. Auf Vélin d'Arches. Plattenformat 42,8 : 62,3 cm. Papiergröße ca. 56 : 76 cm. - 1 von 150 Exemplaren - Schönes Stilleben und Memento mori des Künstlers Gedruckt und herausgegeben vom Atelier Lacourière, Paris; unten links mit dem entsprechenden Trockenstempel. 1 von 150 numerierten Exemplaren. Die schöne Graphik geht auf ein Gemälde aus dem Jahr 1947 zurück (Zervos XV, 31). Colored aquatint etching and carborundum. Signed and numbered. Ca. 1960. On wove paper d'Arches. - 1 of 150 copies, beautiful still life and memento mori by the artist. - Only in the margins slightly stained. Good impression of the graphics, mounted in passepartout. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.
Pablo Picasso Linolschnitte. Einleitung von Wilhelm Boeck. Stuttgart, Hatje (1962). Hervorragend gedruckte Monographie zu Picassos Linolschnitten. EINBAND: Illustrustrierter Orig.-Leinenband. 32 : 39 cm. - ILLUSTRATION: Mit 45 Farbtafeln. 1 Beigabe. With 45 color plates. Illustr. orig. cloth. - 1 text leaf detached. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.
▴ Pablo Picasso (Spanish, 1881-1973)'La Maigre' (Cramer 63), 1952etching with drypoint, from an edition of 74plate 7.8 x 38.5cmsheet 15 x 46cmProvenance: With Andipa Gallery.Condition ReportFramed 35 x 65cm, uninspected out of glazed frame, minor cockling, torn edge and central crease as issued.
After Pablo Picasso 'Maternité'lithograph in colours, stamped 'Editions Combat pour la Paix/Copyright S.P.A.D.E.M. Paris' verso64.5 x 49.5cm, unframed;together withAfter Fernand Léger'Le Cycliste'lithograph in colours68 x 52cm, unframed (2)Condition ReportBoth unframed. Both rolled in tubes, discolouration to paper, creasing throughout, some foxing. Please refer to images.
▴ After Pablo Picasso'Femme Assise' (1979-82)lithograph in colours on Arches paper, signed 'Collection Marina Picasso' l.r. and numbered '91/500' l.l., bears blind stamp74.2 x 53.5cm, unframedSold with a certificate of authenticity stating that this is 'A limited edition after a work by Pablo Picasso'.After Picasso's death in 1973, his granddaughter, Marina Picasso, authorised the printing of this series of lithographs. They were created from paintings by Picasso and were printed by Laurent Marcel Salinas.Condition ReportIn excellent condition.
Pablo PICASSO (1881-1973), d'aprèsChouette sous les étoiles - Vallauris, 1951Gravure sur vélin d'Arches. Signée, datée, située et dédicacée dans la planche en bas à droite40,5 x 31,5 cm NB: Origine "Les cavaliers d'ombre" mis sur cuivre par Georges Betemps d'après le dessin de Pablo Picasso. Edition Joseph Foret en 1954. Edition limitée à 197 exemplaires.
Antoni Clavé - Chansons du passé du XVe au XVIIIe siècle, présentées par Charles Brun. Lithographies de Clavé. Paris, Éditions J. Susse 1944. Mit 20 Lithographien. Lose Doppelbogen in Originalumschlag und -leinenchemise.Exemplar 40 von 42 auf »Arches teinté« (Gesamtauflage 57). - Antoni Clavé (1913-2005) malte in den 1940er Jahren unter dem stilistischen Einfluss von Picasso, den er 1944 kennenlernte. Ab 1946 entstanden zahlreiche Entwürfe für Ballett und Theater in Paris, München, London und New York, in den 1950er Jahren Buchillustrationen. 1954 gibt Clavé seine Arbeit als Bühnenbildner und Illustrator auf, um sich ganz der Malerei zu widmen.33,3 : 26,0 cm. [100] Seiten. - Durchgehend etwas stockfleckig.Monod 2584. - Carteret V, 45 (»très estimée«)
Kees van Dongen - Victor Margueritte. La garçonne. Avec 28 hors texte de Van Dongen. Paris, Ernest Flammarion 1926. Mit 28 Pochoirtafeln. Originalumschlag.Exemplar 558, somit eins von 636 der Auflage auf Velin d’Arches (Gesamtauflage 778), hier jedoch mit einer aquarellierten Extrasuite aller 28 Tafeln auf Bütten. Laut Druckvermerk erschienen 100 Vorzugsexemplare mit einer Suite auf Van Gelder-Bütten, allerdings in Schwarz gedruckt. Die Suitenblätter in einem Originalumschlag. - Kees van Dongen (1877-1968) war der erste Künstler, der Marguerittes 1922 erschienenen Roman um die sexuelle Befreiung und wirtschaftliche wie soziale Selbstermächtigung der Protagonistin Monique Lerbier illustrierte. Van Dongen, der in früheren Jahren in der Ateliergemeinschaft Bateau-Lavoir zusammen mit Picasso, Vlaminck und Matisse lebte und arbeitete, verkehrte in den 1920er Jahren in den mondänen Künstlerkreisen am Montparnasse.25,2 : 19,6 cm. [8], 386, [2] Seiten, 28 Tafeln und 28 Suitenblätter. - Vorsatzblätter mit Braunflecken, der Suitenumschlag am Rücken mit Läsuren. - Das Buch innen tadellos, zwei Suitenblätter rück- und eins vorderseitig leicht gebräunt.Monod 7765. - Carteret IV, 265
Pablo Picasso. Carnet de la Californie. Mit einer Einführung von Georges Boudaille. Köln, Dumont Schauberg 1960. Mit 25 teils farbig lithographierten Tafeln. Spiralgebundene Originalbroschur in illustrierter -leinenmappe.Exemplar D 268 von 500 der deutschen Ausgabe. - Faksimile des Skizzenheftes, das Picasso im Winter 1955/56 in seiner Villa »La Californie« bei Cannes führte. Er lebte dort von 1955 bis 1959 mit seiner Lebensgefährtin Jaqueline Roque. - Das Skizzenheft beinhaltet farbige Kreidezeichnungen zu den Themen »Das Atelier« und »Frau in türkischer Tracht« und anderes mehr. - Die Farbtafeln wurden teils als Lithographien bei Duval und Mourlot gedruckt. - Mit einer Einführung von Georges Boudaille (Beiheft). - Makellos.43,0 : 28,5 cm. 25 teils beidseitig bedruckte Blätter.Kibbey 265
Pablo Picasso - Jaime Sabartés. »A los toros« mit Picasso. Monte-Carlo, André Sauret 1961. Mit vier Lithographien, davon eine farbig, und 103 ganzseitigen, teils farbigen Illustrationen. Roter Originalleinenband mit Deckelillustration im roten Originalpappschuber.Exemplar der deutschen Ausgabe, übertragen von U. M. Hemmerich nach der französischen Ausgabe. - Die auf mehr als hundert Tafeln reproduzierten Tuschzeichnungen beschäftigen sich mit zwei zentralen Themen Picassos: Stierkampf und Frauen. - Auf Wunsch des Verlegers schuf Picasso für dieses Werk vier Lithographien und kolorierte dann »Le Picador« mit allen 24 Farben eines Wachsstiftkastens.25,5 : 32,5 cm. 153, [3] Seiten. - Schuber mit ganz schwachen Gebrauchsspuren.Bloch 1014-1017. - Goeppert/Cramer 113
Pablo Picasso - Camile José Cela. Geschichten ohne Liebe. Aus dem Spanischen von Rainer Specht. Mit 32 Farbillustrationen von Pablo Picasso. Berlin, Propyläen 1968. Mit 32 farbigen Illustrationen. Violetter Originalziegenlederband mit vergoldetem Rückentitel und blindgeprägtem Signet auf dem Vorderdeckel (Helmuth Halbach, Niederhöchstadt). Im Schuber.Erste deutsche Ausgabe. - Exemplar 30 von 100 der Vorzugsausgabe in Ganzleder. - Typographie und Einbandgestaltung von Gotthard de Beauclair. - Die Illustrationen Picassos zu diesem Buch entstanden am 13. Juni 1960 in Cannes.35,5 : 25,9 cm. 153, [5] Seiten. - Schuber mit Lichtrand.Vgl. Kibbey 1372
Pablo Picasso - Denis Diderot. Mystification ou Histoire des Portraits. Préface de Pierre Daix. Texte et notes établis par Yves Benot. Illustrations de Pablo Picasso. Paris, Éditeurs Français Réunis 1954. Mit vier ganzseitigen Lithographien nach Zeichnungen. Illustrierte Originalbroschur mit Pergaminumschlag.Exemplar 105 von 400 auf »Velin pur fil Lafuma« (Gesamtauflage 530). - Im Druckvermerk von Pablo Picasso signiert. - Teils unaufgeschnitten.28,3 : 19,5 cm. 90, [2] Seiten.Monod 3782. - Kibbey 1393
Pablo Picasso - Alain Ramié. Picasso. Catalogue of the edited ceramic works 1947-1971. Vallauris, Galerie Madoura 1988. Mit 645 Abbildungen, davon 570 farbige. Originalleinenband mit -schutzumschlag.Das maßgebliche und gesuchte Werkverzeichnis in der englischen Ausgabe. - Verzeichnet 633 keramische Arbeiten sowie die Ausstellungsplakate zu diesem Teil von Picassos Œuvre. - Tadellos erhalten.29,8 : 24,5 cm. 320 Seiten.
Picasso. Guernica. Die Skizzen auf Papier. Paris, Philipp Lebaud 1990. 42 teils farbige Faksimiletafeln in Passepartouts. Mit dem Begleitheft in Originalleinenkassette mit montiertem Deckelbild.Exemplar 278 von 1000 der deutschen Ausgabe. - Anspruchsvolle Faksimileedition, gedruckt bei der Akademischen Druck- und Verlagsanstalt Graz. - Die 42 ergreifenden Vorzeichnungen zu Picassos Meisterwerk, dem Wandbild in Guernica, entstanden im Frühjahr 1937. Auf Picassos Wunsch verblieben sie bis zum Ende der spanischen Militärdiktatur im MoMa New York und wurden erst 1982 an Spanien übergeben. 1990 waren sie im Besitz des Museo del Prado - Casón del Buen Retiro. - Mit dem Kommentar von Marie-Laure Bernadac, der Konservatorin des Musée Picasso. Das Begleitheft in Deutsch und Englisch.63,0 : 42,0 cm (Kassette).
Marc Chagall (1887 Witebsk - 1985 Paul de Vence) (F)'Saint-Jean-Cap-Ferrat', Farblithografie auf Velin, 1952, 68 cm x 49,5 cm Plattenmaß, 74,5 cm x 53,5 cm Passepartoutinnenmaß, signiert, Epreuves d'artiste nummeriert, im Druck signiert, 1949 datiert, leicht gewellt, leicht gebräunt, Literatur: Wvz. Solier VI, CS 4.Bereits um 1910-1914 löste sich Marc Chagall während seines Parisaufenthaltes vom Impressionismus, den er an der St. Petersburger Akademie erlernte. Dabei integrierte er Stilmerkmale des gerade durch Pablo Picasso und Georges Braque aufkommenden Kubismus und farbstarken Fauvismus in seiner Malerei. Nach Russland zurückgekehrt entwickelte Marc Chagall seinen eigenen Stil aus Elementen der russischen Volkskunst und der jüdisch-religiösen Erlebniswelt seiner Kindheit. Über Berlin emigrierte der Künstler nach Paris, wo er von 1920 an lebte und arbeitete. Das Werk Chagalls ist durch farbenprächtige Zusammenfügung symbolischer Bildmotive geprägt. Neben Gemälden fertigte er ein umfangreiches grafisches Oeuvre an und gestaltete Glasfensterentwürfe ebenso wie Keramik und Plastik. Ab 1950 lebte der Künstler in Vence, das über Nizza lediglich ca. 30 Kilometer von der Gemeinde Saint-Jean-Cap-Ferrat an der Côte d'Azur entfernt liegt und diese Farblithografie betitelt.Marc Chagall (1887 Vitebsk - 1985 Paul de Vence) (F)'Saint-Jean-Cap-Ferrat', colour lithograph on Velin, 1952, 68 cm x 49.5 cm panel dimension, 74.5 cm x 53.5 cm inner passepartout dimension, signed, Epreuves d'artiste numbered, signed in print, dated 1949, slightly wavy, slightly browned paper, literature: WVZ. Solier VI, CS 4.As early as around 1910-1914, Marc Chagall broke away from Impressionism, which he had learned at the St. Petersburg Academy, during his stay in Paris. In the process, he integrated stylistic features of Cubism and colourful Fauvism, which were just emerging through Pablo Picasso and Georges Braque, into his painting. After returning to Russia, Marc Chagall developed his own style from elements of Russian folk art and the Jewish religious experience of his childhood. Via Berlin, the artist emigrated to Paris, where he lived and worked from 1920 onwards. Chagall's work is characterised by a colourful combination of symbolic pictorial motifs. In addition to paintings, he produced an extensive graphic oeuvre and designed stained glass windows as well as ceramics and sculpture. From 1950 onwards, the artist lived in Vence, which is only about 30 kilometres from the municipality of Saint-Jean-Cap-Ferrat on the Côte d'Azur via Nice and which is the title of this colour lithograph.
Otto Ritschl (1885 Erfurt - 1976 Wiesbaden) (F)'Komposition 54/18', Öl auf Leinwand, 130 cm x 97 cm, signiert, 54 datiert, verso signiert, 'Komp. 54/18' betitelt, nummeriert und datiert, partiell minimal fleckig, Literatur: Wvz. Velte 1954/18, mit Abb. S. 105."Ich bin Maler, und für mich stehen meine Bilder." - Otto Ritschl. "Kunst sei die Nahrung für den Wesenskern des Menschen, dem Ich", so gibt der Hessische Rundfunk 1965 einen Einblick in das künstlerische Schaffen Otto Ritschls. Diesem Verständnis von Kunst und ihrer Bedeutung geht der Künstler zunächst im Feld von Wort und Schrift nach. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts erlangt er durch seine literarische Arbeit Bekanntheit, vor allem für seine Prosa und Theaterstücke. Gegen Ende des Ersten Weltkriegs ergriff ihn das Elend der zurückkehrenden Truppen existentiell: Auf die Rückwand eines großen Spiegels zeichnete er mit Kohle aufgetürmte Totenköpfe - wie für viele Künstler seiner Generation ereignete sich in den Zwanzigerjahren des vergangenen Jahrhunderts nach der Katastrophe des Krieges eine Lebenswende, die sich als Umbruch auch im künstlerischen Werk auswirkte. Ritschl wandte sich der Malerei zu, bildete sich als Autodidakt weiter und blickte dabei auf verschiedenste Stilrichtungen: von Neuer Sachlichkeit, Expressionismus, bis zum Kubismus und Surrealismus. Während seiner Studienreisen lernte er bisher unbekannte Ausdrucksformen im künstlerischen Schaffen seiner Kollegen Pablo Picasso, Georges Braque und Max Ernst kennen. Diese Begegnungen führten erneut zu einem Wechsel der eigenen Malweise und sogar eigene Vernichtung bisher erschaffenen Arbeiten. Durch die Gründung der Freien Künstlerschaft Wiesbaden, kommt er mit Künstlern, wie Alexej von Jawlensky in Kontakt. 1933 präsentierte Ritschl seine Bilder auf einer Ausstellung im Essener Folkwang-Museum, die von den nationalsozialistischen Machthabern geschlossen wurde. Fortan galt Otto Ritschls Kunst als entartet und durfte nicht mehr öffentlich gezeigt werden. Durch den zweiten Weltkrieg pausierte er seine Kunst zeitweise. "Jedes äußere Bild ist Abbild eines inneren [.]. Das Bild entsteht nicht, es wird erkämpft." Ebenso hat der Künstler über seine Schaffensjahre eine ganz eigene Formensprache entwickelt: Vollständige Abstraktion in Form und Farbe machen seine Werke aus, die wie auch hier, ausgefüllte geometrische Grundformen aufweisen. Doch wird die jeweilige Komposition durch unerwartet dynamische Linien in ihrer Starrheit durchbrochen und lässt Bewegung und Dynamik im Bild zu, der das Auge folgt.Das Gemälde 54/18 selbst steht in der Übergangsphase Ritschls von der Figuration zur Abstraktion. Eine höchst spannende und interessante Periode bei Ritschl! Ähnliche Bilder aus dieser Zeit (54/9-11) befinden sich in bedeutenden Musealen Sammlungen, wie im Von-der Heydt-Museum Wuppertal und in der Städtischen Kunstsammlung Karlsruhe. Weitere Werke des Jahres 1954 sind in den Sammlungen des Hessischen Landesmuseums Darmstadt (54/16), des Wilhelm-Lehmbruck-Museums, Duisburg (54/17) und in der Sammlung Karl Ströher, Darmstadt (54/19) zu verorten.Otto Ritschl (1885 Erfurt - 1976 Wiesbaden) (F)'Composition 54/18', oil on canvas, 130 cm x 97 cm, signed, dated 54, signed on verso, 'Comp. 54/18' titled, numbered and dated, partially minimally stained, literature: Wvz. Velte 1954/18, with ill. p. 105.''I am a painter, and my pictures stand for me.'' - Otto Ritschl ''Art is the nourishment for the core of man's being, the ego'', is how the Hessischer Rundfunk gave an insight into Otto Ritschl's artistic work in 1965. The artist initially pursued this understanding of art and its meaning in the field of words and writing. At the beginning of the 20th century, he became known for his literary work, especially for his prose and plays. Towards the end of the First World War, the misery of the returning troops gripped him existentially: on the back wall of a large mirror he drew skulls piled up with charcoal - like for many artists of his generation, a turn in life occurred in the 1920s after the catastrophe of the war, which also had an effect as a change in his artistic work. Ritschl turned to painting, educated himself as an autodidact and looked at a wide variety of styles: from New Objectivity and Expressionism to Cubism and Surrealism. During his study trips, he became acquainted with hitherto unknown forms of expression in the artistic work of his colleagues Pablo Picasso, Georges Braque and Max Ernst. These encounters again led to a change in his own painting style and even to his own destruction of previously created works. Through the founding of the Freie Künstlerschaft Wiesbaden, he came into contact with artists such as Alexej von Jawlensky. In 1933 Ritschl presented his paintings at an exhibition in the Folkwang Museum in Essen, which was closed by the National Socialist rulers. From then on, Otto Ritschl's art was considered degenerate and could no longer be shown in public. He paused his art for a time during the Second World War. ''Every external image is the image of an internal image. The image is not created, it is fought for.'' Likewise, over his creative years, the artist developed a formal language all his own: Complete abstraction in form and colour make up his works, which, as here, feature filled-in basic geometric forms. Yet the respective composition is broken in its rigidity by unexpectedly dynamic lines, allowing movement and dynamism in the picture that the eye follows.Painting 54/18 itself stands in Ritschl's transitional phase from figuration to abstraction. A highly exciting and interesting period in Ritschl's work! Similar paintings from this period (54/9-11) are in important museum collections, such as the Von-der Heydt-Museum Wuppertal and the Städtische Kunstsammlung Karlsruhe. Other works from 1954 are in the collections of the Hessisches Landesmuseum Darmstadt (54/16), the Wilhelm Lehmbruck Museum, Duisburg (54/17) and the Karl Ströher Collection, Darmstadt (54/19).
Pablo Picasso (1881 Malaga - 1973 Mougins) (F)'Buveur sur un Ane et Femme', Kaltnadelradierung auf Papier, 18 cm x 12,7 cm Plattenmaß, 29,5 cm x 21 cm Blattmaß, signiert, 19/50 nummeriert, im Druck 22.3.60 datiert, an der oberen Kante montiert, Papier gebräunt, partiell leicht stockfleckig, partiell fleckig, Literatur: Wvz. Bloch 980, mit Abb. S. 214Pablo Picasso (1881 Malaga - 1973 Mougins) (F)'Buveur sur un Ane et Femme', cold needle etching on paper, 18 cm x 12,7 cm plate dimension, 29,5 cm x 21 cm sheet dimension, signed, numbered 19/50, dated in print 22.3.60, mounted at upper edge, paper browned, partly slightly foxed, partly stained, literature: Wvz. Bloch 980, with ill. p. 214
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